La violencia de ‘Green Room’ y el porno romántico de ‘Love’ se suman a la programación de Sitges 2015

Será una edición marcada por la pluralidad, que acogerá el terror sobrenatural de ‘We Are Still Here’ y lo último del cine asiático

La 48ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya continúa añadiendo títulos a su programación. El director del certamen, Ángel Sala, anunció ayer algunas de las nuevas incorporaciones a Sitges 2015 en un encuentro mantenido con el público en la Fàbrica Mortiz de Barcelona. Las esperadas Green Room, de Jeremy Saulnier, y Love, de Gaspar Noé, estarán en Sitges 2015.

El director de Blue Ruin, Jeremy Saulnier, causó impacto en Cannes con Green Room, una sangrienta batalla entre una banda punk y una de skinheads. Cine independiente norteamericano de ultraviolencia, protagonizado por el capitán Jean-Luc Picard, Patrick Stewart.

Tras las transgresoras Irreversible y Enter the Void, Gaspar Noé, director argentino afincado en Francia, cierra la trilogía con Love, un experimento de romanticismo pornográfico en 3D que también creó controversia en Cannes. El film mantiene los ambientes claustrofóbicos de las cintas anteriores, aunque se adentra en el terreno del melodrama, centrado en la historia de un triángulo amoroso lleno de flash–backs, drogas, música y fluidos.

En la programación del Festival no podía faltar un subgénero con numerosos adeptos siempre fieles, el del terror de casas encantadas. En Sitges 2015 podrán disfrutar con We Are Still Here, opera prima de Ted Geoghegan, protagonizada por la mítica Barbara Crampton (Doble cuerpo, Re-Animator, The Lords of Salem, entre otros).

En una 48ª edición que mira con especial atención hacia Japón, tres producciones se añaden a  las nuevas propuestas, ya anunciadas, de Takashi Miike (Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld), Sion Sono (Love & Peace) o las dos partes deAtaque a los Titanes. Se trata de la adaptación animada de estas últimas; Parasyte, adaptación del manga homónimo de Hitoshi Iwaaki, dirigido por Takashi Yamazaki, que también se verá en dos partes, y The Ninja War of Torakage, el retorno del director Yoshihiro Nishimura, que se aleja del gore de anteriores cintas como Tokyo Gore Police o Vampire Girl vs Frankenstein Girl.

Sin movernos de Asia, el Festival anuncia The Taking of Tiger Mountain, de Tsui Hark, una coproducción entre China y Hong Kong de temática bélica, y SPL 2: A Time for Consequences, dirigida por Pou-Soi Cheang, proveniente de Hong Kong

Sitges 2015 –una edición centrada en el homenaje a Seven, de David Fincher, en el 20 aniversario de su estreno– ya ha anunciado uno de los premiados: el director Nicolas Winding Refn, que recibirá el Premio Màquina del Temps. Entre las películas más esperadas que cubrirán la parrilla destacan Victoria, de Sebastian Schipper; la última producción made in Blumhouse, The Gift, los niños zombies de Elijah Wood en Cooties, o el Schwarzenegger más dramático de Maggie. Por lo que se refiere a la producción catalana, el Festival presentará Segon origen, de Carles Porta; El cadáver de Anna Fritz, de Hèctor Hernández Vicens; Vulcania, de José Skaf; Summer Camp, de Alberto Marini y Sacramento, de Carlos Cánque.

Abonos y acreditaciones

La venta de abonos de Sitges 2015 se inicia hoy, 17 de julio. Además de los abonos habituales, las novedades principales de esta edición son el Abono Butaca VIP Retiro y los packs temáticos para secciones: Pack Fantàstic, Pack Anima’t y Pack Noves Visions.

El plazo para poder solicitar acreditaciones de prensa se abrirá el lunes, 20 de julio.

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Año: 2015. Duración: 126 min. País: Estados Unidos. Director: Alan Taylor. Guión: Laeta Kalogridis, Patrick Lussier. Música: Lorne Balfe. Fotografía: Kramer Morgenthau. Reparto: Emilia Clarke, Arnold Schwarzenegger, Jason Clarke, Jai Courtney, J.K. Simmons, Dayo Okeniyi, Lee Byung-Hun, Matt Smith, Michael Gladis, Sandrine Holt, Natalie Stephany Aguilar, Teri Wyble, Brett Azar, Starlette Miariaunii, Nolan Gross.

La práctica del “reboot” o “recomienzo” de una franquicia para insuflar nueva vida a una saga ya agotada no es nueva, pero es difícil hallar con la fórmula que permita que una nueva generación de fans se enganche a un fenómeno que, al menos en teoría, habría procurado unos excelentes beneficios a sus productores, amén de participar en la orgiástica cultura popular en la que vivimos inmersos. Las razones para el reboot de una franquicia pueden ser varias: el envejecimiento de los actores, su agotamiento comercial o simplemente la actualización y renovación estética y temática que la permita subsistir en los nuevos tiempos, teniendo en cuenta que, por lo general, las sagas objeto de reboot ya forman parte de nuestro imaginario pop. Entre los reboots más sonados de la última década figuran el desastroso lanzamiento de Jason Momoa como  Conan El Bárbaro (2011) o la enquencle revisitación de Robocop (2014) de la mano del a priori interesante José Padilha. Otro de los reboots más esperados del 2015 ha sido el de la saga Terminator, y aunque parecía imposible superar lo que en nuestra memoria colectiva los buenos recuerdos que conservamos de la mitología creada por James Cameron, un guión obra de Patrick Lussier y Laeta Kalogridis que no ha insultado a la inteligencia de los espectadores y la dirección firme y pirotécnica de Alan Taylor, ayudado por el especialista en cine de acción Alexander Witt, lo ha hecho posible; Terminator cuenta con su reboot, Terminator Génesis (Terminator Genisys, 2015), y ha cumplido con creces las expectativas que los aficionados han puesto en él, un reboot que, a priori, y todo hay que decirlo, eran pocas, y es que nuestro nivel de hartazgo ante las producciones que únicamente pretenden seguir sacando réditos de lo conseguido en el pasado es ya una actitud difícil de quitarnos de la cabeza y está más que justificada.

Terminator Génesis (Terminator Genisys, 2015) se concibe como un refrito de las dos primeras entregas de la saga: Terminator (1984) y Terminator El Juicio Final (1996) pero en clave de blockbuster veraniego. Si la primera entrega de Terminator fue una película de serie B con unos resultados que trascendían su propia concepción, en la segunda, los efectos especiales se convertían en los protagonistas de la función creando una espectacular cinta a golpes de mamporro digital, aún incipientes en la industria cinematográfica, pero lo suficientemente avanzados como para precognizar lo que sería el futuro del cine de entretenimiento y acción. Los resultados de ambas partes no tuvieron parangón para el desastre que supuso la crepuscular e innecesaria Terminator 3 La Rebelión de las máquinas (2003) o la poco comprendida Terminator Salvation (2009). La nueva entrega o reboot, Terminator Génesis, coprotagonizada por Arnold Schwarzenegger, es una película arriesgada toda vez que en nuestra memoria ha quedado un grato recuerdo de los filmes de 1984 y 1996 -y a algunos también de la cinta de 2009 entre los que se encuentra el autor de esta crítica-, un capítulo que reinicia la serie pero que necesita de la complicidad del espectador, o más, del fan, para que funcione. Sin ánimo de destripar demasiado una película que, por otra parte, tiene un argumento que ya ha sido desgranado de forma abusiva por su productora, diremos que Arnold Schwarzenegger es una terminator que acompaña a Sara Connor desde su niñez y que Kyle Reese juega un rol mucho más importante que en la primer episodio de la saga gracias a una sofisticación en los viajes en el tiempo que ambientan la película en tres momentos muy distintos del presente y el futuro inmediato de la humanidad.

El terminator interpretado por Arnold Schwarzenegger tiene un sentido del humor que nunca se vio en la saga primigenia, estirada y actioner donde las haya, permitiéndose incluso un guiño a contemporaneidad con un chiste sobre la crisis económica actual. Las secuencias de acción donde Arnold Schwarzenegger aparece son realmente movidas para un actor de la edad del austriaco, ya septuagenario, viéndose a un Schwarzenegger más dinámico que en recientes  producciones de acción como Sabotage (2014). Le acompañan Emilia Clarke -célebre por su papel en Juego de Tronos- interpretando a Sara Connor, Jason Clarke como John Connor y Jai Courtney como Kyle Reese, conformando un elenco que junto al despliegue de los efectos especiales y secuencias de acción son el núcleo y alma de una película granguiñolesca en sus sets de acción, y es que con estos actores y un guión que peca más de inteligente que de ingenuo -aunque en todo momento nos aportará una sensación de deja vú, eso sí muy grandilocuente- este reboot es una experiencia interesante y disfrutable.

Terminator Génesis tiene buenos momentos aunque en conjunto pueda herir la sensibilidad de los fans más puristas. Aparte de buenas ideas como el baño en ácido de uno de los terminators, la aparición de un nuevo androide de nueva generación o esa arriesgada pirueta de viaje temporal a mitad del metraje, se dan cita los tics más célebres de la saga: ahí está Arnold Schwarzenegger con un oso de peluche que encierra, ya lo suponemos, una escopeta, la aparición de Kyle Reese en el callejón, el policía que recuerda al T-1000…Puede que algunos fans vean falta de originalidad pero quizás su percepción es errónea pues muy diferente es que se realicen guiños a los dos primeras entregas de la saga -a fin de cuentas es un reboot- y otra es que Terminator Génesis no aporte la necesaria vuelta de tuerca a una historia que parecía agotada.

La nueva entrega de Terminator es, en consecuencia, un ejercicio de posmodernidad basado en una idea que de entrada ya era posmoderna, la del androide que se rebela contra sus creadores. En el campo de la posmodernidad y la cultura popular, mutante por propia definición, Terminator encuentra un nueva génesis y muchos lo aplaudimos, ojalá éste derroche de ingenio sirva de acicate para que los reboots de otras sagas puedan ser tan dignos como lo es este Terminator Génesis. Los títulos de crédito nos despiden con el tema principal de la saga compuesto por Brad Fiedel, una sintonía que se mantiene al margen en todo el metraje y nos apuntilla ese subidón de adrenalina que llevamos “sufriendo” toda la película. Simplemente estremecedor.

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Año: 1974. Duración: 115 min. País: Italia. Director: Liliana Cavani. Guión: Liliana Cavani & Italo Moscati. Música: Danièle Paris. Fotografía: Alfio Contini. Reparto: Charlotte Rampling, Dirk Bogarde, Philippe Leroy, Gabriele Ferzetti, Piero Vidal, Nora Ricci, Isa Miranda, Giuseppe Addobbati.

Queda plenamente justificada la polémica que suscito en su momento El Portero de Noche (Il Portiere di Notte, 1974), la película de Liliana Cavani es tan fascinante como incendiaria; en su día, alguna mente obtusa  incluso la llegó a calificar como pornografía sentimental (Vincent Caby, The New York Times) incapaz de ver la potente historia que había detrás de esta aparente retahíla de sexo soft y retazos de vejaciones de los campos de exterminio. Otras voces contemporáneas a Cavani, se escandalizaron máxime cuando era una mujer directora la que dirigía una película en la que el personaje femenino aparecía cautivo de una relación sadomasoquista con un criminal nazi dentro de un campo de exterminio, Una polémica servida para un filme que aún hoy en día sorprende, apasiona y sigue escandalizando.

Un resumen del argumento de la película nos situará en unas coordenadas que poco tienen que ver con esa producción en busca del morbo fácil con la que se etiquetó a El Portero de Noche, y más con la radiografía de una tormentosa relación de amor basada en instintos de dominación y sumisión: Max (Dick Bogarde) es un oficial de las SS en un campo de exterminio que se hace pasar por médico para humillar si cabe aún más a sus víctimas. Una de ellas, la joven judía Lucia (Charlotte Rampling), será la favorita de Max, con la que comenzará una relación sentimental basada en un juego de sumisión y dominación consentido por los dos. Terminada la guerra Max trabaja como portero de noche en un hotel vienés y pertenece a un grupo de antiguos oficiales de las SS que viven ocultos esperando la limpieza de su expediente para eludir a la justicia. La inesperada aparición de Lucia en el hotel donde trabaja Max hará que su pasión reprimida vuelva a bullir con intensidad y al mismo tiempo pondrá en peligro la vida de ambos.

A priori podría parecer que El Portero de Noche se mofa del Holocausto, dando por sentado que las vejaciones que sufrían los presos tenían un componente erótico o eran consentidas, pero no es ésta la lectura que se desprende de la película, ni siquiera parte de su trasfondo. El Portero de Noche es una película romántica, la historia de una arrebatadora relación sadomasoquista en el contexto de un campo de exterminio y, posteriormente, con el telón de fondo de la Viena de posguerra. La pasión con la que Max y Lucia viven su reencuentro refuerza la idea de que su relación en el campo fue parte de la sublimación de sus instintos más primarios, en los que Max era el perpetrador y Lucia la víctima. Los recuerdos de su anterior vivencia llegan al espectador en forma de breves flashbacks donde se muestra a Max sometiendo a Lucia con la aquiescencia de ella, aún más, el flashback de más larga duración es un número musical donde se ve a Lucia cantando y bailando semidenuda en un improvisado cabaret delante de varios oficiales nazis un tema de Marlene Dietrich cuya estrofa dice: “If I were to wish for something, I would like to be just a little happy, because if I were too happy, I would long for suffering”; imposible ser más explícito. El premio de Lucia es la cabeza de uno de los kapos(*) que la molestaba, Max le entrega este presente mientras la mira fijamente esperando su complicidad, creando de la víctima un nuevo perpetrador. Este macabro juego sexual inspirado en la historia bíblica de Salomé refuerza a Lucia como la hembra castradora freudiana en la que se habrá convertido cuando se reencuentra con Max.

Liliana Cavani rueda la película con elegancia y serenidad, usando una fotografía de colores oscuros que contrastan en la época de posguerra con la luminosidad de los escenarios abiertos. Las escenas de sexo son puramente eróticas, situaciones morbosas en las que los amantes aceptan y reconocen el rol, en ocasiones cambiante, que les corresponde. Pero además, Cavani realiza un loable ejercicio intrahistórico; si los momentos ambientados en el campo de exterminio son huidizos y poco gráficos, la penuria del encierro de la pareja en el piso de Max, donde vuelcan su pasión mientras se van quedando sin comida y son estrechamente vigilados por los antiguos comandantes del campo, es una analogía a los padecimientos del campo de exterminio, esta vez vividos y compartidos por ambos. La directora italiana nos ofrece una visión del exterminio en diferido, un certeza de que los traumas y las consecuencias de las atrocidades del exterminio siguen estando vivos en las víctimas. También nos sitúa en un momento histórico de la posguerra en el que los antiguos oficiales nazis limpiaban sus historiales a base de sobornos y asesinatos para seguir regodeándose en una vida de lujo, poder y opulencia en total impunidad.

El Portero de Noche, estrenada el mismo año que Ilsa, la Loba de las SS, es una pieza fundamental de la Nazisploitation pero también del cine de autor de la época. Liliana Cavani supo llevar al terreno artístico las temáticas de la Nazisploitation dotándolas de una elegancia y un erotismo que indefectiblemente causan la empatía del público con la pareja protagonista.  La eficaz labor de los actores y su dirección con mano firme creó escenas difíciles de olvidar, como el mencionado número musical o la que reconstruye a base de miradas estupefactas el reencuentro de ambos amantes. Sin mostrar apenas la anatomía de sus cuerpos, Max y Lucia desprenden una energía sexual de alto voltaje, quedando patente que los actores asumían sus papeles con entereza y realismo.

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Año: 1977. Duración: 86 min. País: Italia. Director: Luigi Batzella. Guión: Lorenzo Artale, Luigi Batzella. Música: Giuliano Sorgini. Fotografía: Ugo Brunelli. Reparto: Macha Magall, Gino Turini, Edilio Kim, Xiro Papas, Salvatore Baccaro, Giuseppe Castellano, Brad Harris, Benito Pacifico, Alfredo Rizzo, Brigitte Skay.

Luigi Batzella, con el alias de Ivan Kathansky, dirige esta cinta en la que el título original, La Bestia in Calore (1977), nos puede dar una idea de su argumento, aunque nunca, hasta que la visionemos, comprenderemos el delirio de su guión. Un campo de experimentación nazi es el particular infierno de la Doctora Ellen Kratsch (Macha Magall, habitual del exploit italiano de la época) y su equipo, cuyo proyecto estrella es convertir a uno de los prisioneros en una bestia simiesca ávida de mujeres a las que violará y matará. Según palabras de la propia oficial de las SS, lo que el experimento persigue es la creación de un superhombre, pero logra algo más parecido a un brutal humanoide con aspecto de neandertal. El personaje de la doctora, claramente inspirado en la rubicunda comandante Ilsa, La Loba de las SS, -la masterpiece del nazixploitation-, no llegará a la crueldad y vicio de ésta, aunque también castrará y ejecutará con saña a algunos miembros de la resistencia. El título La Bestia in Calore, no sólo se refiere a la bestia como la criatura encerrada en la jaula, también a la Doctora Kratsch, insaciable dominatrix y castradora al igual que lo era Ilsa.

Muy pobre estilísticamente y con una violencia bastante atenuada en la mayoría de las ocasiones, tiene como plato fuerte la aparición de la mencionada bestia y la escena de la castración de varios miembros de la resistencia. Hay subtramas que nos muestran las operaciones de la resistencia para acabar con la tiranía de la doctora, ejecuciones sumarias de los nazis que hoy serían censuradas desde su propia concepción en el guión como la del disparo en la vagina a una miembro de la resistencia, o el ametrallamiento de un bebé que lanzan al aire unos soldados, momentos que para ser efectivos requieren más de la imaginación del espectador que de la explicitud (nula) de la escena. Al final la doctora Kratsch prueba su propia medicina y acaba siendo una de las víctimas de su propio engendro.

SS Hell Camp o La Bestia in Calore formó parte de las conocidas como Nasty Movies por los censores británicos, es un producto exploit muy barato, tanto es así que nos encontramos estruendosos fallos de guardarropía a lo largo y ancho del metraje. La ambientación es igual de pobre, limitándose en el mejor de los casos, a unos pocos decorados y edificios desconchados. Para dar más empaque a la producción, que en su trama conecta con aquellas películas de “hazañas bélicas”, añade insertos documentales de la Segunda Guerra Mundial tintados en color de forma chapucera.

La película no puede evitar verse contagiada de un tono a lo “spaguetti western” , el cine italiano del a época encontró en los sucedáneos del western, el cine policíaco y el drama una válvula de escape para la creatividad de las productoras y equipos técnicos, aparte del inmensos beneficios económicos que les reportaron, de ahí que la fórmula cinematográfica empleada en muchas de sus películas fuera muy similar. Aún así SS Hell Camp o La Bestia in Calore conserva cierta dignidad al saber en que terreno se mueve en la mayor parte del metraje, sin incurrir en demasiada gratuidad de desnudos ni sadismo, y por supuesto es la actriz Macha Magall la que, con su personaje, el verdadero motor de una historia que sin ella sería tan tediosa como desechable.

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Año: 2015. Duración: 110 min. País: España. Director: Miguel Ángel Vivas. Guión: Alberto Marini, Miguel Ángel Vivas (Novela: Juan de Dios Garduño) Música: Sergio Moure. Fotografía: Josu Inchaustegui. Reparto: Matthew Fox, Jeffrey Donovan, Ahna O’Reilly, Quinn McColgan, Clara Lago.

Vivimos en tiempos de pandemia, llegó, se quedó y parece que nada podrá hacer que se erradique. Los infectados son millones ya, da igual el origen, en cada rincón del mundo puede haber un brote y convertir las ciudades en cementerios o en zoológicos de jaurías inhumanas, pero afortunadamente, y por lo que nos toca, no es así, es sólo ciencia-ficción. La pandemia del neoliberalismo actual sólo es comparable a lo que la cultura popular denomina pandemia zombie: libros, películas y comics reviven lo que una vez fue el denostado género zombie, ésta vez mutado en una especie más agresiva, rápida y de contagio inminente, que es la pandemia de los infectados. Da igual si una nueva película explica el origen o no, ya tenemos varios referentes cinematográficos que nos hablan de cómo se originó: la canónica y posmoderna 28 Días Después (28 Days After, 2002) o la más metafísica saga [REC] (2007). Desde estos puntos de partida los nuevos zombis no están muertos, o no necesariamente, son infectados, personas portadoras de un virus letal que les convierte en seres desquiciados y virulentos, capaces de desarrollar y transmitir la infección en cuestión minutos frente a la lentitud del proceso de transformación zombi tradicional. Las películas que se producen bajo el paraguas de esta nueva pandemia global se centran en la supervivencia de los que quedan y en cómo el nuevo mundo post-pandemia puede afrontar el futuro sin olvidar la escala de valores de la civilización occidental. También hablan del individualismo, una enfermedad social procedente del capitalismo salvaje que devora a la sociedad de siglo XXI y, en cierta manera, ha sido el causante de la ola de infecciones mediante la experimentación médica y el abuso de poder.

Extinction (2015), la tercera y nueva película de Miguel Ángel Vivas, basada en la novela  “Pese a Todo” de Juan de Dios Garduño, aporta un grano de arena a la mitología de ese mundo post-apocalíptico en los que los pocos humanos que quedan deben sobrevivir, normalmente solos o en pequeños grupos, para evitar el casi inevitable final, un desenlace para este mundo en el que los infectados serán los dueños del planeta a pesar de las medidas de cuarentena y purga que los gobiernos aplicarán con mano dura. La cinta de Miguel Ángel Vivas nos sitúa en una ciudad helada donde los infectados aún no han llegado debido al clima extremo de esa geografía. En este marco es donde Vivas reúne a tres personajes, dos adultos y una niña encabezados por Patrick (Matthew Fox), a los que en el último tercio de la película se une el personaje de Clara Lago.

Con un buen arranque que sirvió para publicitar la película en el pasado Festival de Cine Nocturna, la propuesta de Miguel Ángel Vivas, cuenta con un reparto netamente norteamericano -el grueso del equipo técnico es español-, adentrándose en el terreno del cine de horror comercial tras su indispensable Secuestrados (2010). Extinction es una película que cuenta con un presupuesto ajustado al que se le ha sacado mucho partido, creando una situación global de claustrofobia y soledad que bebe de dos fuentes fundamentales: la versión de Soy Leyenda (I am Legend, 2007) de Francis Lawrence y los escenarios helados y solitarios de 30 Días de Oscuridad (30 Days of Night, 2007), ambas basadas en novela y cómic respectivamente. Extinction se encuentra vertebrada no tanto en una historia de infectados, que por supuesto es el leitmotiv central de la película, como en un drama familiar que tiene como telón de fondo las consecuencias de la pandemia: aislamiento, pérdida de familiares, alcoholismo, supervivencia. Así, la historia gira alrededor de un padre que purga sus pecados con el alcohol por haber sido causante de la infección de su esposa, y de una niña, cuidada por su amigo ante la incapacidad del primero que continuamente está ahogando sus penas en alcohol.

Originalidad no vamos a encontrar demasiada, al guión se le ven las costuras por todas partes, especialmente a partir de la mitad de la película en el que la amenaza de los infectados es un hecho inminente, y el último cuarto de la cinta, clímax de la acción, aparte de estar claramente inspirada en el asedio de la casa de La Noche de los Muertos Vivientes (Night of the Living Dead,1968), presenta muchas dudas en cuanto a su planificación, sin terminar de funcionar bien como secuencia de acción. Extinction es un producto para la industria, una película comercial que viene a unirse a la pléyade de títulos que con mejor o peor fortuna han profundizado en el retrato de la pandemia de infectados que asola nuestro planeta -en las pantallas de cine- y que ya son parte de nuestra cultura popular. Cabe concederle el mérito a Vivas de la creación de una atmósfera desasosegante, al retrato del vacío existencial de los personajes sumergidos en alcohol y rencor que ven como el escaso mundo que hay a su alrededor se derrumba en cuestión de horas, ahí donde el alcoholizado personaje de Matthew Fox busca su redención sin oportunidad y donde perdiendo a su perro, único compañero que le queda, argumento que conecta con el brutal nihilismo que exhibe la reciente producción australiana The Rover (2014) y su desesperanzador desenlace, transversal lectura del apocalipsis con un origen distinto.

Extinction puede no ser una película redonda, y cuestionable en muchos aspectos, pero quizás encuentre, si la promoción es adecuada, un rincón en la lista de títulos que intentan dibujar una Apocalipsis de San Juan donde los humanos seremos víctimas de nuestras enfermedades sociales y las trompetas no pararán de sonar en pos de una agonía que indefectiblemente no tendrá otra conclusión que la extinción de la especie humana.

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El prolífico director japonés presentará en el Festival los films Tag, Love & Peace y The Virgin Psychics

El cine japonés tiene en Sion Sono uno de los máximos exponentes actuales. Reconocido y galardonado internacionalmente, el cineasta y poeta visitará la 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya para recoger el premio Màquina del Temps a su trayectoria y, presentar tres de sus últimos films: Tag, Love & Peace y The Virgin Psychics.

Sion Sono (Toyokawa, 1961) se ha convertido en uno de los nombres imprescindibles del cine asiático moderno, un irreverente director de culto que ha conseguido crear un lenguaje fílmico muy personal a lo largo de su carrera, donde la juventud, la muerte o la religión aparecen como obsesiones recurrentes. Su éxito se inició con la impactante Suicide Club (2002) y se consolidó con la multipremiada Love Exposure (2008), una cinta épica de cuatro horas de duración que supuso una crítica radical a los valores juveniles. También destacan los títulos Why Do not You Play in Hell? (2013) y Tokyo Tribe (2014). Con una creatividad sin límites y más en forma que nunca, Sion Sono tiene previsto estrenar hasta cinco filmes durante este año 2015.

El fascinante director es un habitual del Festival de Sitges, donde presentó en 2010 Cold Fish, ganadora del Premio Casa Asia, Guilty of Romance y Himizu en 2011 y Bad Film en 2013. Dos de sus últimas locuras, Tag y Love & Peace, recientemente han obtenido el premio a la mejor película y actriz, y el premio del público, respectivamente, en el Festival Fantasía de Montreal.

Tag es una película sangrienta, explosiva y divertida en la que un grupo de colegialas se enfrenta a una amenaza sin forma que las ataca brutalmente. Se trata de una adaptación de la novela Riaru Onigokko, de Yusuke Yamada. Love & Peace, en cambio, enlaza dos tramas que se inician con un gris y aburrido oficinista, aspirante a estrella de la música que, en un arrebato, lanza su mascota, una tortuga, por el inodoro. Y en contraste con el horror psico-sobrenatural de Tag y la fábula socio-fantástica y piro-musical de Love & Peace, llega The Virgin Psychics, comedia erótica y fantasía juvenil sobre una imposible revolución sexual en el corazón de Japón. Tres propuestas con el inimitable sello de Sion Sono que prometen grandes dosis de delirio en Sitges 2015.

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Está ocurriendo algo curioso con los iconos de la cultura popular del siglo XX: ante la inminente desaparición de las encarnaciones de esos iconos debido a la inmutable ley de vida que evita el colapso del planeta, muchos de los aficionados más jóvenes deciden formar parte activa de la leyenda y reivindican para sí el valor del clasicismo frente a la transgresora posmodernidad que normalmente arrasa todo a su paso como una apisonadora. Dentro de la cultura popular cinematográfica hay leyendas vivas que siguen en activo -requisito “sin ecuanon”-, alzándose como los adalides propiciatorios  de ese retorno al paraíso de aquella cinematografía pausada y artesanal. Gracias al estreno de El Francotirador (2014), el realizador Clint Eastwood (San Francisco, 1930) es ahora adorado por legiones ingentes de veinteañeros. Avatares de la vida, el actor y director norteamericano ha pasado largas temporadas de ostracismo en las que la prensa especializada lo relegó injustamente a la categoría de dinosaurio, en tanto ensalzaban las vacuas pirotecnias de los directores de blockbusters.

“El mundo se divide en dos, Tuco: los que encañonan y los que cavan. El revólver lo tengo yo, así que ya puedes coger la pala” (Clint Eastwood en El Bueno, el Feo y el Malo)

Bien para unos, mal para otros, el caso es que el rescatado Eastwood ha sido siempre admirado por su doble trabajo de actor y director, funciones que en muchas ocasiones ha compaginado en un mismo filme. Echando la vista muy atrás lo recordamos vestido con un poncho raído y un sombrero mugriento, sosteniendo en los labios un cigarro prácticamente acabado en la “trilogía del dólar” de Sergio Leone (Por un puñado de dólares, La Muerte tenía un precio, El Bueno, el feo y el malo), realizador con el que conformó un personaje, el del pistolero desconocido, que junto a otro puñado de trasuntos de tipos duros ha marcado el sino comercial de Eastwood; esto pese a los continuos intentos del californiano por desmarcarse de este tipo de papeles, y si no ahí tenemos al emotivo personaje que encarnaba en Los Puentes de Madison (1995).

“Sé lo que estás pensando, cerdo. Si disparé seis balas o solo cinco.” (Clint Eastwood en Harry El Sucio)

En la mayoría de las ocasiones, la reputación de Clint Eastwood como versátil cineasta no difirió demasiado de los roles que siempre le gustó encarnar. Durante 3 décadas sus vertientes actoral y de realizador prácticamente se fundían en una sola, alternando títulos dirigidos por otros realizadores. Eastwood siempre interpretó a personajes de gatillo fácil, antihéroes como el duro y fascistoide policía Harry Callahan (Harry el Sucio, 1971), el oficial Schaffer de El Desafío de las Águilas (1970) o el detective Shockley en la emocionante y ultraviolenta Ruta Suicida (1977), sólo por citar algunos de una interminable lista de personajes. Pese a quien le pese, y llegados a este punto, muchos aficionados tachan a Clint Eastwood de ultraconservador, pero dejando atrás valoraciones de índole política o moral, las películas de Eastwood como director y/o actor fueron en su mayoría unas excelentes cintas de acción que deberían ser revisadas por los que gustan de la adrenalina y el olor a pólvora.

Tras una aciaga y poco productiva -creativamente hablando- década que arrancó con Bronco Billy (1980), fueron los años 90 la década de la llamada a la redención para Clint Eastwood. Los desastres taquilleros de Firefox (1982), una cinta a mayor gloria de la administración Reagan de la época, o los sucesivos descalabros de las secuelas de Harry el Sucio abocaban al actor/realizador a plantearse una nueva forma de hacer cine y una necesidad imperiosa de buscar nuevas historias. De la irregular década de los 80 sólo salvamos un par de títulos: el enigmático western crepuscular El Jinete Pálido (1985) y la caricaturesca El Sargento de Hierro (1986).

Adiós al vengador ¿o no?

Cazador Blanco, Corazón Negro (1990) inaugura una década de cambios sustanciales en su filmografía. En primer lugar, adapta un estilo de rodar más acorde con la estética y maneras de la época, capaz de competir con una cinta de acción como El Principiante (1990) con los realizadores del cine de acción de moda, o con thrillers como En la línea de fuego (1993), una cinta cuyo mayor interés reside en haber compartido cartel con la entonces incipiente estrella John Malkovich pero por la que ha pasado muy mal el tiempo. Fueron títulos como Un Mundo Perfecto (1993), Poder Absoluto (1997), la citada Puentes de Madison (1995) o Ejecución Inminente (1995) las que devolvieron al duro Eastwood a las portadas de la prensa especializada. También contribuyó el añadir un matiz a su filmografía, desconocido hasta entonces y que desconcertó a sus detractores. Si Clint Eastwood siempre había sido considerado como un derechista debido a una filmografía sustentada en la acción y la violencia, ésta toma un sorprendente cariz social, no reñido con argumentos propios del thriller o el actioner. Este giro al cine social, muy camuflado eso sí por una buena tonelada de acción, alcanzaría su madurez en la década siguiente, donde pudimos disfrutar de una severa y conmovedora reflexión sobre la eutanasia en Million Dollar Baby (2004). Como curiosidad señalar que el filme de Alejandro Amenábar Mar Adentro (2004) coincidió en su estreno con el Million Dollar Baby, llegándose a acusar a Clint Eastwood de colaborar en una agenda progresista a favor de la eutanasia.

La muerte de un antihéroe

En estos momentos Clint Eastwood es un realizador octogenario que sigue en activo. Ya en Gran Torino (2008) el actor norteamericano acusaba un notable cansancio al interpretar por enésima vez a ese endurecido pistolero/sargento/policía/vengador que resolvía todo a tiro limpio. Gran Torino fue una película con cierto punto de ternura en el que Eastwood finiquitaba de una vez por todas a aquel personaje mediante su muerte en la pantalla, eso sí, renunciando al uso de la violencia en su momento final. Sin duda la filmografía de Eastwood había virado radicalmente, terminando con ese personaje que había lastrado su carrera, más para bien que para mal, durante tanto tiempo. El realizador que surgía de las cenizas de El Gran Torino se dedicó a la loar la conciliación entre blancos y negros en Suráfrica con Invictus (2009) y a destapar los trapos sucios de la gestión de Edgar J Hoover en la homónima J. Edgar (2011), cinta ésta que distaba mucho de estar rodada con pulso al acercarse a un formato más televisivo.

Y cuando todo apuntaba a que Eastwood iba a convertirse en un cineasta consagrado a remover conciencias, a destapar las miserias de Norteamérica y transfigurarse en adalid del progresismo, tras la localista Jersey Boys (2014), este incansable realizador sorprende al mundo entero con El Francotirador (2014). La adaptación del libro autobiográfico de Christopher Kyle, el que dicen fue el francotirador más letal de EE.UU. y héroe nacional, ha levantado tantísimas ampollas que ha puesto en pie de guerra una vez más a detractores y admiradores de Clint Eastwood. Nada así se podía esperar de él a estas alturas de su vida, pero lo ha hecho, ha vuelto a meter el dedo en esa llaga ya cerrada de su cercanía a posturas ideológicas ultraconservadoras.

Entre patriotas y asesinos anda el juego

El Francotirador no es una gran película bélica, todo lo contrario, adolece de ritmo, la puesta en escena es demasiado parca y las escenas de acción están ya manidas por producciones anteriores que la superan en efectividad e impacto visual, y si no ahí están títulos como Black Hawk Derribado (2001) o Green Zone: Distrito Protegido (2010), ambos ambientados en contiendas de Oriente Medio que comparten temáticas y valores estéticos y visuales semejantes, pero cuya distancia a la película de Eastwood es kilométrica, en detrimento de la propuesta del veterano director, claro. Lo que El Francotirador muestra sin ningún tipo de tapujos, y en eso no hay que quitarle el mérito a Clint Eastwood, es que no ha tenido reparo alguno en mostrar el sentir de millones de norteamericanos por su héroes nacionales, personajes que aquí tildamos de asesinos de masas, de criminales de guerra u otros calificativos aún menos piadosos. El comienzo de la cinta, con un joven Chris Kyle recibiendo consejos ultraderechistas de su padre tras la asistencia a una misa evangélica, y el final, imágenes documentales reales de lo que fue la despedida y funeral del francotirador, con toda una ciudad volcada, son momentos realmente estremecedores que abrirán heridas en las mentalidades más progresistas, pero que, si se les quiere desposeer de juicios morales, son el reflejo de la mentalidad de gran parte de un pueblo, el norteamericano, que ha vivido en guerra “preventiva” perpetua desde la comisión del genocidio indígena a finales del siglo XIX y principios del XX. Es lo que hay: Eastwood, cuenta, documenta y participa de ello sin el menor complejo.

Tras el estreno de El Francotirador los fans de Eastwood, quizás abrumados por el explícito mensaje de la película, quieren ver en el metraje un retrato del semblante oscuro del héroe, una crítica velada a una sociedad militarista y agresiva, intentan salvar los papeles de un filme que artísticamente no tiene gran cosa y de la reputación de un director que es como es, nos guste o no. Clint Eastwood tiene más de 80 años y no tiene que demostrar nada a nadie, ni mucho menos dar lecciones de moral. Es cierto que es un director cuya obra no tiene unas líneas autorales definidas, quizás ni siquiera se le pueda considerar como un autor, es más un director de oficio que siempre ha contado lo que le ha parecido mejor y que ha alternado títulos mayormente conservadores con otros de más progresistas, pero en todo caso es un superviviente nato, y con el Francotirador lo ha demostrado volviendo al candelero de la actualidad, entusiasmando por su polémico filme a jóvenes aficionados que se acercan a revisar la filmografía de esta leyenda viviente.

Clint Eastwood ¿un dinosaurio? Por supuesto, pero un Tiranosaurius Rex nada menos, y cuidado que aún puede morder.

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Brigadoon proyectará el terror más heterogéneo y consolida su apuesta por los documentales

La actriz Rosanna Yanni recibirá el Premio Nosferatu y la sección proyectará algunos títulos de su carrera

El realizador mexicano Taboada, las musas del cine de terror Rossana Yanni y Me Me Lai, el mítico realizador Ibáñez Serrador y su factoría, la figura del añorado Juan Piquer Simón y el estreno mundial del documental sobre Soledad Miranda serán algunas de las principales propuestas de la programación de un Brigadoon plural en las formas, aunque auténtico, una vez más, en su contenido de producciones de género radical y culto.

Brigadoon reúne una colección sugestiva de largometrajes de ficción, cortometrajes y documentales en un cartel con premieres mundiales, también revisa trayectorias relevantes en el cine de género, ofrece una buena selección de documentales y presenta su primer libro oficial.

Entre los largometrajes de ficción programados destacan títulos como Guinea pig: Bouquet of guts & gore, dirigida por Stephen Biro, una nueva reconstrucción del sanguinario episodio Flower of Flesh & Blood , de Hideshi Hino, de la mítica saga Guinea Pig; Female Werewolf, una aproximación al universo de Jesús Franco, dirigida por el editor de la revista Fangoria, Chris Alexander; Darkside Witches, de Gerard Diefenthal, protagonizada per la mítica actriz Barbara Bouchet i Le scaphandrier (Death Dive), una película que podría ser un perfecto remake del film de John Carpenter La niebla, dirigida por Alain Vézina. Además, la mítica actriz Me Me Lai, presentará Eaten Alive! The Rise and Fall of the Italian Cannibal Film, dirigido por Calum Waddell.

Estos films se suman a los ya anunciados Villa Nabila, de Syafiq Yusof; The Entity, de Eduardo Schuldt; O diablo mora aquí, de Rodrigo Gasparini y Dante Vescio, y Me and my Mates vs. the Zombies Apocalypse, deDeclan Shrubb.

Un año más, Brigadoon ofrece una esmerada selección de documentales en su programación. Este año, será el escenario de la premiere mundial de Soledad Miranda: una flor en el desierto, de Pepe Flores & Paco Millán, documental centrado en la desaparecida actriz sevillana, y The Simon’s Jigsaw: un viaje al universo de Juan Piquer Simón, de Luís Esquinas, que tiene como protagonista al también desaparecido realizador y productor valenciano Juan Piquer Simón.

Brigadoon 2015 proyectará también los capítulos El cumpleaños, El doble, El regreso, El último reloj y El caso del señor Valdemar de la mítica serie de televisión Historias para no dormir, inéditos hasta el momento en DVD. La factoría Ibáñez Serrador se encuentra en plena fase de preproducción de una nueva temporada de la popular serie de terror creada por el legendario NarcisoChicho Ibáñez Serrador. En esta nueva etapa, Prointel Producciones, dirigida ahora por su hijo, Alejandro Ibáñez, bajo la supervisión y sabios consejos de su padre y maestro, propone nuevas historias y versiones de algunos de los capítulos más terroríficos de la serie. El equipo creativo estará formado por directores consagrados y nuevos talentos del cine de géne ro español. Además de otros proyectos de entretenimiento, la productora está desarrollando también una película documental sobre la vida de Narciso Ibáñez Serrador.

El Premio Nosferatu este año será para la argentina Rossana Yanni, actriz muy prolífica en el panorama cinematográfico español durante la década de los sesenta y setenta  y protagonista de películas dirigidas por Amando de Ossorio y Jesús Franco. Brigadoon también proyectará algunas películas de su carrera como El gran amor del conde Drácula (1972), de Javier Aguirre o Bésame monstruo (1968), de Jesús Franco. De esta manera, Brigadoon seguirá con la disposición de reivindicar las grandes figuras del cine fantástico y de terror hechas en el estado español en décadas pasadas y, paralelamente, refuerza la importancia de la  mujer en el cine de terror, una línea que se extiende en otras secciones del Festival.

Brigadoon estrena una colección de libros con su propio sello. Y lo hace conTaboada, un estudio y homenaje a la figura del director mexicano Carlos Enrique Taboada, a cargo de varios autores.  La edición la realiza la editorial catalana Tyrannosaurus Books. Brigadoon, también proyectará Jirón ópera primade Christian Cueva, que gira alrededor de la figura del realizador mexicano. Al documental le acompañará una retrospectiva de Taboada con los films Veneno para las hadas (1984) y Más negro que la noche (1975), entre otros.

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Año: 1974. Duración: 96 min. País: Estados Unidos. Director: Don Edmonds. Guión: Jonah Royston, John C.W. Saxton. Fotografía: Glenn Roland. Reparto: Dyanne Thorne, Gregory Knoph, Tony Mumolo, Maria Marx, Jo Jo Devile, George ‘Buck’ Flower, Rodina Keeler.

Podemos afirmar sin ningún género de duda que Ilsa la Loba de las SS (Ilsa, She Wolf of the SS, 1974), es el incunable de la Nazixplotation. Clásico entre clásicos, ha sido y sigue siendo imitado hasta la saciedad, copiando descaradamente sus personajes y ofreciendo nuevos repertorios de torturas y sadismos. La idea original de Don Osmond tuvo una gran éxito debido a dos causas principales: primero, gran la cantidad de desnudos que muestra la cinta, entre ellos el de la madura e impactante anatomía de Dyanne Thorpe (la Comandante Ilsa), segundo el componente sexual explícito en sus escenas de crueldad, desde un mero desnudo –la chica torturada en la cámara de descompresión- a cualquiera de las innumerables torturas genitales –la escena de la castración o el test que realiza a las prisioneras con un enorme vibrador- que se muestran a lo largo y ancho de un metraje intenso que no deja indiferente a ningún espectador. La película comienza con un manifiesto en el que se afirma que todo el contenido de la cinta sirve a un solo propósito: denunciar las atrocidades nazis y evitar que vuelvan a ocurrir. La desfachatez del manifiesto que va pasando por la pantalla -mientras suena de fondo un discurso de Hitler- pudo aliviar la conciencia del público de la época después de una hora y media de brutalidades y sexo soft , pero está claro que el ánimo historiográfico de la película era pura fachada, teniendo en cuenta el ánimo de explotación con el que se realizaban este tipo de producciones y sus pretensiones morbosas: sexo y sadismo, bien en un campo de concentración, en la selva amazónica -recordemos las cannibal movies italianas-, o el interior de un convento –nunexplotation-.

El personaje que interpreta Dyanne Thorpe en Ilsa la Loba de las SS, es el de Ilsa Koch, comandante de un campo de experimentación médica cuya misión es usar a presos para averiguar cuáles son los límites de la resistencia humana. Paradójicamente, Ilsa siempre exhibe una actitud muy feminista y casi a contracorriente de la época en un cine dominado secularmente por el género masculino, afirmando con pruebas científicas –fruto de las torturas a las que somete a sus prisioneros- que la mujer es más resistente físicamente que el hombre y por ello se le debe conceder el honor de combatir a los enemigos de Alemania. Distinta en cuanto a sus sádicos objetivos fue el personaje real en el que se inspira la película, el de la auténtica Ilsa Koch, esposa del oficial Karl Koch, comandante del campo de prisioneros de Buchenwald. Si los desmanes de los oficiales nazis en el campo de prisioneros ya eran constitutivos de delitos de lesa humanidad, los caprichos de Ilsa entraban de lleno en terrenos  perversión y psicopatía profunda: la rubicunda esposa del comandante abusaba de guardias y prisioneros, más a estos últimos les examinaba al dedillo en busca de tatuajes de calidad artística que ordenaba arrancar de su piel para construir pantallas de lámparas y otros objetos con los jirones de piel tatuada. Ilsa Koch, que nunca se arrepintió de sus crímenes, se suicidó en la cárcel de Aichach en 1967. La diabólica vida de Ilsa como cómplice y torturadora de las atrocidades nazis fue llevada al cine en tres ocasiones, si bien Ilsa la Loba de las SS es la que más directamente incide en el retrato de este personaje aún desde una óptica que se aleja del realismo para ofrecer un inquietante espectáculo de sadismo, sexo y morbo. Las otras dos aproximaciones cinematográficas a su persona, aún de forma difusa y hasta tangencial fueron Pascualino: Siete Bellezas (Pasqualino: Settebellezze, 1975) y El Lector (The Reader, 2008).

En nuestro país, Ilsa la Loba de las SS, fue clasificada con la famosa “S”, notación que indicaba lo inapropiado del contenido para menores de 18 años, pero aún así el público tuvo una gran accesibilidad para ver la película, y a pesar de que aquí y cualquier parte del mundo, muchos pudieran sentirse ofendidos por los brutales experimentos médicos de la comandante Ilsa, Don Osmond crea con Dyanne Thorpe un personaje icónico y difícil de igualar. Es la actriz norteamericana la que con su espléndida anatomía y su gesto autoritario insufla vida a una película que contó con sólo un set de rodaje y número de actores que apenas llegaría a las dos docenas. El uso de los elementos iconográficos nazis es tan potente que la figura de Ilsa tiene una cabida perfecta en tan complicado escenario. Su escote, su ropa interior negra de encaje, su fogosidad en las escenas de sexo, su manera de caminar entre los presos o sus aires de superioridad, la hacen dueña y señora de un microcosmos del horror donde poco cabe la esperanza, parafraseando a Dante Alghieri, aunque llegado el último cuarto de la película Ilsa sucumbe a la fuerza de la pasión sexual de forma inesperada a manos de uno de los presos del campo y los nazis son derrotados. Buceando entre los personajes secundarios destaca de forma singular el del General  Roehm (Richard Kennedy), un burócrata del Reich que disfrutará con las perversiones y los experimentos de Ilsa, y en última instancia se someterá sexualmente a la comandante. El aspecto del general no sólo es aterrador por la frialdad y amoralidad que escenifica con su uniforme negro, también su aquiescencia con Ilsa y su posterior traición, desenlace que nos remite a un episodio verídico del final de la Segunda Guerra Mundial: el desmantelamiento de los campos de exterminio para borrar toda evidencia del genocidio nazi.

El visionado de Ilsa la Loba de las SS nos lleva a al terreno del puro exploit, a esa zona oscura del discurso cinematográfico en el que los matices de los personajes y del guión son aristas tan afiladas que necesariamente debemos entrar en un polarizado juego moral. Aplicado a la Nazixplotation, nos enseña que todos los nazis eran unos criminales genocidas, vestían de cuero negro y realizaban atroces experimentos médicos a mayor gloria de su Führer y de su patria. Aunque la dinámica narrativa de la película parezca así  también hemos de admitir, y con muchísimas reservas, la existencia de dos ideas presentes en el guión que se cruzan y se ensamblan para conjuntar un alegato que hasta podríamos tildar de “progresista”, –con las enormes reservas que éste término y su aplicación a Ilsa la Loba de las SS debemos en cuenta -; verbigracia del nacionalsocialismo Ilsa se revela como una despiadada “supermujer” en el retorcido sentido Nietzscheano de la palabra, ese sujeto que ha olvidado toda normal moral impuesta y se siente libre para hacer lo que le plazca, y se empeña en demostrar que las féminas son superiores a los hombres pues su resistencia física queda fuera de toda duda. Usa a las mujeres como cobayas en sus brutales experimentos pero sólo para demostrar esa verdad que para ella es incuestionable, más cuando debe ejecutar la perversión sexual de su idolatrado General  Roehm. De hecho la perdición de Ilsa se produce por la traición de dos hombres, la de éste último y la de su amante, un insaciable semental americano recién ingresado en el campo de prisioneros.

Ilsa, la Loba de las SS contó con tres secuelas que nada tenían en común con su película matriz excepto la presencia de Dyanne Thorpe y el añadir un buen número de torturas al repertorio de su título matriz: Ilsa la Hiena del Harém (1976), Ilsa, la Tigresa de Siberia e Ilsa (1977), y una cinta de producción suiza que se cuenta como una secuela apócrifa de nuestra primera Ilsa, esta vez realizada por el prolífico director español Jess Franco y que llevó por título llsa (1977). Esta última, a pesar de su génesis apócrifa, también contó con Dyanne Thorpe en su papel principal. Si la saga de Ilsa la Loba de las SS fue concebida desde la exploitation, sólo ha sido la primera de las películas la que ha obtenido el reconocimiento de clásico, auténtica referencia de la Nazixploitation gracias a la fuerza de sus imágenes y al pulso que su protagonista ofrece al espectador, una encarnación del Mal, brutal y descarnado; pero Ilsa la Loba de las SS es una película que sin buscar la denuncia -aunque los productores así lo indicasen en sus títulos de crédito-, revive y exorciza desde el divertimento la memoria colectiva de un continente que en aquellos tiempos aún caminaba entre las bombas sin explotar que habían quedado en el suelo de sus ciudades.

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El terror norteamericano y el mejor horror de países emergentes, protagonistas en Sitges 2015

El thriller apocalíptico ‘Into the Forest’ será el encargado de clausurar el Festival

El terror más genuino será protagonista indiscutible en Sitges 2015, con films como The Devil’s Candy o We Are Still Here, que representan el cine de terror norteamericano más extraordinario. La 48ª edición del Festival de Sitges incluye verdaderas delicatessen de países que son potencias emergentes del cine fantástico y de horror, como Baskin (Turquía) o Ludo(India).

La programación Sitges 2015  – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya ya es una realidad. Impactantes cintas de género fantástico de todo el mundo, así como las propuestas más transgresoras y radicales del género, el nuevo talento emergente, las últimas novedades del cine asiático y una cuidada selección de documentales se dan cita este año en una edición del Festival que promete sensaciones fuertes.

La sección Oficial Fantàstic Competició contará con propuestas estimulantes, como el film turco Baskin, de Can Evrenol, un festín gore donde un grupo de policías se encontrará con un evento verdaderamente aterrador; la estadounidense The Devil ‘s Candy, de Sean Byrne, un relato terrorífico de posesiones satánicas de la mano del director de la sorprendente The Loved Ones;Bone Tomahawk, de S. Craig Zahler, un western con Kurt Russell y Matthew Fox, que se convierte en una exquisita cinta de terror, o Macbeth, de Justin Kurzel, una adaptación visceral de una de las tragedias más cruentas de Shakespeare, con Michael Fassbender y Marion Cotillard.

La programación Sitges 2015 también incluye producciones como Demon, de Marcin Wrona, que narra la historia de una pareja que encuentra unos huesos humanos en el terreno de su futura casa, el primero de una serie de hechos extraños que culminarán con la irrupción de un turbulento espíritu; The Final Girls, de Todd Strauss-Schulson, con la emergente Taissa Farmiga (presente en Sitges 2013, con Mindscape) y Malin Akerman, una película donde la hija de una estrella del cine de terror asiste a la proyección de un slasher protagonizado por su madre, pero un accidente acabará con la chica y sus amigas dentro de la película; Journey to the Shore, de Kiyoshi Kurosawa, un relato en el que una mujer que perdió a su marido en el mar ve como el fantasma de su compañero se le aparece ante los ojos; o la danesa What We Become, de Bo Mikkelsen, donde una familia queda aislada debido a un brote de gripe mortal en el vecindario y deberá hacer todo lo posible para protegerse mientras, en el exterior, la situación se tensa hasta estallar el caos.

La sección también acogerá otros títulos como The Boy, de Craig MacNeill, un thriller intimista y polvoriento, con David Morse y Rainn Wilson; Cemetery of Splendour, del tailandés Apichatpong Weerasethakul, una evocadora cinta donde unos soldados son tratados de una extraña enfermedad que les produce una constante somnolencia; Endorphine, de André Turpin, donde las vidas de tres mujeres que se llaman Simone comenzarán a comunicarse entre ellas de manera misteriosa y casi onírica, o la última propuesta de Alex van Warmerdam -que tras ganar con Borgman el Premio a la Mejor Película en Sitges 2013- nos presenta este año el filme Schneider vs. Bax, con un humor más negro que nunca.

El punto y final a la 48ª edición del Festival lo pondrá, en la clausura, la cinta canadiense Into the Forest, de Patricia Rozema, un thriller apocalíptico donde unas magistrales Ellen Page y Evan Rachel Wood interpretan dos hermanas que intentan sobrevivir en un mundo futuro en el que un apagón masivo precipita la humanidad hacia su final.

Estas propuestas se añaden a las ya anunciadas: títulos de alto nivel como Love, de Gaspar Noé; Victoria, de Sebastian Schipper; Green Room, de Jeremy Saulnier; The Gift, de Joel Edgerton; Turbo Kid, de François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell; Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld, de Takashi Miike; Life, d’Anton Corbijn; Le tout noveau testament, de Jaco Van Dormael, o Last Days in the Desert, de Rodrigo García, entre otros.

Diversidad de géneros

Dentro de la programación Sitges 2015 se proyectarán también títulos que se abren a otros géneros que, a menudo, conviven con el fantástico. La sección Oficial Òrbita se convierte en el espacio paradigmático para estas producciones, que presentará thrillers como La prochaine fois je viserai le coeur, de Cédric Anger, película donde un brillante y perturbador Guillaume Canet interpreta a un tímido policía encargado de investigar los crímenes que comete él mismo; Veteran, de Ryoo Seung-wan, -Premio en Sitges 2011 con The Unjust-, un nuevo thriller vibrante del maestro coreano en el que un detective que busca justicia declara la guerra a un magnate muy poderoso; o la comedia británica The Legend of Barney Thompson, primera incursión en la dirección de Robert Carlyle, que a su vez interpreta a un tímido y mediocre barbero de Glasgow, que sufrirá un drástico cambio en su vida. Además, la sección Oficial Sessions Especials muestra trabajos como la última aventura de los Monty Phyton, Absolutely Anything, dirigida por Terry (La vida de Brian) Jones, e interpretada por el carismático Simon Pegg, o la nueva cinta de Paolo Sorrentino, quien tras maravillar con La grande bellezza, presenta ahora Youth, un retrato nostálgico de la madurez, con Michael Caine y Harvey Keitel.

Noves Visions

Dentro de la programación Sitges 2015 se proyectará el cine más transgresor de todo el mundo, un año más, en Noves Visions, una sección que este año queda reestructurada en dos grandes bloques:One y Plus. One proyectará lo más nuevo de los perfiles más reconocidos del panorama internacional: Anomalisa, de Charlie Kaufman, el cerebro detrás de las grandes películas de Spike Jonze o Michel Gondry; Cosmos, lo más nuevo del mítico Andrzej Zulawski, recientemente galardonada en el Festival de Locarno, así como las nuevas obras de realizadores de primera línea, como Michael Winterbottom con The Face of an Angel o Takeshi Kitano con la comedia negra Ryuzo and the Seven Henchmen. Noves Visions One abrirá con la película espa&n tilde;ola La novia, de Paula Ortiz, una lectura en clave imaginaria del clásico Bodas de sangre, de Federico García Lorca, y se cerrará con Evolution, de Lucile Hadzihalilovic, una de las películas más perturbadoras de la temporada.

Por otro lado, Noves Visiones Plus será el marco idóneo para dar a conocer nuevos talentos, formatos híbridos y el cine más experimental. Plus contará con la radicalidad de Rick Alverson y su Entertainment, trabajo que abrirá una selección que incluye obras tan peculiares como Moonwalkers, de Antoine Bourdon-Jacquet; formatos innovadores como los utilizados por Sean Baker enTangerine, o una de las experiencias más aterradoras del Festival de este año,Der Nachtmahr, producción alemana dirigida por el artista multidisciplinar Akiz y que será capaz de provocar verdaderas pesadillas al respetable. Noves Visions Plus se cerrará, fuera de competición, con toda una revisión del cine histórico coreano, la sorprendente The Royal Taylor, de Lee Woon-Suk.

Fantàstic Panorama y Documenta

Las principales producciones con vocación independiente del género fantástico y de horror se proyectarán bajo el paraguas de la Sección Fantàstic Panorama, dentro de la programación Sitges 2015, incluirá títulos como El eslabón podrido, de Valentín Javier Diment; Hellions, de Bruce McDonald; Nina Forever, de Chris y Ben Blaine; Scherzo Diabolico, de Adrián García Bogliano; Southbound, de varios autores; Tales ofHalloween, dirigida por once célebres directores; The Dead Room, de Jason Stutter, o The Mind’s Eye, de Joe Bego. Por su parte, la sección Panorama Documenta dará a conocer trabajos de no ficción en torno al género, así como sus autores. Es el caso de Dark Star – HR Giger’s World, de Belinda Salles, documental que muestra la faceta más íntima del padre de una de las criaturas más terribles del cine: el Alien, o I Am Your Father, de Toni Bestard y Marcos Cabotá, un homenaje al actor que interpretó Darth Vader en la primera parte deStar Wars.

Anima’t y Midnight X-treme

Anima’t ha diseñado una atractiva y selectiva programación de propuestas de animación de todo el mundo, con obras como Dragon Ball Z: Resurrection ‘F’, de Tadayoshi Yamamuro, con guión escrito por Akira Toriyama, y que devuelve la saga a sus raíces más puras, y Evolution Man (Pourquoi j’ai pas mangé mon père), de Jamel Debbouze, una cómica aventura entre el elemento humano y el animal, realizada en motion capture.

Por otro lado, la Sección Midnight X-treme proyectará el cine de terror independiente más atrevido, en el que destaca el filme Bite, de Chad Archibald, donde una chica que está celebrando su despedida de soltera en un paraje exótico verá su cuerpo cambiar tras la fortuita mordedura de una criatura. El terror y la hemoglobina mantendrán la tensión en Midnight X-treme con otros títulos, como Bloodsucking Bastards, de Brian James O’Connell; GermanAngst, de Jörg Buttgereit, Michal Kosakowski y Andreas Marschall; Sendero, de Lucio A. Rojas, y Bite (en Sitges 2015 hay dos películas con el mismo título) de Alberto Sciamma, entre otros.

Además, la Sección Sitges Clàssics, con motivo de su 20 aniversario, rendirá homenaje a la película Seven, protagonista del cartel de esta 48ª. edición del certamen, un psicothriller que creó escuela y confirmó el talento de su director, David Fincher. La sección también proyectará The Thief and the Cobbler, de Richard Williams, cinta que muestra el trabajo original de su director, que se inspiró en Las mil y una noches.

El cine asiático tiene una presencia relevante en Sitges 2015. Realizadores consagrados y otros emergentes firman propuestas recogidas por la mayor parte de secciones, entre las que destacan Two Thumbs Up, The Assassin, Helios, Puerto Call, o las ya anunciadas The Taking of tiger Mountain y SPL2: A Time for Consequences. El Sitges – Festival de Cine de Sitges cuenta, de nuevo, con el apoyo de The Hong Kong Economic and Trade Office, en Bruselas, la representación oficial de la región administrativa especial de Hong Kong en la Unión Europea, que promueve enlaces económicos y comerciales entre este país y Europa y organiza seminarios de promoción de negocios e inversiones, eventos culturales, festivales de cine y las celebraciones del año nuevo chino.

El Festival gana una sala

La 48ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya estrena nueva sala, que se suma a los cuatro espacios de proyección clásicos del certamen, el Auditori, los cines Retiro, Prado y Brigadoon. La Sala Tramuntana, situada en el Hotel Meliá Sitges, sede oficial del Festival, será acondicionada como sala de cine y acogerá un buen número de sesiones, además de algunas clases magistrales relevantes. La nueva sala permitirá más flexibilidad al Festival a la hora de estructurar su parrilla y aportar más oportunidades a los espectadores y fans del certamen. Además de estas cinco salas, el Festival dispondrá de otros espacios con proyecciones gratuitas.

Parrillas y entradas

Las parrillas de programación de los diferentes espacios se harán públicas el próximo lunes 14 de septiembre.  La venta de entradas se iniciará el viernes 18 de septiembre, a las 12 horas.

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Año: 2015. Duración: 88 min. País: Estados Unidos. Director: Anthony C. Ferrante. Guión: Thunder Levin. Música: Chris Cano, Chris Ridenhour. Fotografía: Ben Demaree. Reparto: Ian Ziering, Tara Reid, Ryan Newman, Bo Derek, Cassie Scerbo, David Hasselhoff, Jack Griffo, Frankie Muniz, Erika Jordan, Mark Cuban, Maryse Ouellet, Chris Jericho, Barbra Roylance, Ne-Yo, Lou Ferrigno, Grant Imahara, Jerry Springer, Michele Bachmann, Anthony Weiner, Kathie Lee Gifford, Hoda Kotb, Chris Kirkpatrick, Kim Richards, Holly Madison, Kendra Wilkinson.

Sharknado 3 Oh Hell No! Mierda al cubo

Existen muchas formas de canalizar el frikismo por el cine de dudosa calidad y procedencia, como pueden ser el pasarte la noche antes de una partida de rol en vivo velando una copia certificada de la espada de Conan el Bárbaro de John Milius en el monte, analizar a conciencia la filmografía de Rutger Hauer mientras te compras un cortacesped como en Hobbo with a Shotgun, o mear en un WC público usando una mano para agarrarte el Pirulo tropical de Miko y teniendo la otra libre para comerte un Pirulo tropical de Miko a un Euro (y ofrecer ese helado a quien tiene la desgracia de orinar a tu lado). Pues si, estas son unas buenas opciones (También puedes besar la alfombra de Cannes que piso el dios de la caspa Lloyd Kauffman tres minutos antes, e intentas quedar no muy loco) y aunque las he hecho todas en algún momento de mi vida, no hay nada mejor que intentar engañar a gente ajena a este submundo para que se traguen el zurullo ese que llevas planeando meterte entre pecho y espalda desde hace un año. Como poco.

Para los conocedores de esta web, hoy toca el clásico artículo anual que nos sirve para aumentar los post por estos lares y parecer que somos más molones que la media. Si alguien quiere saber más, se va directamente a leer los artículos de las dos primeras partes que tenemos por aquí: Sharkanado y Sharkanado 2.

Sentíos completamente libres de gritar a los cuatro vientos desde la intimidad de vuestra casa un“¡Hoxtiaputajoder!”, “¡ La madre del cordero!” o, simplemente, daros cuenta de que la enajenación humana y su afán hip-hopero por pronunciar un “YO soy la hostia puta y voy a seguir sacando pasta de algo tan penoso” puede no conocer límites. Todo se debe al hecho de dedicarse en cuerpo y alma, de las maneras mas variopintas y cutres posibles, a sacar pasta con todas las ganas posibles a quien sea, para acabar abrazándote como si fuesen una vulgar rémora. Abrazar no: Mas bien para chuparte hasta la última gota de lefa y hacer virguerías con tu pene hasta que pidas piedad DOS veces.

Aunque como todos sabemos, los aficionados a la serie Z no solemos cansarnos ni pedir piedad sexual, así que La Asylum ha tenido que aplicarse como nadie.

El asunto ha llegado a límites del delirio febril más absoluto y puedo confirmar que la franquicia de Sharknado está tan inmersa en la parodia, la autoconciencia de que hacen basura, los cameos de estrellas de cine acabadas, y la venta de merchandising, que parece condenada a entrar en una fase de decadencia en la que tienen un gran peligro de acabar cansando, o fagocitados por si mismos. Aun así es un film lleno de acción viva, y, ocasionalmente, bastante divertido, pero que tiene pinta de que va a acabar cansando. Las intenciones de Anthony C. Ferrante siempre fueron superar los límites del absurdo y la degeneración (y por supuesto de la estupidez) desde que ese Sharkaggedon (Según Silicon Valley siempre comienza todo por un Gedon cualquiera como un Datageddon ) iniciara su éxito viral en 2013 gracias a que muchos famosos de medio pelo, comentaran sin ningún pudor el pedazo de cagarro que se estaban tragando cual chorizo de cantimpalo.

Como todos años, me he ido a casa de unos amigos para vérmela en buena compañía y poner la mano en el corazón gritando cada vez que disparan un arma de fuego. Ya sabéis, mi clásico “Dios bendiga a la segunda enmienda y los Estados Unidos de América”, ya que como digo siempre, un poco de derechismo bien entendido es necesario para disfrutar de estas cosas.

Confirmo de paso que esos amigos me siguen hablando, aunque muchos creáis que no lo hacen después de hacerles pasar por este mal trago. Hasta se deshuevaron y todo.

Sharknado 3 se estructura sobre tres grandes actos ante la creciente gran amenaza de Sharknados que parece que va a destruir toda la costa este de los EEUU. La historia comienza en la White House, pasando por el parque temático de Universal en Orlando para concluir en un épico y legendario (y como siempre desproporcionado y diarreico) desenlace en el mismísimo espacio exterior porque sí y punto.
Ian Ziering y Tara Reid están de vuelta como Fin y April Shepard. Fin esta siempre listo para rajar animales con branquias y April esta preñada y preparada para dar a la luz en el lugar que indique el papel higiénico que usan de guion en piloto automático, además de tener una mano biónica que le proporciona superfuerza y una motosierra para hacer sushi a lo que pille. Bo Derek a su vez aparece como la madre de Tara Reid, pareciendo bastante menos demacrada que la propia Tara Reid.

Todo comienza de una manera más degenerada de lo normal. Mientras se escucha el tema principal de Sharknado en lo que más bien parece un plagio descarado de Los Ramones, se produce un Sharknado en plena Casa Blanca mientras Fin, que en ese momento es condecorado como el héroe de la caspa nacional (mientras se hace un selfie con Lou Ferrigno), por eso de que ha matado muchos tiburones de CGI en dos películas y las que vengan.  Aquí el presidente, Mark Cuban, y el vicepresidente Ann Coulter pronto se dan cuenta de que Fin huele los CGI cutrones a kilometros y le hacen caso aunque llegue a contradecir el Servicio Secreto que conduce el presidente a un búnker subterráneo de protección diciendo: “El agua fluye hacia abajo, ¡esta es una mala idea! “. Por supuesto entre el servicio secreto nos encontramos cameos como el de Grant Imahara de los Cazadores de Mitos, dando punto y final a su carrera de lo audiovisual.

Me gustaría pensar que todo es coña.

Este baño de sangre sin aliento tiene toda clase de degeneraciones con monumentos locales, tiburones disfrutando de un momento de relax en el regazo del monumento a Lincoln y alguno que otro que se estrella a través de la cúpula del Capitolio. Los muy lerdos intentan escapar por una escalera infestada de tiburones donde acaban pasando a modo de surf usando retratos presidenciales, embistiendo con un busto de Benjamin Franklin a la garganta de un tiburón a lo felación sin sentido y demás lindezas. “Nadie ataca a mi casa”, gruñe el Presidente-Gung Ho (interpretado por el empresario Mark Cuban), mientras lanza una granada en la boca abierta de un tiburón blanco. “¡Dios bendiga a América!”, Añade Fin mientras va empalando a otro escualo con la clásica bandera de los EE.UU. con lagrimas en los ojos.

Me imagino a los Rednecks de Alabama con la mano en el corazón. Putos paletos de mierda.

Tras las megafantasmadas que se meten en plena Casa Blanca gracias a la Segunda Enmienda, Sharknado 3 se convierte a partir de ese momento en una gira sin parar por los inmuebles propiedad de Syfy, convirtiéndose en un descarado tour al parque de Universal Orlando (con ese aspecto a lo viejoven de Marina d’or ciudad de vacaciones) y repetidas tomas de archivo con el logotipo de Comcast Xfinity en una carrera de NASCAR entre otras cosas.

Visto en los términos de su propia idiotez idiosincrásica, todo se mantiene bastante cohesionado y todo.
Sus efectos especiales de cien dólares, sus fallos de continuidad, esos anticlímax en medio de un clímax o sus situaciones que salen tan de putísimo culo, conforman un caldo de cultivo perfecto para todo tipo de comentarios (por miles y) por segundo. “Sharknado 3”, guste o no, forma parte de las películas “evento” del año y se ha convertido en una celebración que hay que compartir con los amigos gracias a infinidad de cameos y ‘celebrities’ que han querido quedar inmortalizadas en semejante torrente de demencia y payasada. Desde Lorenzo Lamas a Marc Cuban, pasando por Frankie Muniz, Chris Jericho, Jerry Springer, Lou Ferigno, David Hasselhoff o Bo Derek, demostrando porque ninguno de ellos ha vuelto a trabajar en el sector.

Sharknado 3 sigue profundizando en el drama de ese torturado héroe se siente que ha sido maldecido por salvar al mundo.  Aunque en realidad el espectador cree activamente que es el gafe que causa todas las tragedias a donde quiera que vaya. Cosas tan normales para cualquiera como acudir a por una medalla de honor a la Casa Blanca se convierte en una carrera de tensión, de proeza y auto-deshueve sobre un personaje convertido en el líder de la “Orden de la Motosierra de Oro” (Por cierto, hay un festival de películas de mierda llamado Trash Film Festival. ¿sabéis cuál es el premio que entregan? Lo habéis adivinado, la misma motosierra dorada que le entregan a Fin). Los tiburones ahora ya no respetan ni una mierda por lo visto (como los niños fuler que vemos haciendo el payaso cuando hacen Skate delante de los abuelos), ni los premios que da el mismísimo presidente de los EEEU, ni a Lincoln, ni a George Washington o las carreras de la NASCAR parecen estar a salvo de su ataque, cada vez más salvaje, digitalmente mas barato y cutre. Lo infumable se convierte en la materia prima para confeccionar situaciones pasadas de vueltas e inenarrables, solo por la obsesión en generar continuamente las secuencias más descerebradas. Todo vale aquí. Desde recuperar un triángulo amoroso inexistente en la segunda parte, hasta llevarnos al espacio exterior para terminar con una mascleta en una de las culminaciones más épico-decadentes que puedo llegar a recordar en toda la historia del cine. Además de con el parto más absurdo jamás concebido en cualquier película de la historia. Pero en todos esos excesos el gran mérito de la propuesta es siempre mantener los credenciales de exageración y rimbombancia de la franquicia completamente intactos, como si el fin de entretener a los espectadores justificara cualquier ridículo y decadente medio. “Sharknado 3” se siente como parte fundamental para entender la cultura pop de los últimos diez años, aunque arremete en su clímax con esas habituales explosivas secuencias de cierre capaces de dinamitar cualquier concepto racional e incluso lanzar como cliffhanger al otro lado de la pantalla la vida de una de sus protagonistas al designio de la propia audiencia, volviendo aun más interesante esta saga de películas.

Pero más degenerado que una intro a lo James Bond, que haya tiburones en el espacio moviéndose como Pedro por su casa o lo de la motosierra láser con la que ejecuta tiburones junto a su desconchado traje de astronauta de los chinos cudeiros esta las descaradas referencias a una famosa serie de Zombies. Sharknado es de la Asylum al igual que Z Nation es de la Asylum. En Z Nation hubo un tornado de zombies y uno de los personajes exclamó “Hey! Al menos no son tiburones!”. En Sharknado 3 uno de los personajes le dice a una mujer, que hace de militar y quien es una de las protagonistas de Z Nation (Kellita Smith) “Hey! Al menos no son zombies!” ¿¿Intento de fusionar ambos mundos?? Por supuesto que si!!!! ¡¡ A lo mamporrrero, y mas allá!!

En síntesis, que si lo que queréis es veros mucha degeneración de bajo coste recordad siempre esto: Tomároslo con humor y juntaos con amigos para verlo si no no tiene ni sentido y mucho menos ni puta gracia.

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Año: 2015. Duración: 84 min. País: Reino Unido. Director: John Maclean. Guión: John Maclean. Música: Jed Kurzel. Fotografía: Robbie Ryan. Reparto: Michael Fassbender, Kodi Smit-McPhee, Ben Mendelsohn, Brooke Williams, Rory McCann, Jeffrey Thomas, Caren Pistorius, Kalani Queypo, Stuart Martin, Tawanda Manyimo, Madeleine Sami, Michael Whalley, Andrew Robertt, Erroll Shand, Ken Blackburn.

Dicen los reporteros españoles que se encuentran allá en el divino Hollywood que nuestras pantallas se inundarán de westerns los dos próximos años. Aún con la próxima cinta de Quentin Tarantino por llegar (The Heatful Eight, 2015) y el Gran Premio del Jurado del Festival de Sundance para Slow West (2015), lo cierto es que desde hace treinta años el público no está para westerns. Aún con este palpable, eterno y sombrío panorama para el género, la resurrección del western en forma de cadáver animado se puede hacer con modestia y elegancia, y esas dos virtudes son sin duda las vamos a encontrar en Slow West, un western de tono lírico que esconde bajo su silla de montar el retrato de una nación por construir, un país que al grito de “Vamos al Oeste” cimienta su personalidad a tiro limpio. Jay (Kodi Smit-McPhee) y Silas (Michael Fassbender), un joven romántico e idealista el primero y un cruel forajido el segundo, se convertirán en compañeros de ese camino al Oeste que para cada uno de ellos significa una cosa muy diferente, pero con un único objetivo, encontrar a Rose Ross (Caren Pistorius), convertida junto a su padre (Rory McCann) en prófugos de la justicia británica y pioneros a la fuerza.

Inspirada y decididamente cómica, la violencia de Slow West siempre está tiene un tono slapstick que suaviza y amanera las situaciones más trágicas, como el tiroteo en la tienda de comestibles o el asalto a la casa de los Ross. Poesía para unos, el ritmo lento de la película puede ser insufrible para otros, pero hay momentos de peaje en los que el espectador más avezado puede recoger esas pistas que John MacClean, su director, nos ofrece para conformar un fresco sobre la conquista del Oeste: nativos americanos siendo exterminados por los soldados de la Unión, bosques mágicos, bandas de forajidos, números musicales con banjos, y sobre todo unos diálogos cuyo trasfondo en apariencia manido son el relato de un momento histórico y un lugar muy preciso, una diégesis que sirve de alguna manera para poner en negro sobre blanco el contraste entre la realidad y leyenda de todas las epopeyas fílmicas que han tratado al mito del Far West como la gran aventura que quizás fue, y en este sentido Slow West tiene un parecido más que razonable, aún salvando una gran distancia, con La Puerta del Cielo (Heaven´s Gate, 1980), película maldita que prácticamente finiquitó la carrera de su director Michael Cimino.

El australiano Jed Kurzell, responsable de partituras tan atmósféricas como The Babadook (2014), realiza un gran trabajo apuntalando el intimismo del metraje con una banda sonora en la que abundan los instrumentos de cuerda, acaso recordando a aquellas formas musicales traídas a Norteamérica por los emigrantes europeos que intentaron esa conquista del Oeste.

Slow West puede engañar, es una película hecha con pasión y desde la independencia de un realizador que sabe -por mucho que crítica y productores se empeñen en lo contrario- que cualquier aproximación contemporánea al western debe ser poética, emocionante y didáctica, y bajo esta premisa, el romanticismo de la historia de Jay y Rose, las puntadas de realismo mágico que sazonan algunas secuencias, y el humor negro tan sobrio como redondo de las partes más movidas, son elementos destinados a aportar una experiencia que el espectador debe sedimentar para su mejor disfrute.

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Pocas son las mujeres que se han atrevido a dirigir películas de terror o de ciencia ficción. Debe ser por eso que cuando aparece en Sitges algo relacionado con la figura de Jennifer Lynch, público y jurado se interesan de inmediato. El hecho de ser la hija del maestro del cine onírico le suma puntos inevitablemente, consiguiendo que los seguidores de su padre le concedamos una atención especial, curiosos por ver lo que hace. Pero su trabajo habla por sí mismo, pues ya en 2008 ganó el premio a la Mejor Película en el Festival de Cine Fantástico y de Terror de Sitges con Surveillance (2008).

“Cuando recibí la noticia fue algo alucinante. ¡Nunca había ganado nada! Fue como si toda la oscuridad que arrastraba desde “Mi obsesión por Helena” se desvaneciera por fin y la gente empezase a apreciar lo que yo hacía. El premio me hizo ver que valía la pena seguir haciendo películas, sin importar lo negras que pudieran ponerse las cosas.“

Y así cuatro años después, en 2012, Jennifer reaparece en el Festival de Sitges para presentar Chained, una propuesta perturbadora sobre un taxista (Vincent  D´Onofrio) que tiene a un niño encadenado en su casa, obligándole a limpiar cada vez que él termina con una nueva víctima. Pasan los años y el chico, apodado Rabbit, se hace mayor: es el momento de presenciar en qué se ha convertido tras tantos años de violencia. Chained (2012) tiene puntos en común con Surveillance (2008): esa elegancia tan difícil de encontrar en el cine de género, la incomprensión, el misterio, la inquietud… Todos estos elementos se han unido para crear una atmósfera terroríficamente acogedora en la que el miedo va más allá de lo físico y el espectador tiene mucho que decir al respecto.

“Cogí el proyecto de Chained cuando estaba prácticamente arruinada y la idea inicial era hacer algo del estilo torture porn, pero eso no me interesaba. Lo que me atraía de la historia era la relación entre el psicópata y el niño. Para mí es más turbador si se reconoce el perfil humano del asesino, y al mismo tiempo, uno se pregunta si el chico acabaría igual que él.”

El trabajo de Jennifer Lynch se ve recompensado por segunda vez en la edición del Festival de Sitges de 2012 con el Premio Especial del Jurado, donde tuvimos la oportunidad de charlar con ella sobre el estreno de Chained. Al igual que su primera película, Mi obsesión por Helena (Packing Helena, 1993), Chained se ha prohibido a menores de 18 años en Estados Unidos, limitando así cualquier posibilidad de ser exhibida en las salas comerciales.

“No logro entender por qué mi cinta es peor que Hostel o Saw. Según el comité es “demasiado real y perturbadora”. ¡Claro que lo es! Aunque casi toda la violencia ocurra fuera de campo, sigue siendo desasosegante. Tiene que hacer sentir mal. En definitiva, ellos creían que había hecho una gran película, pero no pensaban que fuera adecuado que la gente viera. Los cines no van a proyectarla, así que se estrenará directamente en DVD. Me sabe muy mal, porque la había concebido para ser vista en pantalla grande. Casi todo el diseño de sonido va a perderse en el televisor y la Academia no verá el trabajo de los actores, que es genial. Les pregunté si habrían sido más flexibles de haber tenido a Brad Pitt interpretando al asesino y me dijeron que sí, porque entonces nadie pensaría que podía ser real.”

La visita de Jennifer Lynch aquel año al festival era casi obligada, puesto que además de Chained, también presentó Despite the Gods (2012), documental que ella misma protagoniza y que se enmarcó en la sección Noves Visions. Esta cinta narra sus aventuras en la India durante el rodaje de la película Hiss (2010), una extraña coproducción con Estados Unidos basada en la leyenda de una serpiente que se convierte en una mujer para volver a convertir en serpiente. Penny Vozniak era la encargada de cuidar de la hija de Jennifer durante el rodaje, pero lo que ocurría a su alrededor pronto empezó a despertar su interés. Poco tenía que ver aquello de Bollywood con las producciones americanas: el choque cultural, las huelgas de empleados de luminotecnia, los extraños rituales al comenzar el rodaje, los desmayos en el set, la falta de organización… Así que Penny comenzó a filmar todo lo que ocurría a su alrededor y el resultado es una cinta divertida, emotiva y sorprendente en la que vemos cómo Jennifer Lynch trata de salir ilesa de esa aventura en el otro lado del mundo. Asistimos a la simpática relación que comparte con su hija, y con toda sinceridad, Jennifer se abre ante la cámara para contar sus preocupaciones, para recordar conversaciones con su padre… Finalmente el productor de Hiss decidió realizar un montaje alternativo al que ella propuso, convirtiendo la película en el mayor fracaso de su carrera.

“Sigo sin haber visto “Hiss” y quienes sí lo han hecho me dicen que no lo haga, porque querría cortarme las venas.”

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Sara Driver y Suzanne Fletcher en la Filmoteca Nacional

Sara Driver aterriza en Madrid junto a su actriz fetiche y amiga Suzanne Fletcher con motivo de la proyección de su filmografía en la Filmoteca Española. Es para los madrileños la primera vez que tenemos la suerte de disfrutar de todas las películas y cortometrajes que ha dirigido, pues esta neoyorkina además es productora, escritora y actriz que ha trabajado mano a mano con el maestro del cine independiente americano Jim Jarmusch. En You are not I (1981) su ópera prima, Jarmusch se encarga de la fotografía, y Sara, basándose en un relato de Paul Bowles y con la ayuda de la gran Suzanne Fletcher como protagonista, recrea una atmósfera opresiva y cargada de misterio, en parte gracias al diseño de sonido y a esa estética de blanco y negro de grandes contrastes que recuerda a los primeros cortometrajes de David Lynch. También pudimos ver el corto documental Bowery – Spring 1994 (1994), que estaba pensado para formar parte de un proyecto mayor construído a base de postales de New York. Sara y Suzanne han vivido en este barrio tan peculiar, y esta película muestra el desfile de todo tipo de personajes, borrachos, locos, artistas callejeros, tenderos… La ciudad, sus calles y rincones se convierten en elementos fundamentales en las historias de Driver, en Sleepwalk (1986) de nuevo Suzanne Fletcher recorre New York y sus edificios en una historia de misterio y fantasía en la que resulta difícil separar realidad de imaginación. El color y las luces lo envuelven todo en esta película “de mujeres”, como lo fue la primera.

“Soy una mujer y las historias que verdaderamente sé contar son historias sobre mujeres. Además, me gustan las mujeres, son interesantes”, dice Sara en el coloquio tras la proyección. Hablaron sobre el famoso 4% de mujeres cineastas en Norteamérica, un dato totalmente demoledor, y de las dificultades a la hora de producir una película independiente si no hay detrás alguien de renombre. En 1993 consiguió financiación alemana para rodar su última película hasta la fecha, When pigs fly (1994). Tuvieron que rodar allí con bastantes dificultades, puesto que todas las creaciones de Driver son estéticamente muy americanas, pero consiguieron recrear el clima muy satisfactoriamente. Esta es quizá la película más amable y más convencional, es tierna, simpática y agradable. Hay muchos efectos especiales realizados a la manera tradicional, que fue el resultado de una gran investigación sobre técnicas clásicas, efectos y trucajes cinematográficos y teatrales. Se trata de una película de fantasmas que nace como terapia para superar la muerte de una persona querida de Sara que falleció a causa del sida. “Siempre me han gustado las historias de fantasmas. Esta película está dedicada a todos esos fantasmas que siguen caminando con nosotros.” La banda sonora está compuesta por Joe Strummer y la sesión se completó con un documental, Strummer (1993) en el que asistimos al proceso de creación y grabación en el estudio en Gales en el que Jim Jarmusch, Sara Driver y Joe Strummer charlan, crean, construyen y organizan el diseño sonoro de la película. Al terminar la proyección, Sara nos contó que está preparando una nueva película con la ayuda de un grupo de mujeres productoras cuyo propósito es fomentar la presencia de las mujeres en el mundo del cine, produciendo exclusivamente películas hechas por mujeres. Esperamos impacientes.

You are not I, 1981

Este mediometraje (50 min) está basado en un relato de tan solo 7 páginas de Paul Bowles, adaptado a medias entre Sara Driver y Jim Jarmusch, amigos, inspiradores y colaboradores habituales desde el principio de los tiempo. Cuenta Sara que cuando leyó la historia de Bowles literalmente le “voló la cabeza” y no es para menos, pues estamos hablando de una historia inexplicable, perturbadora y extraña sobre una chica que se escapa de un hospital psiquiátrico. Suzanne Fletcher protagoniza lo que podría considerarse casi una película muda, pues la narración se construye a través de una voz en off que se rodó posteriormente. Vestida con un abrigo enorme y unos zapatos de hombre, con los que Sara dice haber imaginado desde el principio, Suzanne aparece ante la pantalla imponente y misteriosa en una película de mujeres que recuerda a los primeros trabajos de David Lynch, a esa mujer sin pierna escribiendo una carta sentada junto a una mesa y a una ventana. El diseño de sonido es impresionante, inquietante, incómodo; para Sara era una de las prioridades y destinó la mitad del presupuesto de la película para su elaboración. Contó con 12.000 dólares que manejó de la forma más inteligente, quizá porque ya tenía algo de experiencia al haberse encargado de la producción de la primera película de Jim Jarmusch, Permanent Vacation (1980). Al ver las películas de ambos salta a la vista que se trata de una generación particular con una visión muy definida y unos gustos parecidos que se retroalimentan, se construyen en conjunto. Jarmusch también está al mando de la fotografía en “You are not I”, rodada en blanco y negro en un asfixiante formato cuatro tercios. La película estuvo perdida durante varios años, hasta que milagrosamente se encontró una copia entre las pertenencias de Paul Bowles.

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Año: 2015. Duración: 94 min. País: Estados Unidos. Director: M. Night Shyamalan. Guión: M. Night Shyamalan. Fotografía: Maryse Alberti. Reparto: Kathryn Hahn, Olivia DeJonge, Ed Oxenbould, Deanna Dunagan, Michelle Rose Domb, Peter McRobbie, Benjamin Kanes, Erica Lynne Arden, Celia Keenan-Bolger, Dave Jia, Shelby Lackman, John Buscemi.

La rentabilidad de los lanzamientos de la Blumhouse Productions es casi un hito en la historia del cine americano contemporáneo. Mientras que los grandes estudios se gastan millonadas en producciones con dudoso rendimiento, Blumhouse da vueltas de tuerca a fórmulas manidas del cine de terror y obtiene de ellas una buena saca de beneficios. Si la saga Paranormal Activity ha llenado las arcas de la productora, no ha sido menos y por más original la saga Insidious, o su joya de la corona, la discutible pero terrorífica Sinister (2012). Su último lanzamiento aúna el languideciente talento del genio del fantástico, M. Night Shyamalan, con las exigencias de un rodaje barato, rápido y operativo, esta vez haciendo uso del estilo found footage que tan buenos resultados obtuvo con Paranormal Activity; el resultado, una inquietante pero modesta película: La Visita (The Visit, 2015).

El genio de M. Night Shyamalan se marchitaba producción a producción, entregado ya a una orgía de efectos especiales de la que él siempre huyó, y títulos que auguraban la completa desaparición de la capacidad del director para mantener un pulso dialéctico con el público: El Sexto Sentido (1999), El Protegido (2000) y Señales (2002) son referentes de un cine fantástico minimalista que apuesta al guión sus mejores cartas. La aventura que comienza con la Blumhouse Productions y que se sustantiva en La Visita ha obtenido un resultado digno a pesar de que el músculo creativo del realizador quede bastante por debajo de lo que un día fue.

La Visita es una historia de horror narrada en el formato found footage (expresión que viene a significar “metraje encontrado”), estilo que permite una acercamiento del público a una forma bastarda del cinema verité, sacrificando cualquier estilema autoral a favor de un mayor efectismo en los momentos de suspense. Para bien o para mal el found footage se ha convertido en un elemento recurrente en el cine de terror y M. Night Shyamalan lo ha escogido para lanzar su alicaída carrera, satisfaciendo al público con un producto que está en la sintonía de aquellos títulos que le lanzaron al éxito, esto es: minimalismo en las formas con una potente historia en el fondo que se desvela en el último tramo de la cinta, merced a un inesperado giro del guión. El resultado de La Visita es el de una película con buenos momentos, un libreto inteligente y una atmósfera bien fotografiada. Shyamalan usa la dicotomía día/noche como díptico de la normalidad y la monstruosidad, y es que la oscuridad y concretamente una hora certera de la noche es el disparador del horror, un horror vivido por una pareja de adolescentes con ínfulas de cineastas -pretexto para introducir el found footage en el guión- que van pasar unos días a casa de sus abuelos.

No obviamos referencias al American Gothic, movimiento fílmico de género que dominó la escena del cine de terror en EE.UU. durante la década de los setenta y parte de los 80. El ambiente rural brumoso, los graneros, las siniestras herramientas de labranza, el pozo, todos ellos artefactos icónicos que remiten a los horrores atávicos de los urbanitas norteamericanos, el choque entre la cultura progresista de la ciudad y la enquilosada forma de entender el mundo del entorno rural, siempre siniestro y desconfiado, acechante y criminal. Un vistazo al famoso óleo de Grant Wood (American Gothic, 1930) nos iluminará el camino de referencias visuales en la tradición del horror fílmico norteamericano que conducen a La Visita. También hoy otros guiños al horror japonés y sus amedrentantes fantasmas vengativos; a éste punto recordemos que una de las secuelas de Paranormal Activity sitúa su acción en Japón.

A las preguntas de si M. Night Shyamalan llega tarde al found footage o si llega aún más tarde para resucitar su carrera respondemos afirmativamente a la primera y en negativo a la segunda. Shyamalan se merecía un retorno más digno al cine de género pero aún así los resultados son aceptables; esta pequeña producción volverá a lanzar su carrera pero no se prevé un ascenso fácil, Shyamalan ha olvidado a su público durante una década refugiándose en producciones que han apagado su talento autoral, y ese es un prestigio que cuesta recuperar.

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Este año empezamos nuestra andadura en el Festival de Sitges 2015 un poco antes de lo habitual, un servidor se ha desplazado el primer día del certamen para intentar ver el máximo número de títulos posibles y contaros de primera mano todo lo que ocurre, valorando de forma breve las películas que va viendo. Los que seguís este blog desde hace ya años conocéis como lo hacemos en Fiebre de Cabina. Este año haré unas críticas un poco más a lo bonzo, hablando en primera persona en algunas ocasiones pero ofreciendo rigor en los comentarios. Bueno, vamos allá: primera jornada del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2015.

The Witch, posiblemente una de las mejores películas del festival

Comenzamos el día con The Witch, una película a la que no esperaba llegar y cuyo título iba a sustituir por la prometedora Alena. Al final dejé Alena y me quedé en el Auditori para ver The Witch, No sé si Alena es buena, o ocupaba la portada del diario del festival hoy y eso es sinónimo de que es una película cuando menos estimable. The Witch es un filme como pocos, el director Robert Eggers, galardonado a la mejor dirección en el Festival de Sundance 2015, realiza una película inspirada en la mitología fundacional de los EE.UU. reuniendo toda clase de elementos que conforman el ambiente de histeria y fervor ultrarreligioso que vivieron los primeros pioneros que llegaron a la costa de lo que hoy se denomina Nueva Inglaterra. Con unos planos que tienen mucho que ver con el Theodor Dryer de Ordet, la película es de una plasticidad pictórica, donde la naturaleza agreste e ignota que encontraron los puritanos ingleses en el continente americano toma un gran protagonismo. La trama se desarrolla en la granja y los bosques de una familia de puritanos que ha sido desterrada de su comunidad, una atmósfera de horror envolvente diezma a la familia merced a la maldición de una bruja que habita en el bosque. Simplificando la película nos quedaríamos con este argumento pero The Witch es un título que ha de saborearse, desde la interpretación de los actores, la fotografía, la banda sonora inspirada en sonidos de la época y sobre todo el giro final, remate de una historia aterradora y que concede alas a la libre interpretación del espectador sobre el carácter hipnótico y onírico de la película.

The Forsaken, una estimable producción catalana

Sacrificamos la última película de Terry Jones, Absolutely Anything, por una desconocida producción española, catalana a más señas, The Forsaken. Presentada por su equipo, la película mezcla títulos como El Ángel Exterminador, Posesión Infernal y hasta Reservoir Dogs para confeccionar un poliédrico puzzle de intriga, thriller y horror. El resultado es digno, a pesar de los pocos medios empleados; a la película se le ven las costuras por muchas partes pero salva el visionado con holgura. The Forsaken está rodada íntegramente en inglés y cuenta con algunos actores norteamericanos. Esto sí que es visión de negocio el de la productora de The Forsaken, ayudada por una escuela de cine barcelonesa.

Entertainment, una película deprimente y magnífica

Seguimos con una película independiente que se anunciaba como una comedia pero que resulta ser un melodrama de los de moco y lagrimón. Entertainment cuenta la aventura de un comediante fracasado, solitario y abandonado por todos sus seres queridos, en el desierto de Mojave, haciendo ridículos e insulsos shows por tugurios de mala muerte. Si el espectador esperaba chistes ingeniosos y un mordaz humor negro, no puede llevarse más chasco, Enterainment es un drama muy duro que habla sobre la incomprensión, la soledad y el abandono personal, además tiene interesantes puntos de conexión con la española El Viaje a Ninguna Parte, otro retrato de los claroscuros del comediante español en tiempos de posguerra. Sin duda Entertainment es una película a apreciar y a visionar varias veces para apreciar todos los matices que su elenco, encabezado por Greg Turkington, aportan a sus respectivos personajes. Atentos también a la caracterización del mencionado Greg Turkington en este filme dirigido y escrito por Rick Alverson.

Blind Sun, quemados por el sol

Ahora toca el primer pedrolo del Festival de Sitges 2015, Blind Sun. Concebida y vendida como un thriller en ambiente mediterráneo donde el sol y una ola de calor fiscaliza la vida de los habitantes de una zona costera griega, Blind Sun es un alegoría del status quo social de la Grecia actual, problemas como la inmigración, la crisis económica, la privatización de los bienes públicos o la injerencia de entidades extranjeras, la película adopta el disfraz de un thriller con “habitante incierto” incluido. El resultado de Blind Sun es un pastiche muy bien filmado que en ningún momento sabe donde va, y menos como termina.

La novia, una boda sangrienta

Paula Ortiz, Inma Cuesta, Leticia Dolera y otros miembros del equipo de La Novia presentan este título en rigurosa primicia en el Festival de Sitges 2015. La apuesta de la joven directora se salda con éxito pero se deja un par de cadáveres por el camino, aparte de los de los amantes protagonistas de la película y del relato homónimo de Federico García Lorca, Bodas de Sangre, en el que se inspira; estas faltas son la de un efectismo innecesario y la de un tributo a la posmodernidad que la historia no necesita. Bodas de Sangre cuenta una historia tan sumamente potente que no hace falta que se le añada un vals de Leonard Cohen (fiel admirador de la poesía de Lorca) o una retahíla de efectos especiales para que la película funcione por si sola. A ver cómo pasa el tiempo por ella, pero creo que simplemente con la potencia de la historia y las sólidas interpretaciones de los actores y actrices (sobre todo ellas, Lorca era un gran retratista de la mujer de su época) hubiera bastado. No obstante, y quitando algunos detalles que ponen un pie de la cinta en el lado de la posmodernidad, el trabajo realizado por Paula Ortiz en La Novia es magnífico.

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Segunda jornada de festival y los títulos siguen manteniendo el tipo tras el día de ayer, ha sido un día con sorpresas muy agradables, de esos que te hacen recordar que el Festival de Sitges no es solamente un repertorio de películas a concurso. El mérito del festival es que te descubre títulos muy interesantes, de actualidad y del pasado, películas que merece la pena redescubrir y sacarles todo su valor añadido con el paso del tiempo. He aquí la crónica.

Goddess of love, una atracción fatal

Una modelo stripper llamada Venus tiene un oscuro pasado, una esquizofrenia que le hará convertirse en la muñeca rota del amor. Incapaz de encontrar la felicidad su vida transcurre entre la búsqueda de la perfección constante y de ese sentimiento de comprensión que afecto que mitigue su soledad y su adicción al alcohol. Protagonizada por la espectacular Alexis Kendra, se nos ofrece un descenso a los infiernos de la psicosis y la autodestrucción. Buenos momentos en los que prima el colorido y la visión de cuerpos esculturales de víctimas y verdugo, la película tiene unos tintes de giallo que se agradecen para no caer en la típica cinta de degeneración personal. Un final con giro inesperado rematan una sesión matinal decente con la que hemos arrancado una jornada llena de buenos títulos.

The Mind´s Eye, David Cronenberg en clave 2015

Hoy en día todos los directores con cierto bagaje en la serie B de terror se querrían parecer a Joe Degos. El realizador ya debutó el año pasado con Almost Human, una cinta que rendía pleitesía a títulos ochenteros como Hidden cosechando un gran éxito entre el público y la crítica. Sin ser nada del otro mundo Casi Humanos hace que John Degos filme un proyecto más ambicioso, Mind´s Eye, un remake no confeso del Scanners de David Cronenberg donde la argumentación de la nueva carne se sustituye por un festival gore en su último tercio. The Mind´s Eye es una película entretenida y sin complejos que hizo las delicias de un público que venía a ver precisamente lo que el filme ofrecía: diversión y revival ochentero. Sin duda uno de los títulos favoritos del público.

Knock Knock, lo nuevo de Eli Roth

La nueva película de Eli Roth tras The Green Inferno vuelve a triunfar en el festival. Un ejemplar padre de familia, Kneau Reeves es seducido por dos jovencitas (una de ellas Ana de Armas) que lo convierten en el blanco de sus juegos mortales. Con muy buenas ideas y sorpresas de inicio a fin, Knock Knock es un título que reafirma a Eli Roth como un genio del humor negro, un realizador que usó el torture porn para nunca tomárselo en serio. Los roles de psicópata, normalmente en manos de hombres feos y salidos se cambian ahora y son dos chicas guapísimas las que demostrarán su falta de empatía hacia el dolor ajeno. También era hora de hiciéramos unos chistes de psicópatas y se cambiaran los papeles.

Un rato muy disfrutable y con pretensión de divertir al público, sin reflexiones morales aunque parezca lo contrario.  Se encuentra dentro de la sección a competición y esperamos que se lleve algún premio, se lo merece.

Adiós Tío Tom, Nicolas Widing Refn y el cine mondo

El realizador danés Nicolas Widing Refn presenta en el Festival de Sitges 2015 una cinta de cine mondo rodada en los años 70, Adiós Tío Tom. Por mucho que al lector contemos el argumento de la cinta y su contenido, éste no podrá hacerse a la idea de la dureza y brillantez de la experiencia de esta película sobre la esclavitud antes de la Guerra de Secesión norteamericana. Su metraje reducido aún podría aumentarse más de media hora respecto al metraje íntegro, otorgando un halo de aún más crudeza a la cinta. Poco vamos a contar sobre ella pues invitamos al espectador a que se acerque al título con la mente abierta y disfrute de una experiencia que no por discutible es menos estimulante.

Ni le ciel , no la terre, fenómenos extraños en la guerra de Afganistán

Los que hace unos años vimos El Objetivo, firmado por Eduardo Sánchez, el argumento de Ni le ciel, ni la terre nos resultan muy familiares: un grupo de soldados destinados a Afganistán tienen que lidiar con fuerzas desconocidas que hacen desaparecer a sus soldados. Con un carácter más autoral, la película de Clement Cogitore indaga en las limitaciones de la mente humana para poder comprender hechos que están más allá de su alcance, a los que una mente religiosa da una explicación espiritual y una mente analítica da una explicación racional, quedando ambas a años luz de lo que son hechos que no obedecen ni a una ni a otra, simplemente son inaprensibles para el humano.

La película tienen una acertada ambientación y cuenta con un segmento de thrill puro en plena oscuridad de los yermos afganos; una soberbia lección de realismo mágico que no se debería perder de vista para completar el catálogo de filmes similares entre los que hemos citado a El Objetivo y también deberíamos incluir a El Páramo.

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Estamos ya en la tercera jornada del Festival, agotadora, os lo puedo asegurar, no por la cantidad de películas visionadas, que es la media habitual por nuestro medio, sino porque la calidad de algunas de las mismas dejaban bastante que desear. No es lo mismo ver seis películas muy buenas o al menos entretenidas que tres de ellas sean auténticos tostones. Ahora veréis.

Anomalisa, existencialismo de Charlie Kaufman

Una auténtica joyita, una obra del arte de la animación, eso es Anomalisa, no tanto porque las técnicas de animación sean innovadoras o el trabajo haya sido impresionante (que lo ha sido) sino porque Charlie Kaufman logra insuflar humanidad a unos muñecos que sin un guión un trabajo expresivo sobresaliente hubieran parecido teleñecos. La historia de Anomalisa, como es una costumbre en el cine de Charlie Kaufman, es de corte existencialista: un hombre maduro afronta su crisis de edad en la creencia que su vida se ha ido al garete y se ha quedado solo. Aparecerá en escena una chica llamada Lisa que conocerá en el hotel en el que se hospeda; ese amor de una sola noche le hará mirarse al espejo y pondrá en una encrucijada vital.

El guión de Kaufman es melodramático pero también esperanzador, los personajes no aparecen denostados en ningún momento, sí perdidos, como corresponde a su condición. En Anomalisa hay lugar para la redención y para la creación de unos personajes que logran la empatía con el público; certera y honesta, la película de animación de Charlie Kaufman es uno de los títulos de animación más importantes del festival.

SPL2: a time for consecuences, cine de acción oriental

La edición de este año no se prodiga en numerosos títulos de acción orientales, SPL2: a time for consecuences y Helios van a ser los únicos que van a arrojar sobre el público un buen número de patadas y disparos, veremos si los espectadores que vienen buscando este tipo de reclamos quedan satisfechos.

Como buena película de acción hongkonesa, SPL2: a time for consecuences, engrana los números de acción con un argumento harto dramático, nada menos que hay en liza dos transplantes de órganos, uno de ellos, el corazón de a un jefe criminal de una mafia que se dedica precisamente a traficar con órganos humanos, y el otro el del transplante de médula de la hija de una prisión tailandesa que tendrá un gran peso protagonista en la historia. El cine de acción oriental no decepciona, sea cual sea su premisa argumental los números de acción son espectaculares. Fue disfrutada por todo el Auditori.

Tag, Sino Sono y el duro viaje a la madurez

Dentro del amplio espectro de fórmulas surrealistas que Sino sono maneja en sus producciones, la de Tag no es de las más radicales pero tampoco es de las más estimulantes. Una joven colegiala se escapa de ser rebanada de cintura para abajo por un viento feroz, el resto de sus compañeras de clase no tienen tanta suerte y brutalmente son partidas en dos por una fuerza misteriosal. A partir de ahí, la joven tendrá que hacer frente a los peligros que suponen crecer y madurar: sus profesores, su futuro marido, sus amistades,…

Tag es redundante hasta la extenuación y poco espacio hay para subrayar con narrativa convencional una historia que se le va de las manos a Sino Sono, excesivo en todas sus propuestas, pero que aquí no consigue equilibrar el balance entre el hermetismo surrealista y el humor y plasticidad de sus imágenes. Ni mejor ni peor que otras del autor japonés, pero el público se decantó por lo último y a un servidor le pareció que duró dos horas cuando en realidad fueron 87 minutos, con eso queda clara la postura de este blog.

Previamente a la proyección de la película, Sino Sono recogió el galardón La Máquina del Tiempo como reconocimiento a toda su carrera.

Baskin, exorcismo en Turquía

Anunciada como una de las películas favoritas del festival, esta producción turca parece inspirada claramente en cualquiera de los títulos menores de la llamada Nueva Ola de Terror Francés. La cantidad de gore que contiene su segundo y tercer tercio nos recuerda a aquellos títulos que cambiaron radicalmente la faz del cine de género europeo hace diez años. El problema de Baskin no es uno, sino varios: no sabe como empezar (un típico diálogo tarantiniano en una cafetería), no sabe como continuar (se fuerza la entrada de los personajes en la iglesia otomana), no sabe como terminar (nos ahorramos el comentario porque su final raya lo ofensivo), y no dispone de una mitología sólida que refuerce el argumento de la película, habida cuenta que el Islám es una religión iconoclasta y no contiene imagen alguna del demonio ni menos de una misa negra, todo es una popurrí de elementos de género, especialmente inspirados, como digo en aquel cine francés de terror de principios del siglo XXI.

The Visit, los extraterrestres nos visitan

La posible visita de una nave espacial extraterrestre es el tema que el documentalista Michael Madsen trata en The Visit, su siguiente obra tras la curiosa Into Eternity. The Visit es un filme hecho con muchos medios, con un gran despliegue de extras y, por lo que vemos en la pantalla, con la colaboración de gobiernos y ejércitos de varios países del mundo, aparte de la omnipresente ONU.

A pesar de que hoy por hoy una visita extraterreste a lo Encuentros en la Tercera Fase está descartada completamente por la comunidad científica, Michael Madsen no arriesga y se ciñe a las teorías y protocolos que descartan que dichos seres no sean como nosotros, es decir, en todo momento los extraterrestres de The Visit son seres antropomórficos que van a razonar y tener un sentido ético como el nuestro.

Especulación científica documental para el común del público, The Visit no aporta absolutamente nada al terreno de la fanta-ciencia y la obra queda tan escasa en cuanto a su rigor que podría pasar como un documental de cadena temática o incluso una película de cine familiar.

The Comedy, retrato generacional de Rick Alverson

Ya hablamos de otro título de Rick Alverson proyectado en el Festival de Sitges 2015, Entertainment, un agridulce fresco sobre la soledad y el abandono. Los organizadores del festival también han traído The Comedy, título estrenado en 2012, un retrato generacional sobre unos tipos con dinero que se dedican a humillar a gente de clases bajas e incluso se atreven a vivir sus mismas experiencias en una especie de excéntrica psicopatía.

Si tuviéramos que hacer un simil entre el protagonista y otro personaje de cine, lo haríamos con Jason Bateman de American Psycho, un tipo sin empatía por los que sufren y están debajo de él en la escala social.

The Comedy ha sido incomprendida por el público. No es una película fácil y a veces tampoco es demasiado certera, ahogándose en los excesos de los personajes que suelen presentar este tipo de retratos generacionales, pero un título a tener en cuenta para comprender que hipsters o no, el psicópata ha existido siempre, se deje barba o vaya con traje y corbata.

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La cuarta jornada del Festival de Sitges 2015 y pocas películas vamos a reseñar hoy. Los motivos son, primero que hemos conseguido dos entrevistas, una con Joe Degos, el realizador de Mind´s Eye, y otra con Gaspar Noé, que viene a presentar Love 3D. Por desgracia la última no se pudo hacer, Noé tenía la agenda comprimida y aún metiéndonos de cuatro en cuatro fue imposible cazar al director, que se escabullía en los pasillos del hotel Meliá. La entrevista a Joe Degos la publicaremos un poco más adelante, una vez terminado el festival y cuando hayamos tenido tiempo para editarla y transcribirla. Ahora vamos con las películas.

Love 3D, el amor y el sexo en 3 dimensiones según Gaspar Noé

Cuatro años ha tardado el realizador nacido en Argentina en rodar su nueva película, Love 3D, una cinta con continuas escenas de sexo explícito donde tanto él como los actores han arriesgado mucho. En resumen, la película trata sobre la relación de un chico y una chica que se creen completamente enamorados. Su amor es canalizado a través de una relación sexual abierta y apasionada, un amor muy sentido pero completamente carnal que será llevado hasta su ruptura completa.

El ojo de Gaspar Noé no falla, siempre da en el blanco cuando se trata de mostrar una historia visualmente. Su narrativa no es convencional, y tampoco sus recursos;  en este sentido ahora apuesta por el 3D como medio de acercar al espectador de una forma total a la experiencia amatoria. Aún por la cantidad de sexo explícito que tiene la película, el esqueleto narrativo convive con las escenas de sexo y ambos se justifican de manera equivalente. Love 3D es una apuesta por un tipo de cine de inmersión, arriesgado y contemporáneo, algo que Gaspar Noé ha venido practicando desde el principio de su carrera.

The invitation, una película modesta pero efectiva

Todos recordamos cuando Coherence sorprendió al festival hace dos años con una propuesta muy sencilla y fresca pero efectiva, una cinta cuyo planteamiento no requería más que un sencillo escenario y donde las suertes estaban echadas al guión, el resultado fue magistral. The Invitation sigue los mismos pasos aunque no logra un resultado tan certero. La película, presentada por su directora y productor arrancó las ovaciones del público aunque su final resbala por pretencioso, el resto es correcto y tienen unos buenos momentos de intriga, la acción es contundente cuando aparece y sorprende. Sin ser una joya del festival, ayuda a mantener con cierta dignidad la sección oficial a concurso.

Maggie, el drama zombie de Arnold Schwarzenegger

Parece que le falta algo a Arnold Schwarzenegger si no le vemos con una escopeta en las manos. Cierto, un dramón como es Maggie, aunque se trate de un drama zombie (su hija en la pantalla se va convirtiendo paulatinamente en zombie como si tuviera un cáncer incurable) no terminamos de ver al bueno del Chuache lidiando con virus y viendo como su hija se degrada día a día. No obstante, Maggie es un drama que amplia los horizontes de la pandemia zombie que ya forman parte de nuestra cultura popular. El planteamiento es original pero el que espere ver hordas de zombies o supervivientes descerrajando tiros se va a llevar una decepción, avisados quedan, Maggie es un melodrama que se cuece a ritmo lento, y del que podemos aprender algunas lecciones sobre como afrontar el fenómeno de la muerte.

Antes de la proyección de Maggie, el festival de Sitges 2015 otorgó el galardón La Máquina del Tiempo al mago del maquillaje y los efectos especiales Rick Baker, que lo agradeció con una gran sinceridad.

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Llega al martes en el Festival de Sitges 2015 y nos encontramos con una agradable sorpresa, una versión del Frankenstein que ha realizado uno de los realizadores fantásticos más interesantes de las últimas décadas, Bernard Rose. Pero antes hubo otros títulos muy interesantes.

Nowhere Girl, de Mamoru Oshii

Del director de Ghost in The Shell, Nowhere Girl nos habla del mundo introspecivo de una chica en una escuela de arte. Acosada por sus compañeras e incomprendida por sus profesores, vive  sumergida en un proyecto que deberá despertar su inconsciente del trauma que oculta. Una película pausada, acompañada en todo momento por música clásica cuyos últimos quince minutos son una explosión de violencia y frenesí, en contraste con el resto de la cinta, sin duda una propuesta sorprendente y disfrutable que no deja ajeno a ningún espectador. El genio siempre es incomprendido y las personas con talento tienen su propio universo que no comparten con la mediocridad.

Frankenstein, de Bernard Rose

El Frankenstein de Bernard Rose es contemporáneo, urbano, violento y con altas dosis de gore. El realizador de Candy Man vuelve a contemporaneizar el horror en un entorno familiar para los urbanitas. El ser que crea Víctor Frankenstein es una criatura que nace bella y se convierte en monstruo de forma gradual, al mismo tiempo que comienza el duro aprendizaje de un mundo que le rechaza por su aspecto y su ingeniudad. Protagonizada por Danny Houson y Carrie Ann Moss, el Frankenstein de Bernard Rose es una película emotiva, sobre todo en los momentos en los que la voz en off de monstruo declama partes del libro de Mary Shelley como guiño a los orígenes románticos de la obra literaria.

The Hallow, de Corin Hardy

Un poco tediosa y con una buena idea por delante que no desarrolla en extremo, The Hallow sitúa su acción en los bosques de la Irlanda rural, usando como pretexto las leyendas celtas más arcanas, la película plantea la existencia de una suerte de seres demoníacos que acosan a una familia para quedarse con su bebé. Los efectos especiales son de una factura espectacular pero el argumento no hace nada más que dar vueltas a una persecución interminable en medio de la noche que provoca un soberano aburrimiento. The Hallow es una película a la que sólo le salva el aspecto visual, una lástima.

Endorphine, de André Turpin

Con ecos más que evidentes a la película ganadora de la pasada edición del Festival de Sitges, Orígenes,  Endorphine es una cinta aún más compleja y tiene unas características visuales propias que remiten a aquellos espacios fríos y amplios que usan otros realizadores canadienses como Dennis Villeneuve o David Cronenberg. Endorphine requiere el esfuerzo del público para penetrar en el simbolismo y los continuos saltos temporales del guión.

Helios, de Lok Man Leung

Los creadores de Cold War pretenden comenzar una rentable franquicia con Helios. Pánico nuclear, tráfico de armas, fuerzas especiales, todo al servicio de una trama cuyo objetivo es mantener la angustia del espectador, aderezando el plato con número de acción cuyo momento más espectacular es la secuencia del aparcamiento, y sin embargo todo da una sensación de deja vu, de conocer el resultado de un cóctel cuyos ingredientes son tan tópicos que en conjunto la película aporta menos que cualquier filme de acción oriental visto en los últimos años. El final parece el de una película de James Bond mezclado con serial televisivo.

The Demolisher, de Gabriel Carrer

Este año la sección Panorama es un apartado completamente irregular. Parece que esta año la sección se ha convertido en un cajón de sastre  donde cabe todo, y muchos títulos no son ni pizca de atractivos. Entre ellos The Demolisher se lleva la palma de momento. Esta cinta que pretende ser una película de “vengadores” o “vigilantes” es un auténtico fraude. Visto su trailer uno puede pensar una cosa totalmente distinta pero sólo es una hora de sin sentido, de argumento casi inexistente y de tedio absoluto que consiste en una persecución por diversos escenarios urbanos, encima mal fotografiados.

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