CINEBASURA Y PACO FOX: El Camino del Héroe

En todas historias épicas tenemos héroes, algunos molan más, otros molan menos y otros directamente dan mala gana. Luego están los antihéroes que molan por lo “joputas” que son. Y en mi ímpetu por estamparme de morracos en algo que me emocione, siempre estoy a la expectativa (como un halcón) de encontrarme algo que no sea lo de siempre en el cine español. Pero tras la vergonzosa y costumbrista Gala de los Goya, casi que me he sentido al nivel de que en España, los productores dinosaurios que pululan por las esquinas como mujeres de moral distraída, no les sale directamente de las mismísimos badajos esforzarse un poquito, o simplemente intentar evolucionar para crear algo bueno y memorable. A veces creo que esta gente ignora la teoría de la evolución de Darwin y son más fans del más que insulso y ridículo creacionismo. Son más bien de esos que creen que Darwin era un borracho cobarde.

Menos mal que mientras me veía la insufrible Gala ésta de los cojones, me iba acordando de que tenemos a gente más que solvente que intentan hacer cosas diferentes, pero no por ellas mejores o peores, simplemente diferentes. Y ahí es donde entra en la ecuación la persona de la que voy a hablar a continuación: Paco Fox.

Paco Fox es el típico perturbado que de ver tanta caspa ha decidido que esta ebrio de poder y se ha puesto a perpetrar su siguiente nivel de degeneración, una película que homenajee a todo el cine que se tuvo que tragar a diarrea por el gaznate. Ahora, reconvertido en un pedigüeño que necesita rascar hasta el último euro a quien puede, al menos ha tenido dos cojones de plantarse y decir: ¡A mí no me van a joder! Pero por supuesto un propósito como este no tendría ningún sentido si no tienes un nutrido grupo de colegas que apoyen ese proyecto. En este aspecto puedo confirmar que intenta reunirse de las personas mejores que puede, y que también estén algo zumbadas como el.

CINE BASURA: LA PELÍCULA será una comedia al estilo de las películas de Edgar Wright y Simon Pegg: dos videobloggers se introducen, aparentemente por su torpeza, en una película mala. Cuando salen, según parece, las constantes del cine malo han invadido el mundo: hay falta de raccord, los planos subjetivos se ven en otros formatos, los cromas son espantosos, hay zombis, punks y otros personajes típicos de este tipo de cine de serie Z… los dos protagonistas y su amiga realizadora tendrán que resolver el entuerto que apunta más arriba. Concretamente a un crítico de cine cultureta amargado y su jefe en la sombra, el malvado Ministro de Cultura.

Los directores son Miguel Ángel Viruete, autor de varios cortos premiados y realizador de la webserie VIDEOFOBIA y Paco Fox (Francisco Rodríguez Prieto), Responsable de Selección Cine Extranjero de Canal+ a nivel profesional y presentador de CINE BASURA y articulista de humor a nivel artístico. El guion, sobre un tratamiento de ambos directores y el popular humorista web José Viruete, viene firmado por el debutante sevillano Fernando Hugo Rodrígo.

Los protagonistas principales serán el zaragozano Miguel Ángel Aijón (Zaragoza rules y lo sabéis ¡Hostia!), Silvia Vacas y el propio Paco Fox. El crowdfunding se presentó el pasado 31 de enero en la CUTRE CON de Madrid y puede encontrarse en www.cinebasura.com

Por supuesto esto no podía acabar así de golpe, pero como no soy periodista y ni siquiera lo intento, pues me hago una de periodismo gonzo como el protagonista de Transmetropolitan, Spider Jerusalem, y he acabado haciendo algo así como una entrevista con las mayores barbaridades que han salido de mi cabeza, mientras intentaba hacerme una limpieza de intestinos tras verme Tokio Gore Police:

Fiebre de Cabina: Tu reputación como degustador de cine cutre, cine de serie Z, cine basura, o directamente cine malo, te precede ¿Qué regusto inclasificable le encuentras al cine de serie Z? Admitirás que, salvo títulos curiosos, es realmente malo y que ni siquiera se le podría llamar cine.

Paco Fox: Es como el café: si lo piensas bien, está malo. Cuando lo tomas la primera vez es como la primera visita al proctólogo. Sin embargo, con el tiempo le coges cierto gusto. Como con el proctólogo. Si es joven y guapa. Y tiene los dedos finos. Pero no nos desviemos: es esa fascinación por ver cómo alguien intentaba hacer algo bien y todo salió espantosamente mal. Como suele decirse, algo similar a ver un tren descarrilar. Terrible, pero impresionante. No neguemos tampoco el satisfactorio componente de “yo también puedo hacerlo mejor”. El creerse más listillo de mierda que la obra audiovisual que estás viendo es algo común con el éxito de, por ejemplo, la telerrealidad. ¿Acaso no se ve a esos puñados de retrasados para sentirte mejor con tu propia mediocridad?

FdC: ¿Cómo se os ocurrió la degenerada idea de hacer un blog aún más degenerado como Vicisitud y Sordidez?

PF: No se ocurrió: es fiel reflejo de nuestra personalidad. Los contenidos fueron desarrollándose naturalmente con el tiempo. Como dijeron en una reunión de blogueros hace ya más de un lustro: “¡No es una pose: de verdad SON ASÍ!”

FdC: ¿Crees que los festivales especializados deberían tener más contenido de cine basura? Imagínate en el Festival de San Sebastián que pusieran Blood Freak o algo así. No tienen huevos ¿a qué no?

PF: Mejor no, porque entonces saldría algún crítico cultureta que sería capaz de analizar ‘Manos The Hands of Fate” en un artículo de diez páginas alabando su no-narrativa, el uso del desenfoque para causar desorientación en el espectador y las implicaciones polisemióticas del bigotón de El Maestro dentro de la idiosincrasia del cine alternativo de los 60.

FdC: Vamos a hablar del proyecto que tienes con Miguel Ángel Viruete ¿Qué pretendéis?¿Hacer cátedra del cine Z en España? Por lo que se desprende de las notas de producción la película puede que tenga tintes de sitcom, efectos especiales de los malos y enredos a raudales ¿Habrá sexo?

PF: Sólo pretendemos hacer una comedia. Nada más. Hacer reír en la medida de nuestras posibilidades. Para ello, vamos a usar algo que conocemos: el cine malo. Sólo como punto de partida. Un referente común con la comunidad de fans de las películas lamentables que tengan su propia comedia con la que identificarse. No una película mala a propósito, sino una película en la cual la temática hace referencia a las constantes del cine cutre, tanto a nivel de guiños a títulos determinados como a sus carencias más habituales. Por lo tanto, por supuesto, habrá efectos especiales lamentables, pero que HAN de ser malos. Y, como en toda gran película de bajo presupuesto, se verán tetas. Sexo no, que el follar en el cine me parece muy aburrido de ver. Para eso está ya XVideos. Y Pornotube. Y XHamster. No que yo conozca esas páginas. Es que me lo ha dicho un amigo. Concretamente, mi mano.

FdC: A estas alturas ¿cómo va el crowfunding? ¿Qué os marcáis y cuánto tenéis? ¿Hay suficiente público para patrocinar una producción de este tipo?

PF: Estamos prácticamente al 40% de lo que pedimos, lo cual es un éxito teniendo en cuenta que todavía quedan 26 días. El que haya suficiente público lo dirá el crowdfunding. Si no llegamos, es que el tema no generaba suficiente interés. Es uno de los motivos por los que elegimos usar esta vía de financiación.

Fdc: ¿Habrá alienígenas?¿Una intervención especial de Simon Pegg?

PF: Habrá naves espaciales. Y alienígenas sólo si lo permite el presupuesto. Así que ya estáis poniendo pelas en www.cinebasura.com Simon Pegg me da a mí que está muy ocupado, pero al menos tenemos un cameo asegurado de Un Pingüino en mi Ascensor, que hizo una canción sobre violaciones y otra sobre piromanía, así que es casi que mejor.

FdC: Se dice por las oscuras esquinas de Internet que Ayn Rand es la vida y la muerte para el cine serie Z . Espero que hayáis incluido sus teorías objetivistas en el guión de la película. También espero que no hayáis dejado llevar con ellas y acabéis formando el cine Z Tea Party español. ¿Eso es una utopía o estais en ello?

PF: Pues mira, subtexto lo que se dice subtexto… poco hay en el guión. Lo que tenemos es cierto cachondeo con los críticos culturetas de cine y el fandom que se toma todo demasiado en serio. De todas maneras, yo soy muy rojo y el egoísmo implícito en Rand no forma parte de mi personalidad. De hecho, Rand se cachondearía de gente que no impone sus ideas pisando a los demás y se dedica a mendigar dinero a los amigos y a formar a su equipo de rodaje basándose sobre todo en la gente que le cae bien.

FdC:  Se ha filtrado a través de fuentes fiables que le vais a dar una última oportunidad a Elsa Pataki como actriz en un momento épico del film. Eso si, sin diálogos no vaya a ser que la cague. ¿Qué puedes decir al respecto?

PF: Que es falso. En realidad hay un cameo de la nariz de Pataki antes de la operación. La pobre ya no encuentra papeles ni en anuncios de antigripales.

FdC: Habeís engañado al mil veces infame director de cine y boxeador amateur Uwe Boll para que apoye vuestro proyecto y de su opinión al respecto. ¿Para cuándo engañareis a alguien que supure más caspa como Tommy Wiseau o gente del palo?

PF: Wiseau me da a mí que es algo menos agradable que Boll. Uwe es un gran tipo, bastante razonable y muy dispuesto a recibir a gente que se interesa por su trabajo. A Wiseau una vez le intenté comprar ‘The Room’ para emitirla en Canal+ Xtra y se subió a la parra. Ahora bien, si alguien está por donde vive y me da su email, yo le mando un correo con dos cojones.

FdC: Ya, ¿pero crees que vale la pena tenerla en cuenta en el ambiente del cine Z?

PF: Sin el ambiente del cine Z el proyecto no es nada.

FdC: Paco Fox, resume en tres líneas el argumento de Cine Basura: la película ¿serás capaz de hacerlo sin vomitar?

PF: Uno que llega y dice: paparl, paparl, he abierto un portal interdimensional que ha hecho que el cine cutre invada el mundorl. Hioputa. Finstro. Ahora no se puede vivirl. Que no hay raccord y Moratalaz está llena de zombrruaaaaagggsssfff…

Sí: HE POTADO.

FdC: Todo lo que nos habéis contado nos la ha puesto morcillona ¿Cómo podemos colaborar? ¿ buscáis especialmente vasallos chupa pirulos para descargar al maestro?

PF: Es más que nada para que el que quiera colaborar realizando esa ardua tarea, se prepare. Mi polla hay que respetarla como diría Tom Cruise en ‘Magnolia’ (que casi casi es cine basura, pero no está tan mal… al contrario que la espantosa escena final de ‘Pozos de ambición’) No admito chupa pirulos a mi alrededor. Sólo queremos dos cosas: gente que se divierta haciendo esta película y DINERO . Quien quiera colaborar, lo que tiene que hacer es poner pelas. Que está la cosa muy malita y falta un 60% para el objetivo. Ya sabési: www.cinebasura.com

FdC: Ya que estamos tenemos una pregunta que reconcome a tus fans y es saber el tamaño de tu pirulo tropical de Miko. De una escala de Micromachine a Camión monstruo, ¿Podrías decirnos más o menos el tamaño aproximado de tu aparato?

En reposo, tamaño encantador. Empalmado, tamaño encantador. Soy encantador, así en general. Si es que lo estoy mirando ahora y me dan ganas de ponerle un lacito. Sí: escribo esto desnudo. Y con la polla. Eso explica las respuestas.

FdC: Y por último ¿Queréis mandar un saludo a vuestros fans aunque sepáis que muchos de ellos han construido muñecos de vudú con vuestro aspecto y los atraviesan con agujas oxidadas a diario?

PF: Como escéptico que soy, los muñecos sólo me valen para coleccionarlos y ponerlos en las estanterías. Así que me parece genial que la gente haga lo que quiera con nuestra imagen. Con tal de poner dinero, por mí como si se lo dan a la Pitonisa Lola para que me pongan una vela negra. Es bonito que se acuerden de uno. Y de la madre que me parió.

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J.J. Abrams, genio y cinefilia para todos los públicos

La cultura popular (pop) está por todas partes, nos rodea e interactúa con nosotros de una forma orgánica, modificando nuestros hábitos de comportamiento, de consumo, e incluso de creencias. Nadie podría imaginar un mundo como el que vivimos hoy sin la música de Star Trek, los lanzamientos anuales de discos recopilatorios de The Beatles, o pocos llegan a una playa llena de gente y no se imaginan la aleta de un gran tiburón blanco acosando a los veraneantes. Obviamente la cultura pop nos ha sumergido en un mundo de ficción, en una realidad falsa imaginada por la música, el cine o el diseño, realidad que no pudo ser mejor descrita por Andy Warhol durante su etapa de experiencias fílmicas-experimentales: “Me encanta Hollywood, todo es de plástico, yo también quiero ser de plástico.” La televisión ha tenido mucho que ver en la creación de una nueva conciencia nuestras que vive en un perpetuo mundo de hadas. Encendemos la televisión y vamos al cine para ensoñar, a veces para evadirnos de una realidad aciaga, o simplemente para divetirnos.

El prolífico guionista-productor-realizador-músico-áctor J.J. Abrams (Jeffrey Jacobs Abrams) es para el siglo XXI ese paradigma de persona consagrada a la perpetuación de la cultura pop, a la creación de nuevos iconos y sagas televisivas a las que hacerse adicto. Los orígenes del neoyorkino (nacido el 27 de junio de 1966) en el mundo audiovisual no revelaron ningún signo de la bestia mediática en la que se convertiría años más tarde, la escritura de guiones como Millonario al Instante, A Propósito de Henry, Eternamente Joven o Dos Chiflados en Remojo, fueron trabajos de encargo asépticos, encuadrados en la corrección comercial que Hollywood reclamaba para que las cifras de la taquilla engrosaran los enormes beneficios de los estudios. Finalizando esa época de éxito como escritor para la gran pantalla, J.J. Abrams comenzó a realizar una de las labores menos agradecidas del arte audiovisual, la de productor. El trabajo como productor, siempre moviéndose tras los decorados, involucrándose en los presupuestos, en el casting, y hasta en las promociones de sus productos, ha sido hasta la fecha el perfil que más reputación le ha procurado a J.J. Abrams, y fue el estreno en televisión de su primera serie, Felicity, la rampa de lanzamiento para una carrera con nombre propio, una estela profesional que ha marcado un antes y un después en la forma de entender fenómenos como el fandom televisivo o el concepto del filme blockbuster reescrito desde la cinefilia.

La serie Felicity, protagonizada por la actriz Keri Russell, fue todo un acierto en cuanto a proponer otra forma de ver su ciudad natal, New York, desde la óptica de una chica de provincias que debe hacerse un hueco en la ciudad de los rascacielos mientras enfila el camino a su madurez. La serie constó de cuatro temporadas con 22 episodios en cada una de ellas, alargándose desde el año 1998 hasta el 2001. Durante el comienzo de Felicity, J.J. Abrams tuvo la osadía de embarcarse en un proyecto cinematográfico del que no saldría bien parado, la escritura del guión de Armageddon, dirigido por Michael Bay. Manipuladora y enquencle, la película le hizo merecedor de un premio Razzie como guionista (el Oscar de las películas más malas) pero es indudable que más para mal que para bien Armageddon ha quedado ya impresa en esa conciencia nuestra inseparable del mundo pop que nos rodea por todas partes.

Menos famosa pero que también cuenta con numerosos fans, la serie Alias (2001) le debe gran parte de su éxito al carisma de su protagonista, la especialista en acción Jennifer Garner. Concebida como una especie de Nikita bessoniana, su personaje, Sidney Bristow, se las tiene que ver con terroristas, ladrones, servicios secretos en mitad de ensaladas de tiros y cuchilladas. Alias siguió el formato estandarizado que J.J. Abrams marcó en Felicity, otorgando a la serie una vida de cuatro temporadas con sus 22 episodios cada una de ellas. Si Alias fue un notable ejercicio en el ámbito de las series televisivas de acción, no alcanzó la notoriedad de Perdidos (2004), el buque insignia de sus producciones para la pequeña pantalla. El punto de partida del argumento de Perdidos -un grupo de supervivientes de un accidente de avión llega a una isla aparentemente desierta en la que ocurren fenómenos muy extraños- supone el despliegue de una imaginería fantástica sin precedentes: legiones de cientos de miles de fans debatían sobre las soluciones narrativas y conceptuales de los enigmas que Perdidos iba soltando en cada episodio, como miguitas de pan. La serie terminó de forma decepcionante para sus fans, sin ofrecer una conclusión plausible a las propuestas paranormales y metafísicas a un guión, que en conjunto no dejó de ser fragmentado y derivativo. El viaje a un mundo desconocido que los fans de Perdidos vivieron durante seis temporadas no podría haber terminado de otra manera, J.J. Abrams sólo pretendía abrir la caja de los enigmas en Perdidos, no cerrarla, mostrando así su regusto por un enfonque surrealista de serie de televisión.

Mientras se encargaba de la producción de Perdidos, otras dos series, Six Degrees y ¿Qué hacemos con Brian? ocupaban su tiempo, que parecía estirarse como un chicle. No contento con esto se embarcó como productor en uno de los mejores proyectos fantásticos -y más incomprendidos- de la última década, la película Monstruoso (Cloverfield, 2008), una relectura y modernización de las películas de monstruos japonesas, las kaiju eiga, y más concretamente del icónico Godzilla, sin citar expresamente al monstruo nipón en ningún momento. Monstruoso es una película moderna, rodada en el ahora más conocido formato found footage; es una cinta vibrante y repleta de acción. El resultado de Monstruoso a nivel técnico es sumamente notable y aún no superado. Monstruoso marca otro hito en la trayectoria de J.J. Abrams, la cinefilia ha aparecido en su vida.

Sus nuevas series, aún en las parrillas de la programación televisiva, Fringe, Westworld inciden en una visión fantástica pero a la vez más genérica que su anterior Perdidos. Abrams se lanza de lleno a la piscina del género fantástico y lo embadurna de una cinefilia del cuál no se ha desprendido hasta la fecha. A la realización de la correcta y casi cómica Misión Imposible III (2006), y la producción de Monstruoso y las citadas serie de televisión, se le suman varios proyectos más que perfilan de modo definitivo la carrera del que es amigo íntimo de Steven Spielberg: el lanzamiento de la saga cinematográfica de Star Trek (2009 y  2013) con actores jóvenes y efectos especiales a lo grande, donde J.J. Abrams hace las veces de director, guionista y productor, y la creación, también a la dirección, de ese ejercicio de nostalgia cinéfila que fue Super 8 (2011).

Los trekkies, esos seres rarunos seguidores de la mitología de la saga galáctica Star Trek, fieles compromisarios de ese particular altar de nuestra cultura pop, se felicitan porque alguien como Abrams haya resucitado al capitán Kirk y al vulcaniano Spock. La elección de estrellas incipientes como Chris Pine, Zachary Quinto o Benedict Cumberlain creó una corriente de empatía en los trekkies que tienen a las hasta ahora dos entregas de la saga como piezas fílmicas de gran valor para su mitología, aunque desde el punto de vista cinematográfico, tanto Star Trek como Star Trek, en la oscuridad, no son cintas que muestren un ejercicio de estilo tan depurado e interesante como el que J.J. Abrams realiza en su mejor película, Super 8.

Los más jóvenes no lo han vivido, los años 80 fue una década en la que Norteamérica quiso pasar página de uno de los episodios más luctuosos de su historia, la invasión y guerra de la república de Vietnam. Fruto de la guerra fría, este enfrentamiento devolvió a casa miles de bolsas de cadáveres de jóvenes soldados, un movimiento contestatario (la Contracultura) y una generación sumida en el caos moral y los excesos de la heroína. A mediados de los ochenta el cine comercial decide abandonar las producciones dedicadas a retratar las consecuencias de la Guerra de Vietnam y a emprender el lanzamiento de un nuevo tipo de cine en el que los niños son los protagonistas, apareciendo como pequeños seres incomprendidos por sus mayores -adultos que vivieron el conflicto vietnamita pero que sufren de una extraña amnesia histórica-, ha nacido el cine familiar y la productora Amblin de Steven Spielberg ve como películas como Los Goonies (1985) o E.T. El Extraterrestre (1982) baten records de taquillas.  Super 8 es la rememoración de esa época del cine norteamericano, un cine cándido y de tintes fantásticos, a modo de cuento iniciático que prepara al niño para afrontar la adolescencia, sustituyendo los relatos clásicos infantiles por nuevas formas del fantástico surgidas de la cultura pop. En Super 8 hay niños cuyos padres no comprenden sus fantasías, experimentos secretos del gobierno, monstruos, bicicletas y formato panorámico al más puro estilo ochentero, Super 8 es un capricho que un cineasta cinéfilo regala a su público.

El futuro de J.J. Abrams parece seguir la línea marcada por sus últimos trabajos como realizador. Ya se anuncia el rodaje de la nueva entrega de Star Wars (Star Wars Episode VII, The Force Awakens) dirigida por el incansable cineasta. Su nombre estaba en todas las quinielas y siempre figuró como ganador, como sucesor de George Lucas para una nueva generación de jóvenes que quieren sentir la adictiva sensación de saberse pertenecer a una parte de la cultura popular que llegó para quedarse y que sólo se irá si alguna vez se desploma el sistema en el que estamos viviendo ¿Una idea para una nueva serie?

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Año: 2015  Duración: 132′ País: EE.UU.  Director: Clint Eastwood. Guionista: James Hall ( a partir del libro de Chris Kyle) Director de fotografía: Tom Stern. Música: Clint Eastwood, Ennio Morricone. Reparto: Bradley Cooper, Sienna Miller, Luke Grimes, Jake McDorman, Kyle Gallner, Keir O’Donnell, Eric Close, Sam Jaeger, Owain Yeoman, Brian Hallisay, Marnette Patterson, Cory Hardrict, Joel Lambert, Eric Ladin, Madeleine McGraw.

A los pocos minutos del comienzo de El Francotirador (American Sniper, 2015) hay un diálogo en el que el padre de Chris Kyle (Bradley Cooper), el que llegó a ser el francotirador más letal del ejército norteamericano, tras salir de la misa dominical evangélica y sentarse a la mesa, explica a los alevines de la familia, Chris y su hermano pequeño, que hay tres tipos de personas, las ovejas -el común de los ciudadanos-, el lobo -aquellos que aprovechan la debilidad de las ovejas para aniquilarlas-, y el perro pastor -los que usan su capacidad para matar protegiendo al rebaño-. Este diálogo viene a resumir en dos minutos la doctrina estratégica del pueblo norteamericano y, más, de sus políticos y uniformados, respecto al resto del mundo, donde se justifica de modo inapelable cualquier acción de su ejército -el perro pastor- contra sobre los potenciales peligros que haya allende las fronteras de un nación cuasiperfecta, cuyo sistema de vida -eufemismo: capitalismo, consumismo y supremacismo patriótico-, al ser el mejor del orbe, hay que salvaguardar a tiro limpio al mínimo signo de provocación o amenaza.

Esta doctrina, la de la guerra preventiva, es contraria a cualquier mentalidad pacifista que se precie, y está omnipresente no sólo en todo el metraje de la película, también en el teaser que acompaña a los títulos de crédito finales, imágenes documentales del sentido funeral del francotirador, una vez retirado y asesinado por un ex-marine que arrastraba problemas mentales desde su servicio en Iraq. Tirando nuevamente de verborrea bíblica, se podría decir que quién a hierro mata a hierro muere, y es que Chris Kyle llegó a matar a un número impreciso de enemigos entre 130 a 200 con su rifle de francotirador. Sin duda una leyenda para la mayoría de un pueblo que tiene en el ADN de su cultura a las armas y al evangelismo como dos de los pilares principales que sustentan a ese lugar edénico que es EE.UU.

Clint Eastwood es el realizador de El Francotirador, cinta en la que realiza un ejercicio poco estiloso, de casi nula intensidad dramática pero que, sí se quiere ver, encierra un mensaje peligroso a la par que nítido. Poco vamos a encontrar en el aspecto técnico, el realizador norteamericano se limita a realizar un trabajo anclado en el clasicismo que le ha caracterizado siempre, con unas escenas de acción que redundan en lo ya visto en otras películas que han retratado los conflictos en Oriente Medio. En el plano narrativo, la vida personal de Chris Kyle se contrapone a la de sus sucesivas épocas de servicio, creando un contraste que hará mella en el SEAL y le desconectará paulatinamente de toda vida afectiva; por desgracia, el resultado en la pantalla de este conflicto es el del retrato de una tambaleante relación conyugal sin más fustes que la reconciliación final de la devota esposa (Sienna Miller) con su abnegado y heroico marido. No hay conflictos ni aristas que enconen un guión prefabricado a base de moldes rellenos de barras y estrellas, El Francotirador es una película donde todas las piezas -incluso esos tiroteos en los que caen 20 iraquíes por cada americano- están convenientemente engrasadas para que la película vaya del tirón hasta el consabido final; Clint Eastwood ha realizado una cinta carente de emoción y aún menos de sorpresas.

Desde que el ahora veterano actor y director protagonizara Harry El Sucio (Dirty Harry, 1971), a Eastwood se le ha acusado de pertenecer a la extrema derecha norteamericano, de algo parecido a filofascismo, no tanto por sus manifestaciones políticas, siempre muy comedidas a pesar de haberse posicionado públicamente en las filas del Partido Republicano, como por el contenido de sus películas. Es cierto que Clint Eastwood ha demostrado a veces una inequívoca querencia por el autoritarismo en sus films, pero en otros ha mostrado aptitudes más progresistas, como el western Sin Perdon (Unforgiven, 1992). Acusar por tanto a Eastwood de elaborar en El Francotirador un panfleto patriótico para el consumo de los estadounidenses, es puro reduccionismo. Hay todo eso y más, El Francotirador es una olla donde se cuece la moral del pueblo norteamericano, un ejercicio fílmico bastante precario pero que nos regala, a nosotros, los europeos, una reflexión sobre el talante y personalidad de nuestro aliado atlántico, EE.UU. A Eastwood se le llama fascista porque lo dice con toda naturalidad, sin los fuegos de artificio de otros films, esos sí, decidamente panfletarios, como El Único Superviviente (Lone Survivor, 2013), Acto de Valor (Act of Valour, 2011) o la didáctica y manipuladora La Noche Más Oscura (Zero Dark Thirty, 2012).

Naturalmente, no hay lugar para la disidencia ni en éste filme ni en otros de similar calado realizados por Eastwood, o alguno de los mencionados en el párrafo anterior. El Francotirador es una de esas películas que serán incomprendidas por el público europeo y por aquellos norteamericanos que cuyas miras alcancen más allá de los patrióticos anuncios y manifestaciones pro-ejército que inundan los descansos de la Superbowl. El Francotirador también fracasa por el retrato tan plano que hace de un fenómeno tan complejo como es el del militarismo norteamericano. Lo último que Eastwood tuvo en la cabeza cuando concibió  El Francotirador fueron títulos como El Cazador (The Deer Hunter, 1978), Jardines de Piedra (Gardens of Stone, 1987) o la cruda y documental Restrepo (2010), pero El Francotirador bien nos vale para hacer una lectura, aunque sea de trazo grueso, de la mentalidad que une a muchos norteamericanos como pueblo creado a partir de un genocidio -el de las tribus norteamericanas- y cuya supervivencia se empeñan en demostrar que depende de una fuerza militar desproporcionada, arbitraria y omnipresente.

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Año: 2008 País: Japón. Duración: 110′ Director: Yoshihiiro Nishimura  Guionista: Kengo Kaji, Sayako Nakoshi, Yoshihiro Nishimura. Reparto: Eihi Shiina, Itsuji Itao, Shôko Nakahara, Sayako Nakoshi. Sinopsis: En un futuro distópico, la policía de Tokio ha sido privatizada y se enfrenta a su peor amenaza: un grupo de mutantes que convierten cualquier herida en arma de destrucción. Ruka, una joven oficial atormentada por el asesinato de su padre, será la encargada de exterminarlos.

Tokyo Gore Police: Inclasificáblemente decadente 

Tras celebrar la victoria en los Oscars de dos peliculones como Birdman y el Gran Hotel Budapest, me he acordado de lo penosa que era su competidora; Boyhood y me ha dado por hablar de algo que al menos os hará correros, no como Boyhood que no llega ni a eso, por mucho que mis colegas gafapastosos crean que ha sido injusto lo de Boyhood.

Directamente merecía mas humillación. También Interstellar puestos a pedir.

La película de la que voy a hablaros no la veréis por los Oscars, ni directamente en el cine. Es demasiado girada de vueltas para que los académicos de Hollywood tengas sus orgasmos latentes a la vez y verla por esos lares competir por tan codiciado premio dorado.

Al menos pasan cosas. No como en Boyhood.

Del país que nos trajo cosas tan propias como el Sepukku, los Kamikazes o los desastres radioactivos Cudeiros, hoy os voy a presentar una degeneración visual llena de tantas fantasmadas y barrabasadas por metro cuadrado, que creeréis que me lo he inventado todo desde el siguiente párrafo.

Cuando uno piensa en entretenimiento audiovisual se va a las salas a ver cine yanky. Cuando uno quiere verse algo supuestamente “sesudo” acude a ver cine Europeo. Ahora bien si uno lo que quiere realmente es verse cualquier cosa que pueda irse de madre, Asia es el lugar de tus fantasías masturbatorias mas húmedas. Tokyo Gore Police representa el punto más extremo del cine japonés de los últimos tiempos, dejando atrás a los fantasmas mierderos como los de The Ring o The Grudge. Es alucinante como una cultura tan civilizada tenga la mente tan abierta como para permitirse este tipo de cine, o videojuegos. Solo tenemos que fijarnos en la industria del videojuego Nipon para poder disfrutar de maravillas fílmicas como el Metal Gear Solid de PSX (solo el uno, porque el resto son mierda) y después puedas echarte unas partidas a degeneraciones sin ton ni son como el Tokimeki Memorial, el RapeLay (que va de violar jovencitas japonesas y Stalkearlas) y cosas del palo.

Que en Japón están como putas cabras es un hecho constatado, pero esto es debido a que el país del Sol naciente es un lugar de contrastes y su cine no es ninguna excepción. La industria nipona es capaz de producir al mismo tiempo algunos de los más bellos poemas fílmicos sobre la era Tokugawa, mientras que otras personas son capaces de hacer las degeneraciones más delirantes posibles sacadas de sus sesiones de sado y quedarse tan panchos. Tokyo Gore Police se enmarca claramente dentro de ese segundo grupo de trabajos infumablemente delirantes que tanto furor despiertan entre los aficionados occidentales al “sirope del bueno”. Lo cierto es que no deja de resultar curioso que este tipo de películas se disfruten más gustosamente lejos de sus fronteras que dentro, sobre todo teniendo en cuenta el localismo de muchos de sus chistes.

Esta es una prueba más de lo extendida que está la cultura pop japonesa por todo el planeta.

Puedo confirmar que Yoshihiro Nishimura no es una persona especialmente conocida en Occidente, aunque en su país de origen está considerado, junto a otros como Tomoo Haraguchi, como uno de los grandes maestros de los efectos especiales artesanales, tanto como aquí en Occidente tenemos a Tom Savini como el maestro de la casquería definitivo. Se le ha podido ver en producciones como Suicide Club o la más reciente The Machine Girl, de la que esta película es una especie de sucesora espiritual. Empezar esta crítica hablando de los trucos visuales de este ser es justo y necesario, pues su carrera profesional marca irremisiblemente el desarrollo de Tokyo Gore Police, y sobre todo, su tono.

Así que vayamos por partes como decía Jack el destripador: Tokyo Gore Police

Hay que pensar que todo esto no tiene ningún sentido si no tienes a tu lado a un escritor que este al mismo nivel degenerativo que tu, y por ello nuestro colega el “Chino Cudeiro” toma la más que cuestionable decisión de contratar a un guionista que se encuentre a su altura. Esta mente preclara de la escritura de guiones con cantidades ingentes de tripas por los suelos es Kaji Kengo, responsable de la adaptación cinematográfica de Uzumaki. Juntos idean un futuro más humorístico que distópico en el que la policía privatiza las libertades individuales en pos de una mayor seguridad colectiva (¿Privatizar un servicio publico esencial? Me suena a Objetivismo). Su mejor agente es Ruka, la típica tía mas dura que los clavos de un ataúd que ha de hacer frente a un grupo de mutantes hipertrofiados, y que encima tienen cara de chino estreñido. En este caso, usar el término ciencia ficción para definir Tokyo Gore Police es pasarse de la raya. El director deja bien claras las intenciones de su película con una primera escena en la que la protagonista sube a la azotea de un edificio propulsándose con un bazooka, no sin antes cortarse en el coche de policía para sentirse viva, usando un brazo de monstruo de goma de los de andar por casa como si fuese el suyo propio.

A partir de aquí el deshueve con las mamarrachadas es continuo.

Por supuesto, el plato fuerte de la película son las demenciales creaciones del director. Sería absolutamente necesario recurrir a un documento bastante extenso para referirme aquí sobre la genialidad de los japoneses en el arte de los efectos especiales tradicionales, pero paso de hacerlo. No deja de ser curioso que un país tan tecnológicamente avanzado siga apostando por la vieja escuela del poliuretano y el maquillaje, una costumbre que proviene del mundo de las series de televisión Sentai y del Kaiju-Eiga. Como era de esperar, Yoshimiro Nishimura no defrauda en ese aspecto y el desfile de engendros es simplemente la “Hostiaputajoderporqueamicabrones”. Pero esto no acaba aquí y cuando tiene que utilizar el ordenador, es tan cutre como los FX anteriormente mencionados.

A su vez la actriz protagonista Eihi Shiina presta sus preciosas e imperturbables facciones para interpretar (es un decir) a la más que estereotipada heroína del Manga Japonés (que tenga un bonito culo que te enseñen a discreción con zooms descaradamente, parece ser un plus para trabajar en esta cinta). Lo cierto es que la sobriedad de su papel no se diferencia demasiado del que interpretara en Audition hace ya unos cuantos años (en el 99 para ser más exactos), de hecho más de un primer plano de su jeta es clavado a los de la película de Takashi Miike. Destaca también la presencia de Itsuji Itao, a quién se le pudo ver en su día en Dai Nippon Jin. Pero no se porque hablo de los actores si lo cierto es que los actores importan una mierda del Dr Slump pinchada en un palo. En realidad la película es una gamberrada en toda regla, repleta de grandes escenas perturbadas, todo sin dejar de lado el estilo Nipon que tanto mola. Eso si, la duración es un tanto excesiva para lo poco que tiene que contar, parece más una especie de videobook del director para demostrar las fumadas que se puede hacer con cuatro maravedíes, y así venderse para futuros proyectos eyaculativos.

En un futuro distópico cercano, la policía de Tokyo ha sido privatizada (justo como le hubiese gustado a Ayn Rand, o a esos neoliberales de ahora), y han surgido unos delincuentes mutados tochos, que se llaman ingenieros, pero no porque diseñen cosas como Dilbert, sino porque están como putas cabras y cuando les cortan algún miembro (Si, me refiero incluso al pene) les vuelven a salir todos deformados y con forma de alguna arma random. Por suerte la policía cuenta en sus filas con la mejor cazadora de ingenieros, Ruka, una muchacha encantadora que tiene como única amiga en el mundo a su espada, y que les corta las manos a los Nobitas que se atreven a sobarle el culete en el metro de Tokyo (escena de traca con muchos zooms al culo de la muchacha). La zagala por lo visto está traumatizada desde que de pequeña viera cómo le reventaban la cabeza a su padre policía en plena calle, bañándola en sangre, cachos de cerebro y tal (eso le pasa por hacer huelga). El misterio y la relación entre el creador de los ingenieros, ella, su padre, un par de putas random, su madame, unos cuantos “normal guys”, una mujer reconvertida cibernéticamente en un perro policía chupapollas (True Story), Nobita y Doraemon, su padre, la dueña de un bareto de Sake de mala muerte y cuanto agente de policía de relleno puedas imaginar, será lo que descubrirás en este film.

El resto de elementos del Tokyo Gore Police son un batiburrillo de mecanismos típicamente nipones: Batallas infumables de espadas coreografiadas, sangre propulsada en cantidades industriales, penes gigantes mutados que disparan “sabediosqué” y esas geniales referencias típicamente japonesas en forma de falsos anuncios televisivos que alientan a la prostitución, el suicidio adolescente o los videojuegos violentos y realistas. La violencia es usada aquí como fuente de inspiración estética y narrativa, una brutalidad que proviene sin lugar a dudas del mundo del Anime. Parece a su vez que los diseños de las armaduras del cuerpo de policía recuerdan más que sospechosamente a las que lucían los militarizados agentes del Jin-Roh de Mamoru Oshii.

Tokyo Gore Police desarrolla las escenas más sangrientas nunca antes vistas en el cine (pero no en el cine casposo) desde el minuto cero hasta el mismísimo final, convirtiendo a Ichi the Killer en una película Made in Disney, o de Almodóvar. Esto va desde autopsias a extremidades cortadas, mutilaciones y litros de sangre comestible. Ahora bien no todo es tan perfecto como pueda parecernos a los fans de la caspa y falla en muchos momentos. Llamadme raro pero a veces me gusta ver algo de historia y no un pene cañón reventando a people porque si, o una vagina con forma de boca de cocodrilo que se come todo lo que ve, todo porque si y punto. Durante gran parte del film se coquetea mucho con los estereotipos pertenecientes a la cultura japonesa; por lo que hay mucha influencia del anime no solo en las escenas, sino también en las actuaciones. Tal vez a más de uno le pueda parecer absurdo, dado que el guión peca de ser simple o mejor dicho de perder el Norte continuamente, sobre todo si sabemos a lo que vamos, pero tenia que decirlo. Esto hace obviamente que toda la responsabilidad se lo lleven los efectos especiales, que en términos generales son una soberana cutrez, sobretodo en las escenas de mutilación.

Pero, incluso hasta en el interior de un cagarro de Godzilla como este, se puede rescatar un intento de arte, ya que los personajes están decentemente construidos y retratados (siempre teniendo en cuenta la verosimilitud del film) dentro de una estética atrevida y propia de un manga, llamativa y poco convencional que más parecen el resultado del efecto de presión que se le aplica a un grano con pus para que la porquería salga. Y ya os digo que la mierda salió y de paso, dejo perdida toda mi sala de estar e incluso a mis gatos.

En síntesis general, Tokyo Gore Police es una consecuencia más de la desenfadada industria cinematográfica japonesa, un producto destinado fuera de su país de origen a todos los frikis que compartan referencias culturales con los fundadores de La Troma. Su exagerada estética de serie Z está más que planificada para que el director saque chispa a todos sus recursos, por previsibles que sean. En términos generales, el film de Yoshihiro Nishimura es más de lo mismo y por eso no defrauda, ya que cumple fielmente lo que promete, cosa que otros no llegan a lograr dejándote al final siempre “a medias”.

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Título original: Dead Snow 2: Red Vs. Dead Año: 2014 Duración: 110′ Director: Tommy Wirkola Guión: Tommy Wirkola, Vegar Hoel.  Director de Fotografía: Matthew Weston. Música: Christian Wibe. Reparto: Vegar Hoel, Stig Frode Henriksen, Martin Starr, Ørjan Gamst, Monica Haas,Jocelyn DeBoer.

A los zombis nazis les gustan los higadillos  

Aquellos que allá en los años 70 inventaron el subgénero de la nazixploitation no eran conscientes del magno descubrimiento que habían hecho. En las líneas generales del subgénero prometían a los espectadores desnudos, sexo soft y torturas y crueldades varias, normalmente perpetradas por oficiales nazis de campos de exterminio o similares, pero la evolución de esta temática, directamente creada para sacar el dinero de los bolsillos de unos espectadores europeos reprimidos, ansiosos de ver carne en las pantallas, ha alcanzado cotas de entretenimiento de masas y ha traspasado las fronteras del contexto en el que se creó, la floreciente industria de género italiana de la época.

Desde aquellos primeros zombis nazis submarinistas de Shock Waves (1977) hasta que en Festival de Sundance 2009 el noruego Tommy Wirkola rompiera esquemas con su Zombis Nazis (Dead Snow, 2009), a los nazis no-muertos no se les hizo mucho caso, pero el fenómeno Dead Snow, unido a la más seria y terrorífica saga Outpost, ha ido abriendo hueco a la presencia de los zombis nazis en la cultura pop; ahí los tenemos, en  videojuegos, cómics o figuras coleccionables; y es que cualquier aficionado que hoy en día no conozca a los zombis nazis y toda la parafernalia que han generado, está, sencillamente, fuera de onda.

Han tenido que transcurrir 5 años desde que Tommy Wirkola estrenase la secuela de Dead Snow, – título “Nieve Muerta” es, por cierto, más intrigante que la denominación explícita que han usado los distribuidores españoles-, una película de la que nadie podrá acusar a Wirkola de repetirse. Zombis Nazis 2 (Dead Snow 2, 2014) arranca justo en el momento en el que termina su precedesora, con el superviviente de la pandilla de amigos que habían ido a pasar el fin de semana a la montaña cogido del cuello por el comandante Herzog, el jefe de los zombis nazis que han desmembrado y devorado a sus amigos. Este arranque rápido y sin cortapisas nos sumerge en una cinta donde la acción es la nota predominante, y en la que los zombis nazis de la parte anterior bajan de la montaña para completar una misión que les fue encargada por el mismísimo Hitler, allá cuando estaban vivos, claro.

Desposeída de algunos de los elementos que definieron el guión de la primera Zombis Nazis, esto es, cabaña en el bosque, oro maldito, y una visión más terrorífica a la par de splatter de la historia, la secuela se asemeja más a una comedia fantástica a la moda pero que no pierde las señas de identidad de la incipiente saga: tripas, nazis podridos y luchas sanguinolentas, incorporando otros elementos que hacen más accesible la cinta, en primer lugar, al público norteamericano mediante la introducción de unos personajes que dicen pertenecer a un grupo de exterminadores de zombies, la zombie squad, o la propia concepción del guión, dialogado prácticamente a partes iguales en noruego e inglés; lógico si pensamos que Tommy Wirkola acaba de llegar de Hollywood de dirigir Hansen & Gretel: Cazadores de Brujas (Hansel & Gretel: Witch Hunters, 2013). Quedan también ecos cercanos al cine de Edgar Wright, como ese grupillo de policías ineptos que deambulan entre la demoledora pelea splatter del final de la película.

Los combates de Zombis Nazis 2 son tan bestias y hemoglobínicos como los de la primera parte, en ese sentido, y con una producción más cuidada, se han respetado las expectativas a la hora de la acción y la recreación gore, pero también se incluyen detalles que sirven para empatizar con el público: el epílogo final -quizás lo mejor de la película- y el personaje de zombi mascota, vapuleado una y otra vez por amigos y enemigos, que crean una corriente de simpatía y emociones benéficas que no estaban presente en la primera entrega.

Zombis Nazis 2 es una película disfrutable, muy entretenida y llena de acción. Obviamos lo herético de la cinta al dejar inmiscuirse a la cultura freak norteamericana en forma de esos tres personajes que forman la zombie squad, claramente prescindibles, pero la diversión que ofrece lo nuevo de Tommy Wirkola supera con creces este tipo de pegas. Nos felicitamos por decidirse a ahondar sobre la mitología de los zombis nazis de la primera parte y ofrecernos unos nuevos sets de splatter como la batalla campal entre los zombis del ejército rojo y los zombis nazis, aunque en verdad algunos echamos de menos aquel planteamiento a lo Evil Dead que planeaba sobre la primera entrega.

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Año: 1996. Duración: 81′ País: EE.UU. Director: Charles Band Guión: Benjamin Carr. Música: Richard Band. Reparto: Blake Adams, Jacqueline Lovell, Bob Schott, James Jones, Alexandria Quinn, Vicki Skinner, Gordon Jennison Noice.

Cabeza de Familia: Una ida de olla en toda regla

Se que últimamente esta de moda eso de chutarse mierda por vena para combatir no se que mierdas bacteriológicas, o incluso los más que románticos bombones de chocolate con la forma de tu ano para regalar a tu novia en San Valentín (todos sabéis que regale ese día), pero como soy un tío nostálgico, sigo prefiriendo verme la mierda en pequeñas comprimidos de cine de serie Z, a la vieja usanza.

Esta vez tuve que rebuscar a fondo por el disco duro de mi ordenador y encontrar a su vez la peor basura que tuviese en espera desde hace tiempo. Mientras iba borrando defecaciones que jamás volveré a verme, y que incluso he comentado por este nuestro blog, para liberar a mi pobre disco duro de semejante humillación, me encontré de bruces con este cagarro de tres al cuarto. El resultado es una cinta digna heredera de lo peor de Freaked, pero más raruna aun que hacerte sexador de momias, y creedme que no tiene mucho sentido ese trabajo: Cabeza de Familia (Head of the Family, 1996).

Cabeza de familia es otra de las incontables producciones de la Full Moon  en la que el mismo creador de la productora, Charles Band, se encarga de la supuesta dirección. Cuando uno está dispuesto a ver algo de la Full Moon Entertaintment sabe perfectamente a lo que va (y si no, yo mismo arrojare luz al asunto), y no te puedes esperar prácticamente nada de nada, ni presupuesto, ni un guión maravilloso o una gran historia, la nada mas absoluta vaya. Así que acomodé mis posaderas en el sofá, me permití un ligero arqueo de ceja a lo Carlos Sobera al ver lo que me esperaba, y ala a degenerar.

Lo primero que uno piensa al empezar a ver este film es que parece un producto hecho directamente para vídeo o televisión (para Laserdisc para ser más precisos). Todo esto se debe a que la película me recordaba continuamente a la mierdera Freaked por su chabacanismo y el uso continuo de música ridícula midi cuando se supone que estas viendo algo de terror. Vamos que de tensión cero patatero, y más que terror se podría decir que es una película de humor negro sin prácticamente nada de gore, o un gore muy descafeinado. Por cierto digo que es de humor, pero tampoco puedo confirmarlo y para ello os pongo una de la frases más mongolizantes de la película para que juzguéis vosotros mismos:

Lance: “No pueda dejarla. Follar con ella es como follar con una traca”.

Si, es de ídem y se supone que esto es un puto chascarrillo. Osea que, o no lo entiendo, o esto es más transgresor que pedir a la benemérita que te repitan un test de alcoholemia para subir nota. Por supuesto como toda película de serie Z, parte del presupuesto se utiliza para poner a las dos típicas chicas más calientes que los empastes de un dragón Rojo, que se desnudan a discreción porque si. Estas dos zagalas son la explosiva y experimentada actriz porno (True Story) Alexandria Quinn llevando como puede el papel de Ernestina y la casi actriz porno (porque hizo poco) y okupa del cine casposo (además de musa de la Full Moon) Jacqueline Lovell como Loretta. Pero antes de seguir hablando de esta película me gustaría poneros en antecedentes sobre la Full Moon Entertaintment, una productora de cine de serie Z no tan conocida como nuestra amadísima Cannon Films, La Troma, e incluso la Asylum, de la que voy a hablaros en las siguientes chorropotocientas líneas.

En realidad lo hacemos porque nos gusta revolcarnos en barro, aunque no sea la mejor manera de limpiarse precisamente.

La Full Moon Features es una productora y distribuidora de películas cuyo “amado líder y dictador” es el veterano en las lides de la serie B, Charles Band. Sin tener el glamour de “tactel” de la Cannon Films, el cutrerío intencionado de La Troma Films, o la desidia completa que reina en la Asylum, decidió hacerse rico de la manera que muchos creían que lo iban a conseguir: haciendo cine de dudosa calidad y procedencia para ganar así el mayor dinero posible, en el menor tiempo posible. Esta productora es especialmente conocida por las series de filmes Puppet Master y Subspecies lanzadas directamente en vídeo o Laserdisc y por sus presentaciones extrañas de VideoZone al final de sus películas desde 1991 al año 2000. Si alguna vez te estampas de morracos con alguna película de esta productora y crees que podrás soportarla, mejor huye corriendo como si fueses Forrest Gump, más que nada porque siguen a día de hoy en activo (eso parece al menos).

La historia comenzó como en todas las historias de este tipo de productoras: Como el puto culo. Habría que retrotraerse a tiempos más pretéritos y sencillos que los actuales e iniciar este viaje psicodélico en el año 1985, donde el estudio fílmico anterior de Band, Empire Pictures, tuvo un final strike de manual, momento en el cual decidió asentarse en los Estados Unidos y abrir la Full Moon Productions. La meta de Band era crear películas de bajo presupuesto de terror, ciencia ficción, y fantasía manteniendo en cierto modo el aspecto de una gran producción, e intentando maximizar los beneficios (¿Alguien ha oído Cannon Films?). En los Estados Unidos Full Moon se asoció con la Paramount Pictures y Pioneer Home Entertainment para lanzar sus títulos directamente en VHS y Laserdisc. Su primera producción fue el lanzamiento del film dirigido por David Schmoeller; Puppet Master de 1989. En una entrevista en la página Web: The Terror Trap el director de Puppet Master, David Schmoeller, dijo que Charles Band le debe a él “Agradecimientos públicos por el trabajo que hizo por él”. Además Schmoeller también declaró que Charles Band no le otorga crédito a los directores y que Charles Band no lo puso en los comentarios del director del nuevo DVD de Puppet Master por que “se habría revelado que comparte con alguien más la creación de la más grande y exitosa franquicia de la Full Moon”.

Puppet Master se convirtió en el mayor éxito para la Full Moon. Sin embargo, al final de la película hay una presentación titulada “Sin necesidad de hilos” que documenta el making off de Puppet Master. En él se presentan entrevistas con los mas variopintos miembros del elenco y del equipo técnico, incluyendo al actor Paul Le Mat y el mismo Charles Band. Los siguientes tres lanzamientos: Shadowzone, Meridian: kiss of the Beast y Crash and Burn (cambiando ésta a Full Moon Entertainment con su posterior lanzamiento), presentaron todas ellas un making off después de la película, lo que se convirtió en una costumbre fija. Paramount, sin embargo, no creía en el concepto de making off y forzó a Band a pagar por toda la cinta adicional que necesitara para poder editar sus making off. Con el quinto lanzamiento, en este caso el de Puppet Master II en 1991, Full Moon introdujo el concepto de Videozone, un video magazine del making off  en las cintas de entonces. El Videozone presenta una introducción hecha por Charles Band, siendo el making off de “la película que está usted viendo”. Solían contener entrevistas con todos los involucrados del futuro lanzamiento de Full Moon, merchandising (como camisetas de la Full Moon, posters y demás chorradas), trailers e información para poder contactar con ellos. El Videozone enlaza con el sentimiento de “Cómic” que Band insistió en poner en todos sus productos Full Moon.

Full Moon continúo con sus estrenos directos a vídeo durante los inicios de los torridos 90 (algunas veces llegando hasta los doce lanzamientos por año) y luego se diversificó hasta incluir dos marcas más: Torchlight Entertainment, dedicada completamente a las comedias pornográficas soft-core de ciencia ficción y Moonbeam Entertainment, especializada en películas de ciencia ficción y fantasía orientadas a la familia; ambas marcas acabarían fusionándose en 1996 para la película que hoy nos ocupa. El primer lanzamiento de Torchlight fue Beach Babes from Beyond y el de Moonbeam fue la primera de tres partes de Prehysteria!, que Paramount distribuyó consiguiendo un buen puñado de dolares mal ganados, y por lo visto peor gastados aun. Esta fue una de las primeras películas de la Full Moon en ser un producto que los videoclubes podían comprar o alquilar a su gusto (la mayoría de los lanzamientos de Full Moon fueron vendidos después de haberse alquilado, cuyos precios fueron muy por encima de los 100 dolares por cada película en VHS, en sus ediciones más nuevas). Durante este tiempo, Full Moon lanzó dos películas con un lanzamiento muy limitado en las salas de cine: Shrunken Heads, un cuento estilo cómic donde tres chicos asesinados vuelven a la vida por un practicante de vudú y Oblivion, un western de fciencia ficción. Ambas películas fueron con el tiempo lanzadas para el vídeo doméstico, incluyendo un Videozone para Shrunken Heads, pero no para Oblivion (su secuela sin embargo tuvo un Videozone).

En 1995 el respetable mercado del alquiler de películas directas a vídeo en los Estados Unidos fue perdiendo fuelle en detrimento de la televisión por cable. La Cannon entonces daba sus últimos coletazos, la Asylum y sus mockumentaries tardarían en llegar, y la Troma seguía resistiendo en su parcela y no había quien les echase de allí. Conocido por sus desacuerdos internos, Full Moon Entertainment se separó de manera poco amistosa de la Paramount Pictures, que os recuerdo que era su distribuidor en los USA. Full Moon había especificado que el lanzamiento para el Halloween de 1995 de Castle Freak iba a ser el de un film sin la calificación de la MPAA y Paramount tenia una política en contra de esto. Sin embargo, Paramount había lanzado hipócritamente películas sin calificación antes, entonces las razones legítimas de Full Moon para separarse de la Paramount es una de las discusiones que todavía se mantienen entre los fans del género hasta el día de hoy. Algunos dicen que Paramount se desprendió de la Full Moon Entertainment por culpa de lo chapuceros que eran y porque parece que “desaparecía mágicamente” parte de los presupuestos de las películas, e iban a los bolsillos de Band. Más allá de estas teorías “conspiranoicas”, se sabe a ciencia cierta que la relación comercial de Full Moon Entertainment con Paramount Pictures finalizó en una aspereza amarga y desagradable seguida por un desacuerdo sobre el presupuesto que se iba a gastar en la adaptación de la historia de H.P. Lovecraft; Lurking Fear en 1994. Band exigió que el presupuesto estuviera cercano a los 300.000 dólares; el estudio evidentemente le hizo un sonoro corte de mangas y ese fue el fin del auge de las películas de Full Moon en el mercado del directo a vídeo.

Como dato curioso, el actual presupuesto de sus películas está más o menos en unos 100.000 dólares, dólar arriba dólar abajo, e incluso de mucho menos.

Después de los lanzamientos de Castle Freak y Oblivion 2: Backlash, Band renombró Full Moon Entertainment como Full Moon Studios para cuando saco al circuito comercial la película Vampire Journals, y el nombre Full Moon Pictures para la siguiente película Hideous!; a su vez Band continuó distribuyendo todas sus películas bajo el nombre de Amazing Fantasy Entertainment hasta aproximadamente el año 1999, momento en el cual las películas fueron distribuidas principalmente por Kushner – Locke Entertainment. Con el lanzamiento de Shrieker en 1998, Band contrato la ayuda del realizador de películas y fundador de Tempe Entertainment asentado en Ohio; J.R. Bookwalter, quién recientemente se había trasladado a California. Bookwalter fue llamado por Band para escribir los guiones de sus películas, incluyendo el de Curse of the Puppet Master y las presentaciones de Band en los Videozone de la época. Curse of the Puppet Master es considerada por muchos aficionados al submundo de la serie Z como la peor de todas las películas de Puppet Master ya que la película reutiliza escenas previas ya utilizadas en otras cintas de Puppet Master, para crear este largometraje. Sin embargo, en aquel momento se tuvo noticia del trabajo de Bookwalter para Full Moon en Apple.com, siendo este una historia que fue publicada en varios medios sobre cómo Bookwalter escribió Curse of the Puppet Master en su iBook en un cuarto de hotel de Ohio en dos días y medio.

Full Moon continuó con sus lanzamientos y con el tiempo extendió sus tentáculos aun más por el sector, solo para sacar más pasta aun, y por ello decidió diversificarse aun más:

• Alchemy Entertainment/Big City Pictures: productora especializada en películas de terror urbano y de ciencia ficción.
• Surrender Cinema: reemplazando a Torchlight Entertainment, se especializa en ciencia ficción soft-core como lo hacía Torchlight. 
• Cult Video: principalmente usada para relanzar viejas películas pre-Empire y de la era Empire de Band.
• Pulp Fantasy Productions: nuevas películas que no encajaban con el modus operandi de la Full Moon. 
• Pulsepounders: reemplazando a la Moonbeam Entertainment. Esta se especializaba en películas de fantasía y ciencia ficción para la toda la familia.

Bookwalter con el tiempo tuvo la oportunidad de dirigir una película de la Full Moon que fue ni más ni menos que la secuela de Witchhouse, Witchhouse 2: Blood Coven. Fue la primera película de Bookwalter en 35 mm, y con ella se le abrió un nuevo universo de caspa para la Tempe Entertainment de Bookwalter. Empezando con Horrorvision, Tempe Entertainment fue contratada para producir películas de Full Moon para Band. Todas estas películas fueron filmadas en DV, una novedad para la Full Moon, y con un presupuesto total muy por debajo de los 60.000 dolares (con Witchhouse 3: Demon Fire se llego a la deshuevante cifra de 26.000 dolares de presupuesto) con unos valores de producción ridículos y con rodajes de nueve días como mucho. Pero la Tempe Entertainment estaba en la cresta de la ola, y no le importo mucho ser prostituida para producir películas con presupuestos bajos. A su vez la Full Moon hizo este trato porque era la manera más fácil y barata de permanecer en el negocio audiovisual. Con el lanzamiento en el año 2000 de The Dead Hate the Living!, Band abandonó el nombre Videozone y siguió adelante con el clásico making off corriente y moliente. Nuevamente los rumores circularon entre todos los fans, ya que nunca se dio una razón plausible (o de algún tipo) para abandonar el Videozone definitivamente.

Una vez más, la industria estaba cambiando y Band decidió dar otro bandazo y así finalizo la marca Full Moon con el lanzamiento en el 2002 de Jigsaw. El nombre de la compañía Full Moon Pictures fue cambiado por el de Shadow Entertainment (a veces pienso que cambiaba tanto de nombre para que el fisco no pudiese trincarle) porque Charles Band pensó que sus últimas películas no tenían nada parecido a la “magia Full Moon” que caracterizaba a sus largometrajes a comienzos de los noventa. Nadie sabe a que se refería exactamente. Durante esta nueva era de la Full Moon, Band consiguió meter doblada y por detrás una serie de televisión semanal en el Sci-Fi Channel llamada Leonard Nimoy’s Full Moon Fright Night. El veterano actor Leonard Nimoy (conocido especialmente por ser Spock en las películas y series de Star Trek) presentó películas de la Full Moon vestido con capa y smoking, ademas de dedicarse a entrevistar en el programa a muchas de las personalidades más notables de la ciencia ficción, incluyendo a Stan Lee y Jeffrey Combs. Tempe también recibió visibilidad aquí ya que Horrorvision fue una de las películas incluidas en esta corta serie de 13 episodios en vivo emitidos en el 2002. Full Moon se planteo lanzar algunos de los episodios en DVD en julio del 2006, pero no sé si llegaron a hacerlo.

Y tampoco me importa mucho que digamos.

Por aquel entonces Blockbuster Entertainment, el mayor mecenas durante mucho tiempo de la marca Full Moon, pidió a la compañía producir una película slasher exclusiva debido a su resurgimiento a finales de los noventa gracias a películas como Scream o Se lo que hicisteis el último verano. Sin embargo, Band buscó mantener la sacro-santa identidad del nombre Full Moon (ningún humano mata a otro humano, siempre una criatura, una marioneta o un muñeco), y con la ayuda de Tempe, produjo Bleed bajo la marca Shadow Entertainment, así como Keith Walley’s Scared, renombrado como Cut Throat. Band produjo solo dos películas más “oficialmente” bajo el nombre de Shadow: (Birth Rite y Delta Delta Die!) Speck, otra película de Keith Walley y la opera prima en DV de William Shatner, Groom Lake, producida por J.R. Bookwalter y una de las películas más caras de la historia de la Full Moon, que resulto ser un fracaso en todos los aspectos posibles. A su vez en el año 2003 Charles Band participó en un oscuro trato mefistofélico con la 20th Century Fox para producir una película de terror de bajo presupuesto. Fox podría distribuir la película y Band podría retener los derechos de copyright de la historia y de la película en general. El film fue dirigido por J. R. Bookwalter y se llamó Deadly Stingers, siguiendo la más que dudosa tradición de las películas sobre insectos gigantes asesinos. Deadly Stingers trataba sobre unos escorpiones gigantes radioactivos que acaban conquistando una típica ciudad yanky. Sin embargo, después de que esta fuera completada, fue desechada debido a una profunda caída en la industria y las bajas ventas de otro proyecto similar en Fox (en el que nada tenia que ver Full Moon) titulado Dark Wolf. El film fue exhibido en el Frightvision Horror Festival en el 2003, y no tiene pinta de que vaya a ver otra vez la luz del Sol. Como mucho se puede contemplar un teaser trailer de la película en la página web de Tempe Entertainment, productora del propio J. R. Bookwalter. Band también decidió durante aquella época en traer de vuelta de la tumba a una vieja marca usada en la era Empire llamada Wizard Video, quién distribuía películas de culto. Esta versión moderna solo vio los lanzamientos de Tempe Skinned Alive y Ozone! (renombrado Street Zombies para el lanzamiento de Wizard y la única película que vi alquilada en vídeo que te ponía un aviso antes del copyright pidiendo perdón por lo cutre que había quedado la película). Sin embargo, debido al bajón en las ventas, otra película de Tempe, Bloodletting (que acabo siendo renombrada como I’ve Killed Before) nunca fue lanzada bajo la marca Wizard y fue desechada en su momento. Esta fue con el tiempo lanzada en DVD por Anchor Bay dos años más tarde. En el caso de Ozone el director J.R Bookwalter hizo notar su descontento con la Full Moon tras renombrar al film, diciendo: “Vale, vamos a dejar las cosas claras para contarle a todo el mundo que esta película no se llama Street Zombies, por el amor de Dios, se llama Ozone!”.

Aunque he de decir que cuando la alquilé de joven se llamaba Ozone! Droga mortal.

A finales del año 2003, Band empezó a trabajar en su primera película de 35 mm en años: Dr. Moreau’s House of Pain. La película, lanzada en enero de 2004, también marcó el retorno oficial del nombre Full Moon Pictures; sin embargo, en el lanzamiento de la película en vídeo se utilizo el nombre de Shadow Entertainment, pero el tráiler de la película contiene el logo de Full Moon Pictures, vamos que aquí no se aclaraban ni ellos. Rápidamente después del lanzamiento de Dr. Moreau’s House of Pain, Full Moon saco a la luz pública Puppet Master: The Legacy, una película de “Greatest Hits” que contiene las mejores escenas de las (hasta ese momento) siete películas de Puppet Master con cerca de 20 minutos inéditos de una historia que se pierde en el humo de los porros de Band y con unas marionetas mierderas (las varillas con hilos pueden ser vistas a simple vista y sin esfuerzo en casi todas las escenas en las que aparecen las susodichas). Una vez más, todos los vídeos que se lanzaron decían Shadow Entertainment pero el tráiler solía contener el logo de Full Moon Pictures. Con el metraje que sobro de Puppet Master: The Legacy, Band monto rápidamente al mismo tiempo Tomb of Terror, Horrific y Urban Evil. Estas tres películas, editadas por el director de HorrorVision, Danny Draven, son de lo mejor de la biblioteca de imágenes propiedad de la Full Moon.

Después del lanzamiento de las películas mencionadas arriba, Band rebautizó el nombre de Full Moon a Full Moon Features (menudo lio de nombres, joder). Full Moon Features pretendía tomarse más tiempo en la realización de películas, con presupuestos considerablemente más altos y hechas normalmente en 35 mm; y así, en julio de 2006, casi pudo conseguir esos buenos deseos, con las excepciones de When Puppets and Dolls Attack!, Monsters Gone Wild! y Aliens Gone Wild! (todas hechas con brutos de otras películas de la Full Moon).

En 2005, Charles Band también se embarcó en un show de giras en vivo por todos los Estados Unidos de América titulado Charles Band’s Full Moon Horror Road Show, presentando a los actores/actrices acabados de las anteriores películas de la Full Moon. En algunos shows además presentó a su hijo Alex Band y también intento vender atrezzo de sus películas, pero parece ser que muchos miembros de varias publicaciones de anuncios consideraban esos elementos de los films como FALSAS marionetas y muñecos de sus películas, incluyendo Puppet Master, The Gingerdead Man y Doll Graveyard. Las marionetas eran subastadas como dobles de las marionetas usadas en las películas, pero se sospecha que se hicieron reproducciones en masa. Muchos fans por lo visto se sienten ultrajados por esto. Estas cuestionables marionetas originales y sus soportes fueron vendidos posteriormente en Ebay y Charles Band fue acusado a su vez por algunos administradores de Ebay por vender una marioneta original única en su tipo y con soportes que ninguno tiene. Pero Band que es un perro viejo consiguió numerar todas las marionetas que vendía como el único, o uno de cinco, etc, solo para encontrarse los aficionados muchas más de esas marionetas por otros lugares. En todos los shows, Band ofrecía un concurso en cada ciudad donde estuviera su Road Show, para darle una oportunidad a un miembro del publico de tener una participación en una futura película de la Full Moon y ser asesinado por una marioneta o por un monstruo de goma de los suyos. Cerca de 25 personas ganaron un papel para actuar por todo el estado. En Septiembre del 2006 se marca el comienzo de la segunda gira del Road Show de Band. En esta nueva gira había charlas del mismo Band, apariciones de las estrellas estrelladas de sus películas y se podía comprar merchandising exclusivo. La gira también sirvió como promoción para las siguientes películas de Full Moon que se hicieron: Evil Bong y Dead Man’s Hand. Un concurso similar fue mantenido en cada Road Show en 2006, en este caso se pidió a las chicas jóvenes del publico que gritasen de terror para así tener el más que dudoso honor de ganar un papel en una futura película de la Full Moon. A día de hoy, no solo ninguna ganadora ha recibido su papel en una película de Charles Band, sino que ninguno de estos ganadores seleccionados en las ediciones ha recibido su papel en estos films; sin embargo, en defensa de Band, según el, ningún contrato fue firmado y las partes no fueron garantizadas.

Menudo puto estafador.

A día de hoy su carrera sigue viento en popa a toda caspa y ha producido verdaderas diarreas fílmicas como Zombie Vs Strippers, la décima y enésima parte de Puppet Master (esta vez con nazis implicados) o Trophy heads. Según la IMBD su último crimen perpetrado fue en el 2014, así que quizás al final se haya retirado por cabronazo y estafador, como Jodoflorodowski. Estaremos a la expectativa para darle su punto final en el momento que ocurra.

Sigamos con Cabeza de Familia, el cabeza buque insignia de la Full Moon

La historia más o menos es así; La familia Stackpool está haciendo experimentos cutres con seres humanos (hasta donde llegue el presupuesto ¡y más allá!) en el sótano de su casa. Lo que los pueblerinos de al lado de casa de los Stackpool ignoran es que estos elementos son muy peculiares (¿Ya he dicho antes Freaked?): el líder de la manada es Myron, una gigantesca cabeza calva dicharachera permanentemente instalada en una silla de ruedas y que bajo su control están el forzudo y retardado de Otis, la unicamente solo “para pasear sus tetas y vernos todo el frontal bajuno” Ernestina y Wheeler no tan retarded como Otis pero si lo bastante y que encima tiene superdesarrollados los sentidos de la vista, el oído y el tacto con el pene. La historia continua con el dueño de un bar del sur profundo subnormalizado de los USA, Lance, que tiene escarceos ocasionales con Lorretta, la novia del extorsionador malote del pueblo. Este por puñetera casualidad descubre que en la mansión de los Stackpool se están haciendo extraños raptos y decide aprovecharse de la situación: Lance chantajea a los Stackpool, primero ordenándoles que acaben con el novio de Lorretta y después pidiéndoles dinero a cambio de su silencio acerca de los secuestros y los extraños experimentos nada cristianos que hacen en el sótano de su casa. Cuando Lance les comenta que tiene a toda la familia cogida de los mismísimos badajos, descubre el secreto cutre de los Stackpool: todos los habitantes de la mansión son parte de un mismo ser, unidos telepáticamente y cuyo jefe es la cabeza amorfamente grande anteriormente mencionada, que controla a sus hermanos.

Mi impresión a medida que avanza la trama de Cabeza de Familia es irremediablemente acordarme de Freaked cada dos por tres, donde los protagonistas son una especie de antihéroes que irremisiblemente acaban siendo “el cazador cazado”, y acaban sufriendo a saco Paco por ser gentuza de moralidad tan dudosa. Por supuesto ya llego al momento que todos esperabais mientras os estrujáis vuestra polla con la mano derecha (o la izquierda, en eso no me meto) donde hablo de las escenas eróticas y diálogos de humor chafardero, en donde muchas veces intentan ser graciosos pero se quedan en un “WTF?”. Por ejemplo, en una de las escenas en las que Lorretta y Lance tienen juntos, están follando escondidos en un almacén del bar cutrón de Lance  (se supone que son de las escenas más humorísticas debido a sus delirantes charlas) se puede llegar a escuchar esto:

Lance: “… tú eres mi único pichoncito.. eso es… ¡haces que las demás chicas, las de la tele y las revistas parezcan un “puñao” de viejas guarras!”

Lorretta: “¿lo dices en serio?”

Lance: “¡tan seguro como la mierda!”

JOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOODEEEEEEERRRRR

En resumen, esta es una película para ver SOLO UNA VEZ si tienes una tarde muy aburrida, sin telefilms que os alegren el día. Este es un film que solo puedes ver con la gente engañada, solo si no conocen lo que van a ver y también si ignoran completamente la oscura leyenda del “señor” Band.

Pero ahora vosotros la conocéis y sabréis a partir de ahora a lo que os exponéis.

Avisados quedáis.

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El Color de la Magia: Y así, Ankh-Morpork se lleno de lagrimas. 

“El tiempo es una droga. En cantidades excesivas, mata”, solía decir Terry Pratchett. Sin embargo, no fue el desgaste hacia la vejez y el eclipse hacia el crepúsculo de la vida lo que ha acabado en el triste final que todos conocemos. A sus 66 años, el conocido autor británico padecía de alzheimer, enfermedad neurodegenerativa que le fue diagnosticada ocho años antes. “Terry cogió el brazo de la muerte y la siguió hasta sus puertas, en el desierto negro bajo la noche sin fin”, sentencia uno de los últimos mensajes publicados en su cuenta oficial de Twitter confirmando el fallecimiento. Pratchett finalmente ha muerto en su casa rodeado de su familia el 12 de Marzo del 2015.

Recuerdo claramente (era un día lluvioso) cuando en el año 2001, un buen amigo mío me llamo por teléfono para decirme que había muerto Douglas Adams, el autor de una de mis obras de ciencia ficción humorística favoritas (La Guía del autoestopista galáctico) y me dejo en estado de shock. Supongo que pensar que había desaparecido de la existencia aquel genio de la escritura y que jamás volvería a deleitarme con nuevas peripecias de su puño y letra, era motivo más que suficiente para sentirlo, pero creo que fue peor el hecho de que se esfumo de repente, sin que nadie se lo esperase. En el caso de Pratchett también lo he sentido mucho, pero quizás el hecho de que ya me lo esperaba no me ha impactado tanto como la muerte de Adams. Pero el magnífico escritor ateo de Adams no solo nos ha regalado grandísimas obras de humor que han pasado a la historia de la literatura universal, sino que también nos permitió a los frikis celebrar un día en su honor, solo porque somos así de majetes cuando homenajeamos a los grandes. Esto es El Día de la Toalla que se celebra en honor a Douglas Adams el 25 de Mayo de cada año a partir de 2001, justo dos semanas después de su muerte. Ese día los fans llevan una toalla durante todo el día en recuerdo a La Guía del autoestopista galáctico. Este homenaje a Douglas Adams se realiza en honor a su obra más famosa y a uno de los rasgos más identificativos de su gran obra: la toalla, ya que todo autoestopista galáctico debe llevar una:

“La Guía del autoestopista galáctico tiene varias cosas que decir respecto a las toallas. Dice que una toalla es el objeto de mayor utilidad que puede poseer un autoestopista interestelar. En parte, tiene un gran valor práctico: uno puede envolverse en ella para calentarse mientras viaja por las lunas frías de jaglan Beta; se puede tumbar uno en ella en las refulgentes playas de arena marmórea de Santraginus V, mientras aspira los vapores del mar embriagador; se puede uno tapar con ella mientras duerme bajo las estrellas que arrojan un brillo tan purpúreo sobre el desierto de Kakrafun; se puede usar como vela en una balsa diminuta para navegar por el profundo y lento río Moth; mojada, se puede emplear en la lucha cuerpo a cuerpo; envuelta alrededor de la cabeza, sirve para protegerse de las emanaciones nocivas o para evitar la mirada de la Voraz Bestia Bugblatter de Traal (animal sorprendentemente estúpido, supone que si uno no puede verlo, él tampoco lo ve a uno; es tonto como un cepillo, pero voraz, muy voraz); se puede agitar la toalla en situaciones de peligro como señal de emergencia, y, por supuesto, se puede secar uno con ella si es que aún está lo suficientemente limpia.”  

Nacido en Beaconsfield, Buckinghamshire en el año 1948, esta maravillosa persona ha acabado falleciendo en su casa cerca de Stonehenge, con su gato a los pies de la cama. Hijo único de David y Eileen Pratchett, desde muy joven empezó a interesarse por la literatura, tomando como modelo a autores como Arthur Conan Doyle y H.G. Wells, leyendo “todos los libros que uno debe leer“, como dijo en una entrevista en 2006. A los 13 años, la revista de la escuela técnica de High Wycombe publicó su primer relato, titulado ‘The Hades Business’, que salió a la venta dos años después, recibiendo críticas muy positivas. Pero no sería hasta la creación de Mundodisco cuando empezó a recibir el reconocimiento que se merecía.

El genio de Terry Pratchett

Terry Pratchett era una persona única, a la altura de su creación más querida por nosotros y más desde que decidió ir a todas partes con un extravagante sombrero negro de ala ancha, pelo despeinado aplatinado y siempre luciendo barba blanca medio larga. Parecía una versión burlesca de Gandalf, y eso tiene mucho sentido, ya que su obra se deshueva continuamente de la obra de Tolkien. Siempre dijo que le parecía que Tolkien no podía funcionar bien con el lector actual. “Hoy somos más cínicos y descreídos, y sabemos que no todo es elegir entre el bien o el mal”. La gracia de los personajes de Mundodisco, señalaba, es que no se comportan de la manera tradicional “y en ellos el lector se puede reconocer mucho mejor”. Subrayaba que los escritores serios de fantasía como Tolkien habían abierto el camino para gente como Adams o como él. 

Tras encajar el golpe de la muerte de Pratchett decidí hacer mi propio homenaje en su honor en mi casa bebiendo cerveza, brindando con mi pareja como si estuviésemos en las embriagadoras y nada asépticas tabernas de Ankh-Morpork y viéndonos seguidos porque si, los telefilms de la BBC El color de la magia y La luz fantástica. “Los poetas que han intentado describir Ankh-Morpork, han fallado. Tal vez es la increíble vitalidad hormigueante del lugar, o tal vez es que una ciudad con un millón de habitantes y sin alcantarillas es algo más bien fuerte para los poetas, que prefieren las amapolas, por supuesto”. Este dialogo de Mort, una de las novelas de Sir Terry Pratchett dan una medida del típico sentido del humor que gastaba el escritor británico de fantasía, uno de los más populares y prolíficos del mundo (vendió más de 85 millones de libros en el mundo) que ha acabado convirtiéndose en una leyenda para sus seguidores no solo por su prolífica obra, sino también por su ejemplar coraje al intentar encarar una enfermedad tan compleja como la Atrofia Cortical Posterior (ACP) o síndrome de Benson, una rara enfermedad cerebral.

Pratchett continuó escribiendo hasta prácticamente el final, terminando su último libro, una nueva novela de Mundodisco, en el verano de 2014, antes de entrar en la fase final de su enfermedad. Pratchett deja a su vez a su esposa Lyn y a la hija de ambos, Rhianna con un sentimiento de vacío en sus vidas difícilmente superable. La serie, en la que el autor británico mezclaba con un toque de sátira el mundo real y el literario, arrancó en el año 1983 con ‘El color de la magia’, basado en un mundo de ficción en forma de disco que descansa sobre los lomos de cuatro elefantes, que a su vez se apoyan en el caparazón de una tortuga gigante. Ataviado siempre como un Gandalf de palo como ya he dicho y con su inseparable abrigo oscuro, Pratchett fue una persona tan cercana como cualquier familiar cercano nuestro, ya que muchos de nosotros nos hemos criado con su literatura y probablemente por eso nos ha dolido especialmente su perdida. Por su parte este británico autor también se convirtió en un activo defensor por la Legalización de la muerte asistida. “Me gustaría morir en paz, con la música de Thomas Tallis en mi iPod antes de que la enfermedad me lleve y espero que no tarde mucho en venir, porque si supiera que puedo morir cuando yo quiera, de repente cualquier día sería tan precioso como un millón de libras“, dijo durante una conferencia en 2010. “Si supiese que puedo morir así, viviría. Mi vida, mi muerte, mi elección”. 

Me declaro un devoto seguidor de Terry Pratchett desde que conocí su obra, hace décadas, y hablar de su obra, por supuesto, es hablar de Mundodisco, la inconmensurable creación literaria que ha ido construyendo desde 1983 paso a paso y que tiene el honor de ser el mundo fantástico más complejo y diverso (sí, muchísimo más que la Tierra Media), y sin lugar a dudas el más divertido. El color de la magia, pues, es una historia satírica en el que se retuercen hasta el más increíble de los absurdos todos los estereotipos y clichés del género fantástico (sin dejar de reírse del mundo real), y con los que muchos de nosotros esta más que familiarizado. Ridiculizar la épica de la fantasía clásica, los batallones de seres infumables, dragones, elfos, orcos o trolls, de una forma irrespetuosa, hace que si en algún momento fuiste seguidor de esos mundos de fantasía tipo Tolkienianos, ahora disfrutaras más viendo que no es mas de lo mismo. Hay un mundo más allá de la fantasía pedante y predecible. Pero dentro de esta obra hay más cosas ocultas a simple vista de lo que parece y puede que algún día me de por hablar más a fondo sobre ese tema.

The Colour of Magic es la segunda adaptación de Mundodisco de Terry Pratchett, por parte del director Vadim Jean, después de la soporífera Papa Puerco del 2006. Esta TV movie de la BBC en formato de doble episodio, es una larga sucesión de divertidas degeneraciones, aunque gran parte de ellas pueden no ser conocidas si no se es un apasionado de la literatura y del cine. Por ejemplo, la escena de la tribu de las estepas mongolas de Conan el Barbaro de John Milius y el relato “La máscara de la muerte roja” de Edgar Allan Poe.

Y si no decidme si no es delicioso este homenaje a la típica conversación de bárbaros esteparios que se inicia para que se mantengan en circulo y hablando:

 A diferencia del resto de aventuras de la serie, el primer libro de Pratchett tiene un estilo más parecido a la Guía del autoestopista galáctico de Douglas Adams. Para muchos un maravilloso ensayo literario donde desarrollar su concepto de lo que actualmente se engloba en Mundodisco, una de las sagas de fantasía y ciencia ficción más importantes de la literatura británica contemporánea.

Los hechos de la película transcurren en Mundodisco, un mundo plano con forma de pizza sostenido por cuatro elefantes que, a su vez, se apoyan en el caparazón del Gran A´Tuin, la tortuga estelar. En este lugar (para más señas en Ankh-Morpork) nos encontramos al mago Rincewind, quien es expulsado de la escuela de magia por su ineptitud, ya que en los cuarenta años de estudios que lleva en la Universidad Invisible, no ha sido capaz de aprender ningún hechizo, salvo uno, el cual no tiene ni pajolera idea de para que sirve. Pero por casualidades de la vida conoce a Dosflores, el primer turista de Mundodisco (Rincewind cree que la traducción de turista es imbécil) que le pide ser guía suyo por los lugares más variopintos del Disco, lo que generalmente significa lugares “poco recomendables”. Rincewind a fin de cuentas es un superviviente y más que un mago parece un mendigo que intenta constantemente sacar tajada de cualquier situación, por extravagante que sea. Su obsesión es el oro y por supuesto vivir tranquilo y despreocupado. Es avaro, torpe, un perdedor que vive constantemente angustiado, preocupado y agobiado pero aun así, bastante consciente de su mala suerte, aunque en el fondo tenga su corazoncillo de héroe (Muy oculto por supuesto). Bueno más que mala suerte es poseedor del legendario factor Rincewind (http://www.frikipedia.es/friki/Factor_Rincewind ) a niveles bastante tochos. Aunque Rincewind acepta la oferta, este decide escapar con el oro que le ha dado por ser su guía porque es así de cabroncete. Pero por el camino de huida, el gobernante único de Ankh-Morpork, el Patricio Vetinari, lo detiene y le obliga a que continué siendo su guía, ya que si le sucede algo malo a Dosflores, algo peor le sucederá a Rincewind. La desgracia de nuestro protagonista es, precisamente, que Dosflores quiere aprovechar su visita al máximo. Quiere descubrirlo, conocerlo, verlo y experimentarlo todo: magos, barrios de prostitutas (solo para fotografiarlas claro), la Muerte, dragones, gremios de ladrones y de asesinos, tabernas, peleas callejeras, espadas mágicas, trolls, etc. Si hace falta el muy inconsciente se meterá en la boca del lobo solo por el hecho de disfrutar de las vistas y de paso fotografiarlas. No se quiere perder nada, aunque su curiosidad le ponga casi siempre en peligro. Pero su ilusión, su inocencia y sobre todo su ingenuidad le impiden ser consciente de la cercanía del peligro y de la muerte. Él nunca se preocupa por nada, nunca se enfada, nunca se agobia. Solo se deja llevar por el momento y por su pensamiento positivo.

Mucho del encanto de este doble episodio de unas tres horas de duración, depende de que se conozcan las innumerables referencias al cine y la literatura (a las que ya he hecho alusión), aunque finalmente la puede disfrutar cualquier persona. Los CGI no son decádentemente impresionantes como en la soporífera trilogía del Hobbit, más bien sigue la estela de la BBC y el Doctor Who, pero no quiere decir que sean tan apestosos como los de Sharknado 2, por decir algo. En cuanto a los actores me parecen una maravilla y reúnen a una barbaridad de estrellas del copón bendito. Para empezar a David Jason como Rincewind, que aunque a primera vista no me pareció nada adecuado (más que nada porque ni se acerca a la edad del Rincewind de la novela), al final tuve que acabar tragándome mi propio veneno. Todo esto es debido al maravilloso acting que nos regala en todas las escenas, lo creíble que es como Rincewind y el hecho de que sea más fracasado aun al ser tan mayor y no haber llegado a nada en la vida. Pero esto no acaba aquí y por esos lares nos podemos encontrar a gente levemente épica como Sean Astin como Dosflores, más conocido por ser Sam en el “Señor de los ladrillos”, el jefe de Jack Bauer en la quinta temporada de 24 y el gilipollas que chupaba la sangre (véase dinero malgastado) por los sets de rodaje en The Strain. También tenemos en el anecdótico papel del Patricio Vetinari a Jeremias Hierros (Jeremy Irons para los que vais de guays); el eterno secundario en el mundo del cine Tim Curry manejando el papel del mago Trymon como ninguno (Eso es porque no estaba mi queridísimo Rutger Hauer por la zona, que si no se come un colín); o David Bradley haciendo de Cohen el barbaro, también conocido por ser Filch en la saga de películas de Harry Potter, Walder Frey en el Juego de Truños, el loco de Basil en Bienvenidos al fin del mundo y el fucking Abraham Setrakian en The Strain.

Yo estaría tranquilo en The Strain si Cohen el barbaro me cubre el culo, o cualquier otra cosa.

Por supuesto no me dejo al Fucking god of the cinema universe en activo Christopher Lee, haciendo la voz de la muerte, porque el mola y punto. Y también porque entre disco y disco de Black metal también hace sus cosillas.

En resumen, os encontrareis con una película brillante que se convierte poco a poco en un soplo de aire fresco respecto a la fantasía épica apolillada de siempre. Os encontrareis una cinta divertida, entretenida, incluso todo lo épica que puede ser, teniendo a un mago incompetente de protagonista. Muy recomendada para divertirse y echarse unas risas por lo cínica y caustica que es o simplemente como homenaje al titánico Terry Pratchett, que encima sale en la escena final del film.

La imaginación, no la inteligencia, es lo que nos hace humanos.

Adiós genio, estarás siempre en mi corazón.

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Nada menos que 40 años han pasado ya desde el estreno de La Matanza de Texas (The Texas Chainsaw Massacre, 1974). Auténtico clásico de culto, El lógico deterioro de las copias existentes y la multitud de ediciones existentes en el mercado, de mejor o peor calidad, hacían necesario este lanzamiento. A Contracorriente Films ha hecho posible que recuperemos el terror de la cinta de Tobe Hooper editando un doble blu-ray que recoge la película y un buen montón de extras. Con una edición remasterizada a 4 K a partir del negativo original y un blu-ray con multitud de extras, La Matanza de Texas queda oficialmente recuperada con este titánico esfuerzo que los fans, nuevos y antiguos, que sin duda disfrutarán con una experiencia única en nuestros días.

El director Tobe Hooper presentó la cinta restaurada en el Festival de Cannes 2014, en el marco de la quincena de realizadores. En España se pudo ver durante el Festival Nocturna 2014, donde fue el propio Hooper el encargado de presentarla.

Clásico entre clásicos, a pesar de haber pasado 40 años desde su producción, La Matanza de Texas sigue sorprendiendo por su tono cercano al documental y por su notoria frialdad en el tratamiento de la historia. La brutal interpretación de Marylin Burns es también uno de los platos fuertes de la película, sin duda una de las mejores scream queen del género en un papel tan duro como intenso, gran protagonista y objeto de culto, como también lo es el villano, uno de los más recurrentes de la cultura popular, el enloquecido Leatherface.

SINOPSIS:

Cinco jóvenes de ciudad cruzan el estado de Texas en una vieja camioneta para pasar unos días en una casa abandonada, antigua propiedad familiar de dos de ellos, y visitar la tumba profanada de su abuelo. Pero el grupo, topará con una familia de psicópatas caníbales que irán dando muerte uno a uno a los excursionistas. La familia de caníbales no se resiste a abandonar su hogar pese al cierre del matadero donde ellos trabajaban, ahora subsisten a base de atrapar turistas y devorarlos.

Ficha de la edición en blu-ray

Ficha de la edición en DVD

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Año: 2014 Duración: 95 min. País: Reino Unido Director: Lenny Abrahamson. Guión: Jon Ronson, Peter Straughan Música: Stephen Rennicks Fotografía: James Mather Reparto: Domhnall Gleeson, Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Scoot McNairy, Lauren Poole, Hayley Derryberry, Mark Huberman, Travis Hammer, Matthew Page.

Ser fiel a uno mismo puede hacer que a tu concierto asistan dos despistados atónitos ante lo que están viendo, o a que tu película se estrene directamente en plataformas digitales sin pasar por las salas. Ambas circunstancias las encontramos en esta comedia, cuarto trabajo del irlandés Lenny Abrahamson.

Frank (2014), basado en un personaje creado por el músico y cómico Chris Sievey, es el líder de un grupo de música experimental, integrado por seres tan entregados a la causa, como incómodos fuera de su microcosmos. La llegada de un nuevo miembro, que claramente no comparte los delirios ni la genialidad del resto de componentes, provocará un pequeño tsunami que terminará desembocando en una previsible catástrofe, retransmitida en tiempo real en las redes sociales.

Jon (Domhnall Gleeson) es el nuevo teclista que desestabiliza el equilibrio emocional del grupo (y hay más de lo que parece), a la vez que intenta dar un cambio a su anodina vida. Los meses de convivencia durante el proyecto de grabación del disco no lo llevan a redescubrirse, aunque se abra a nuevas experiencias. Seguirá conectado con el mundo al que pertenece por sus ansias de triunfar y sus cuentas en twitter y facebook.

En el lado opuesto se encuentra Frank, un ser libre centrado en la búsqueda de su música, y a la vez atado a una cabeza gigante de papel maché de la que no se desprende nunca. Su sensibilidad creativa no le hará inmune a la tentación de gustar y sentirse querido más allá de sus devotos músicos.

Lo histriónico de los personajes, lo extravagante de su relación con el mundo que les rodea y entre ellos mismos, abonaría el terreno para unas actuaciones desmedidas y fuera de tono, pero no es el caso. La contención, especialmente en el caso de la intensa Clara (Maggie Gyllenhaal), y cierto aire melancólico, impregnan el trabajo actoral, dejándonos momentos tan hilarantes como conmovedores.

Entre las ganas de ser un músico conocido de Jon, y el personalísimo hábitat de Frank, podemos asomarnos un mundo de consumo que fagocita todo lo que tiene a su alcance (sea “indie” o no), y las redes sociales no son más que un nuevo escenario en el que eso sucede de forma acelerada. Si esta película nos la imaginamos a la inversa, si lo primero que vemos es un vídeo colgado en youtube, de un tipo que lleva una cabeza gigante mientras se mueve al son de una melodía que no lo parece, habríamos consumido nuestra dosis diaria de “frikis por el mundo”, y hasta ahí hubiéramos llegado. Una rápida mirada superficial, cada vez más enganchada a la anécdota, nos impide distinguir entre lo auténtico y lo impostado. Parece difícil escapar a un modelo de consumo (no solo cultural) que estandariza y nos deja sin margen para profundizar en lo que hay detrás de una máscara.

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Ya tenemos el cartel del Festival de Sitges 2015. Una caja de cartón sanguinolento es el símbolo del impactante final de la emblemática película Seven, de David Fincher, recordado por sus fans del genero, que en septiembre celebrará el 20º aniversario de su estreno y que vuelve a llevar la marca de la agencia CHINA. El Sitges Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya conmemora este hecho dedicándole el cartel de su 48ª edición, que se celebrará del 9 al 18 de octubre.

Seven, estrenada en 1995, supuso un punto de inflexión en el género del thriller policíaco, modernizándolo y fusionándose con el cine de terror, creando el que, probablemente, es el mejor psycho-thriller de las últimas décadas. La expresión de terror, rabia y dolor de Brad Pitt en las últimes escenas nunca se borrará de las retinas de los espectadores, que este año podrán recordar el film de Fincher en Sitges.

El cartel de Sitges 2015 ha sido elaborado, una vez más, por la agencia CHINA en un homenaje a Seven y donde aparece la huella de Mark Rothko y Antoni Tàpies. El equipo de Rafa Antón, director ejecutivo de la agencia –y que trabaja la imagen del Festival desde 2002– ha explicado que “el cartel de este año es, en el fondo, una pista. Un elemento en el que intuyes muchas cosas, pero que abre aún más interrogantes. Una pequeña ayuda para entender cómo encajan las piezas del puzzle. Porque lo único que hacemos es coger un elemento central de Seven, como es la caja, y descontextualizarlo. Solo cuando imaginas ese trozo de cartón ensangrentado como parte de un todo es cuando entiendes de qué película estamos hablando. Es una invitación a nuestros fans a sentirse parte de un pequeño thriller. Y esa es nuestra manera de homenajear el gran clásico de Fincher”. El director creativo del cartel es Miguel Ángel Duo y el fotógrafo, Biel Capllonch.

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Año: 1972. Duración: 120′ País: Estados Unidos. Guión: John Milius. Música: Maurice Jarre. Fotografía: Richard Moore. Reparto: Paul Newman, Jacqueline Bisset, Tab Hunter, John Huston, Stacey Keach, Anthony Perkins, Ava Gardner, Roddy McDowall, Victoria Principal, Anthony Zerbe, Ned Beatty. 

“No importa lo que digas. Voy a colgarte porque yo soy la ley y la ley es el brazo fuerte de la justicia. ¡Coged una cuerda!”

Desde siempre la cultura norteamericana se ha jactado de contar con personajes outlaws, espíritus libres  que representan la “verdadera esencia” del espíritu norteamericano. La falta de una perspectiva histórica de los acontecimientos debido a su corta vida como nación, se nos ofrece personajes cuya catadura moral es más que discutible, que sin embargo aparecen glorificados como héroes nacionales, siempre con ese tinte de espíritu libre, de personas forjadas así mismas en el sueño americano. Si hace poco asistíamos al estreno del biopic uno de los nuevos héroes americanos en El Francotirador (2014), fue en el Far West donde se forja el arquetipo del “vaquero”, del tipo de gatillo fácil que se mueve entre ambos lados de la línea de la legalidad pero que finalmente decide sacrificar su libertad -que no su libre albedrío- para poner un granito de arena en la construcción de los EE.UU. aunque sea a base de volar la cabeza del prójimo. Figuras míticas como Billy The Kid, Pat Garret, Buffalo Bill, Calamity Jane o Roy Bean son algunos de los personajes de la época mitificados hasta la saciedad, retratados de forma seria, caricaturesca, o bien utilizados como vehículo icónico para hacer didáctica de la construcción de su nación. Y es que la didáctica en el cine norteamericano también es un tema recurrente en la filmografía USA: “si de algo no se ha hecho una película es que no ha pasado”, decía un línea de diálogo de una película que ahora no puedo recordar; el cine yankee, desde El Nacimiento de una Nación (1915), hasta el ridículo relato del asesinato de Bin Laden en La Noche Más Oscura (Zero Dark Thirty, 2012) no se ha desposeído de ese halo relator con el que los norteamericanos estudian su historia.

John Houston acababa de dirigir Fat City (1971) cuando se embarcó en la revisión de la vida de Roy Bean, uno de estos bandidos-héroes de la cultura americana más notorios, con el filme El Juez de la Horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972). Aunque Roy Bean no es de los forajidos más famosos, no quiere decir por ello que no haya sido laureado con sendos títulos y series de televisión a mayor gloria de sus hazañas; uno de los más señeros, junto al título que nos ocupa, fue El Forajido (The Outlaw, 1940), dirigido por William Wylder. Tras la recreación televisiva de la vida y milagros de Roy Bean en diversas series a lo largo de los años 50, John Houston se propone una aproximación al personaje de la mano del guionista entonces solicitado John Millius. Otra pieza clave de esta película es Paul Newman, que realiza un papel muy a la zaga del que ya interpretó con el archifamoso Butch Cassidy -otro de antihéroe del far west- en Dos Hombres y Un Destino (Butch Cassidy and the Sundance Kid, 1969), encarnando aquí al forajido Roy Bean, un bandido y criminal que se autoproclama juez de un polvoriento poblado en la orilla del Río Pecos. La justicia que imparte Roy Bean es expeditiva y fulminante, los criminales -como lo era él antes- son atrapados por los alguaciles del juez y colgados frente al prostíbulo ahora convertido en palacio de justicia.

El tono de la película es notoriamente caricaturesco. Ni Houston ni Milius quieren contar la vida de Roy Bean como si fuera un dogma de fe, alejándose de la didáctica podrida de otros títulos -más contemporáneos que clásicos- del cine de Hollywood. Conociendo el modus operandi de John Milius a la hora de escribir un guión y el origen de su formación y gustos como guionista, el escritor norteamericano aplica la receta que tanto le gusta repetir en otras piezas de su filmografía: Roy Bean es un personaje que sólo tiene cabida en el salvaje oeste, un entorno al que la civilización pudre y quita su autenticidad, el salvajismo es sustituido por la corrupción política y la ambición. Roy Bean ahorca a los forajidos tras un juicio sumarísimo en el que se jacta de conocer las leyes de Texas porque él las ha quebrantado todas, también se auxilia de un grueso volumen de leyes para encontrar los argumentos legales que siempre terminan de la misma manera, con un ahorcamiento.

La visión deliberadamente jocosa que Houston imprime a El Juez de la Horca conduce a la construcción de un personaje recio que se va creciendo a lo largo del filme hasta convertirse en una autoridad, respetada por los forajidos y los ciudadanos de la incipiente ciudad que arrebata al desierto con la pistola y la soga. Pero el guión de Milius no se queda ahí, busca el contraste entre la sinceridad del salvajismo y la hipocresía de los nuevos tiempos. En un fotograma de la película Roy Bean lee en el periódico una noticia sobre Jack El Destripador, minutos de metraje más tarde su ciudad aparece invadida por la modernidad: coches, armas modernas, política y corrupción irrumpen en el nuevo siglo, el XX, como lo hizo Jack El Destripador en las calles de Londres, inaugurando una era, el final de la inocencia, que en el caso de Estados Unidos también encuentra su paralelismo en el año de producción de El Juez de la Horca, en pleno escándalo Watergate y cuando los EE.UU. importaban diariamente de Vietnam cientos de bolsas de cadáveres. El comienzo de la modernidad desplaza a Bean y a sus alguaciles, la pistola ya no sirve, ahora cuenta más la taimada interpretación de las leyes y la corrupción que un revólver y un trozo de cáñamo, los héroes de la película: Roy Bean, sus alguaciles y su hija (hierática Jacqueline Bisset), deberán demostrar en el último acto de la cinta que la autenticidad y el espíritu libre norteamericano están por encima del poder del dinero, lectura que Milius hace en clave western de esos relatos de la literatura clásica en los el héroe vuelve a casa para restaurar el orden perdido.

El camino del héroe que recorre Paul Newman (Roy Bean) está plagado de personajes reales que añaden contundentes guiños a una historia que tiene mucho de cómica pero que también pretende ser un glosario de un mundo en extinción, un mundo de leyenda aplastado por los neumáticos de los vehículos modernos. Podemos ver al director de la cinta, John Houston, en el papel del trampero Grizzly Adams, otro personaje real del far west cuya leyenda cuenta que hibernaba con los osos, acompañado por su inseparable oso Benjamin Franklyn. La actriz Lily Langtry está interpretada por Ava Gardner, y el pistolero albino Bad Bob (Stacy Keach) hace una aparición tan fugaz como caricaturesca.

El Juez de la Horca contiene algunos defectos de montaje y nos ofrece una lectura del mito que se dirime entre lo crepuscular y lo grotesco, de hecho John Milius quiso dirigir él mismo una visión más espartana y dura de Roy Bean para apartarse de camino marcado por John Houston. Milius decía identificar a Roy Bean con el General Patton, pero como la mayoría de los proyectos de Milius, tuvo que quedarse en el cajón de su oficina para siempre. Aún así, El Juez de la Horca, aparte de ser un título entretenido y con una dirección discutible tiene un encantador sabor clásico y nos invita a reflexionar sobre el cambio de los tiempos, sobre el carácter de las personas que crean historia aunque sea a base de tiros. El filme, nos remite a ese momento de la historia americana en el que, tras el genocidio de las tribus indias, el capitalismo se impone como motor del cambio dejando a un lado a aquellos personajes pioneros, en cierta forma, que pusieron su grano de arena para hacer posible el consolidación de los Estados Unidos como nación.

Western crepuscular que comparte lectura con las obras maestras y anteriores de Sam Peckinpah, como La Balada de Cable Hogue (The Ballad of Cable Hogue, 1970) o Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969), El Juez de la Horca no deja de ser un clásico de una época que cinematográficamente marcaría el final del género, o al menos el comienzo de su agonía. La sucesiva desaparición de los directores que marcaron un hito en el western de los años 70 y el abandono del género durante el traumático cambio de tendencias de los años 80 relegó al olvido al western crepuscular, puntal de la entonces industria cinematográfica americana y europea (recordemos el spaguetti western de Sergio Leone). Afortunadamente El Juez de la Horca y otros títulos han sido rescatados del olvido ante la imperiosa necesidad de, no sólo reconocer el mérito de estas películas, también la de recordar que un día el cine era libre y no por ello era pequeño, eran los años 70.

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El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid celebrará el 30 aniversario de Demons. Nocturna 2015 hará de los cementerios sus catedrales y de las ciudades vuestras tumbas

En 1985 la historia de una joven estudiante que acude al pre-estreno de una película en el cine Metropol, donde el terror no solo se desatará en la gran pantalla, causó una gran sensación convirtiéndose, tal y como la definía Joan Luis Goas en el programa Noche de Lobos, en “un puro y duro disfrute, un entretenimiento trash, desmesurado, rocambolesco y pasado de vueltas”.

Ahora, treinta años después, el Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid se complace en anunciar que el realizador italiano Lamberto Bava visitará Nocturna 2015 para recibir el premio Maestro del Fantástico y celebrar con todos nosotros el 30 aniversario de Demons, que se suma a las celebraciones iniciadas con la proyección de El Resplandor y la anunciada de Pesadilla en Elm Street con la visita de Robert Englund.

Hijo del mítico realizador italiano Mario Bava, Lamberto Bava (Roma, 1944) inició su andadura como asistente de dirección y guionista para, posteriormente, ponerse a las órdenes de Dario Argento en películas como Tenebre e Inferno. Con Argento, Bava firmó dos de sus películas más memorables, Demoni y Demoni 2.

El Festival Internacional de Cine Fantástico de Madrid, Nocturna 2015, presentó ayer en los Cines Palafox de Madrid los primeros títulos que podrán verse en ésta nueva edición que se celebrará del 25 al 31 de mayo.

La sección Oficial Fantástico presentará títulos como “Infini” (Shane Abess, 2015), un film de ciencia ficción en el que un equipo de elite deberá rescatar al único superviviente de un accidente biológico en una estación minera; “June” ( L Gustavo Cooper, 2015) que nos presentará la historia de una niña huérfana que es poseída por un ente sobrenatural que quiere acabar con la humanidad; o “Kill me three times” (Kriv Stenders, 2014) en la que Simon Pegg encarna al asesino profesional Charlie Wolfe quien recibirá un encargo que lo introducirá en una espiral de muerte y venganza.

Dark Visions, la sección mas indie de Nocturna 2015 nos ofrecerá títulos como “III” (Pavel Khvaleev, 2015) en la que cuando una extraña epidemia asola una aldea europea, una mujer tratará de salvar la vida de su hermana a través de una serie de rituales que la llevaran a un nuevo mundo dentro de su mente donde tendrá que erradicar sus miedos mas profundos. “Hellmouth” (John Geddes, 2014) nos devolverá a las películas de género de los años 50 con la historia de un enterrador que viajará hasta el infierno para salvar el alma de una bella mujer.

Madness la sección oficial que acoge las emociones mas fuertes de Nocturna nos ofrecerá títulos como “Lost after dark” (Ian Kessner, 2014), todo un homenaje a los salseros de los 80 en la que un grupo de adolescentes se enfrentarán a un sádico asesino caníbal. También se podrá ver“Headless” (Arthur Culliper, 2015) el slasher que se podía ver en “Found” (la película fue presentada en el festival el año pasado) y en la que simulando un slasher perdido realizado en 1978 nos presenta a un asesino enmascarado que se deja llevar por una espiral de canibalismo, asesinato, y necrofilia.

Dentro de la sección Panorama podrá verse “Monsters: Dark Continent” (Tom Green, 2014) que transcurre siete años después de los hechos del film de Gareth Edwards. Las zonas infectadas se han extendido por todo el mundo mientras la humanidad lucha por su supervivencia.

Robert Englund (Glendale, California), conocido mundialmente por interpretar el papel de Freddy Krueger en “Pesadilla en Elm Street”, película que se proyectará en el Festival con motivo de los 30 años de su estreno en nuestro país, recibiría el premio Maestro del Fantástico, y además presentará el estreno español de sus dos últimas películas. En la sección Panorama veremos “The Last Showing” (Phil Hawkins, 2014) en la que Englund interpreta a un proyeccionista que tras ser despedido decide vengarse convirtiendo a una pareja de espectadores en los involuntarios protagonistas de su película de terror. Y en la sección Oficial Madness se verá“Fear Clinic” en la que Robert Englund da vida a un doctor trata de curar las fobias de sus pacientes con medios muy poco ortodoxos.

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En una reciente entrevista ofrecida por Christopher Nolan difundida por multitud de medios digitales durante la promoción de su última película, Interestellar, el cineasta londinense afirmaba lo siguiente:

“Me gusta ofrecer al público una comida lo más especiada posible, pero siempre dentro del contexto de un producto comercial muy entretenido”

Con este comentario Christopher Nolan fue certero y honesto a la hora de poner la vitola a su obra, Nolan define sin fisuras el espíritu fílmico de casi toda su carrera. Encorsetado, quizás sin justificación para muchos, en un hábito de cineasta con ciertos rasgos autorales, la definición en sí misma es correcta a la par de gruesa. La carrera de Christopher Nolan ha sido meteórica, basada en una reputación de autor independiente que rápidamente supo adaptarse a los estándares del cine comercial, acaso sin perder una parte de esa chispa de espontaneidad que le lanzó a los tabloides de la prensa cinematográfica durante el estreno de Memento (2000). Si ésta, que fue su segunda puesta en largo, demostró un dinamismo arrebatador contando una historia en la que los recuerdos pueden tener sólo unos momentos de vida, su obra precedente, Following (1997), condensaba las inquietudes de toda una generación de cineastas independientes. Esta cinta fue rodada en blanco y negro con una cámara de 16 mm y unos exiguos 6.000 dólares de presupuesto; eran tiempos, los años 90, en los que nuevos cineastas querían abandonar los fastos de las superproducciones y emplear su talento en contar historias ingeniosas y de gran dinamismo dramático. Following consigue poner a Christopher Nolan en el punto de mira de una industria que necesitaba olvidarse de la estética del videoclip con olor a laca, de la iluminación indirecta y los tonos pastel.

Si su primera película fue embriagadora y subversiva en el sentido cinematográfico de la palabra, Memento no lo era menos. Aún haciendo sendas concesiones al público -dos de los actores principales, Carrie Ann-Moss y Joe Pantoliano, acababan de estrenar Matrix (1999)- que facilitaron la financiación de la cinta, el argumento de Memento es tremendamente original, y el título es sin duda uno de los referentes de cualquier fan de Christopher Nolan. Memento es un rompecabezas donde la realidad puede llegar a ser tan falaz como los compañeros de viaje del protagonista, envueltos todos en una maraña de engaños y venganza. Una película dura de visionar e independiente en todos los sentidos, Memento es un hito en la carrera de Nolan que, para desconsuelo de los fans de su época indie, nunca más se repetiría.

Tras el éxito de Memento el aparato mainstream sedujo a Nolan. Si en aquel título los protagonistas fueron escogidos del elenco secundario de un película taquillera, su siguiente filme contaría con unos protagonistas de excepción: Robin Williams y  Al Pacino. Insomnio (2002) es una película producida por estudios Warner, con un presupuesto tan potente como para contratar a dos de los actores con más gancho del momento; Insomnio es además una reescritura del cine negro usando elementos que corresponden al ámbito de nuestra vida inconsciente: si en Memento eran los recuerdos y el modo en el que son vividos por las personas, en Insomnio es el sueño la fuerza dinamizadora de los personajes, son los fantasmas del pasado los que esperan a que el detective protagonista pueda dormir para aparecer y recordarle las deudas pendientes. La imposibilidad de poder dormir debido al eterno día polar que rige los biorritmos de los habitantes de Alaska -donde se desarrolla la acción- castra las pocas fuerzas que el personaje de Al Pacino le quedan para afrontar su pasado y resolver el caso encomendado. El resultado de Insomnio fue un nuevo aplauso de crítica y público. Christopher Nolan deja atrás su pasado como cineasta indie pero crea proselitismo entre el público más generalista en cuanto a gustos cinematográficos. Insomnio fue además el remake de una película noruega homónima estrenada sólo tres años antes, un trabajo de encargo que con el que parece que el sistema consiguió domeñar la impulsividad del realizador británico,   obligándole a pasar por el aro de un estándar más comercial. Aún por la características de este encargo de la Warner, Insomnio es un trabajo con un estimulante resultado que es admirado como obra menor pero imprescindible en la filmografía de Nolan.

El bombazo no se hace esperar, la Warner Bros anuncia un nuevo trabajo para Nolan, la resurrección nada menos que de uno de los superhéroes más admirados en todo el globo, Batman. Sería el título de Batman Begins (2005) el que diese la oportunidad a Christopher Nolan para afrontar una obra de gran presupuesto, con un severo aparataje de efectos especiales y localizaciones en varios puntos del planeta. El relato de los tortuosos inicios del hombre murciélago se ha convertido ya en la pieza definitiva para conocer la personalidad del superhéroe. Muy alejada de la excesiva y vacía actuación que realiza Michael Keaton en los Batman de Tim Burton, el elegido para interpretar a Bruce Wayne es el joven Christian Bale, que permanecería unido a Nolan durante tres títulos más, dos de ellos repitiendo el personaje de Batman. Christian Bale se ha convertido por mérito propio en la cara moderna de Batman, y se lo debe a la gran humanidad con la que imbuye al personaje. Batman Begins cuenta con Liam Neeson como principal antagonista de Batman, en un papel que mezcla las personalidades de Fu Manchú y Osama Bin Laden, y es que el espíritu vengativo post-11S que impregnó al cine de acción norteamericano de aquella época también está visible en este Batman.

La resurrección de Batman fue todo un éxito, los estudios Warner Bros, pletóricos, anuncian otras dos entregas más sobre el hombre murciélago, dos entregas que incidirían, según Nolan, en la parte más oscura del superhéroe, ahondando en sus traumas y lamentando el sacrificio que debe realizar por el bien y la justicia en Gotham City. El Caballero Oscuro (2008) y El Caballero Oscuro: la leyenda renace (2012) ahondan en el universo Batman incluyendo a unos cuantos antagonistas recurrentes en su saga impresa; sin duda el más esperado fue el de Jocker, interpretado por el malogrado Heath Ledger, en lo que su fue el  último papel de su trágica muerte. Si el primer Batman logró ser original y vibrante, los siguientes, y por mucho que les pese a los acérrimos seguidores de la saga, sólo son un conjunto de sets de acción enlazados de principio a fin mediante un débil entramado dramático; a esto se le añade que el elenco de excelentes actores secundarios -Aaron Eckhart, Gary Oldman, Maggie Gyllenhall o Cillian Murphy- adquieren mayor protagonismo que el propio personaje principal, mostrando así la imposibilidad del libreto por equilibrar estas dos historias tan frágiles como enrevesadas.

Christopher Nolan alterna los rodajes de las prescindibles secuelas de Batman Begins con dos títulos de  desiguales resultados en taquilla. Si El Truco Final (2006) es una película bella y emotiva, realizada con una coherencia argumental y un sentido dramático y estético digno de un maestro del cine, Origen (2010) -también conocida en España por su auténtico título, Inception- es una nueva vuelta de tuerca al cine mainstream que ya domina por completo la filmografía de Christopher Nolan. El Truco Final habla de la inspiración, del desafío, del amor y del dominio de la ilusión como motor último de la fantasía, Origen es un ejercicio de cine comercialidad de alto standing, un lujo onírico -nuevamente Nolan nos lleva al terreno del inconsciente- para todos los públicos descaradamente inspirado en el universo Matrix.

Tras la última entrega de la saga Batman, Nolan se ha atrevido con una space opera. Nuevamente se rodea de un elenco de actores de lujo: Matthew McConaughey, Michael Caine, Jessica Chastain o la imprescindible Anne Hathaway. Interestellar (2014) es una historia de ciencia ficción que combina con soltura las especulaciones téoricas hard-scifi del científico Kip Thorne con un esqueleto dramático en el que se dirimen las relaciones paterno filiales de los protagonistas. La fuerza del amor, como deus ex machina, resuelve la complicada situación de los personajes, también la del futuro del planeta; el telón de fondo, un agujero negro el cual los héroes deberán cruzar para encontrar la salvación de la humanidad. Interestellar es quizás la obra más madura de Nolan desde el punto de vista técnico y la más complaciente hacia ese público mainstream al que parece dedicar todo su esfuerzo. Nos podrá gustar o no, éste es Nolan en el año 2014, muy distinto del joven realizador indie que hizo una cinta sobre el voyerismo en 1997, su carrera ha evolucionado hacia una empática relación con el público que llena las salas de cine con la exigencia de ver un espectáculo maduro y complaciente.

El futuro, solemos decir, no existe, aunque lo personajes de Interestellar piensan algo muy diferente, y si esos personajes hablan por Nolan, su línea cinematográfica va seguir el sendero marcado por este ejercicio de entretenimiento y virtuosismo técnico. Christopher Nolan es honesto, los admiradores de Memento o Insomnio quizás no le podrán perdonar, pero a los millones de personas que llenan las salas para disfrutar con su cine eso les da igual.

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Año: 2013. Duración: 91 min. País: Estados Unidos. Director: Jeremy Saulnier. Guión: Jeremy Saulnier. Música: Brooke Blair, Will Blair. Fotografía: Jeremy Saulnier. Reparto: Macon Blair, Eve Plumb, Devin Ratray, Amy Hargreaves, David W. Thompson, Bonnie Johnson, Stacy Rock, Kevin Kolack.

Trayendo a la memoria la frase mayormente conocida por todos, ojo por ojo y diente por diente o ley del Talión, encaja como un guante a la historia que nos narra el director Jeremy Saulnier.  

Blue Ruin (2014), segunda película de Jeremy Saulnier, es un thriller del año 2013 premiado en distintos festivales internacionales entre ellos el Premio de la Crítica en el Festival de Cannes. Protagonizado por Macon Blair, también visto en Murder Party, película del mismo director, su actuación es tan dispar a lo que presenta en esta ocasión como dispar el género en el que se encuadra cada uno de los títulos mencionados.

La película cuenta la historia de Dwight (Macon Blair), un hombre de personalidad decadente que, tras el daño personal recibido por un crimen familiar, no sólo decide apartarse del mundo y prescindir de su identidad social, sino que buscará equilibrar la balanza entre el daño recibido por el crimen y el daño producido, con un castigo que nunca será suficiente para él. Una venganza personal que se excusa mayormente por ser familiar; la narración se hila con una intensidad inesperada por el espectador, que lo lleva al descubrimiento de importantes detalles argumentales fundamentales conforme avanza el metraje. Blue Ruin es una película intensa que equilibra la balanza entre lo crudo de algunas escenas y la simplicidad de una historia, la de la venganza, que conlleva muchas veces la torpeza de la grave misión de Dwight. La narración se conduce en un contexto que marca una estima al uso y la convivencia con la cultura de las armas dentro una pequeña ciudad norteamericana. Una mirada a esta cultura de las armas sopesa las consecuencias de la violencia ante su uso, ante las rendiciones de cuentas personales en el anonimato, ausente de cualquier autoridad o control legal.

Blue Ruin es otra historia de venganza familiar en la que sobresale la figura de un protagonista de emociones contenidas, alejado del estereotipo del vengador, una película donde el juego entre los primeros y segundos planos ayuda a mantener la tensión y ofrece unas dosis de crudeza necesarias a través de las que el director de este film independiente hace una critica a una situación común en los Estados Unidos, dejando en manos de las nuevas generaciones la posibilidad de ponerles fin.

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Año: 2015. Duración: 120′ País: Australia. Guión: Nick Lathouris, Brendan McCarthy, George Miller. Música: Junkie XL. Fotografía: John Seale. Reparto: Tom Hardy, Charlize Theron, Nicholas Hoult, Hugh Keays-Byrne, Zoë Kravitz,Angus Sampson, Rosie Huntington-Whiteley, Riley Keough, Nathan Jones, Abbey Lee, Josh Helman, Courtney Eaton.

Sin prisa pero sin pausa van llegando a nuestras pantallas los remakes de las más influyentes sagas cinematográficas de los años 80; una de las primeras en aterrizar ha sido la de Mad Max, basada en la legendaria trilogía del australiano George Miller; en la recámara quedan Los Cazafantasmas y la inminente Poltergeist.  Hace más de treinta años Mad Max era interpretado por Mel Gibson, encarnando a uno de los héroes que le haría convertirse en un estrella. El desaliento de Miller para ponerse tras las cámaras era tal que el proyecto permaneció en el tintero durante unos cuantos lustros, pudriéndose en el cajón de la productora sin el dinero para llevarlo a cabo y con un director y actor con poca motivación para volver sobre el personaje, pero una serie de circunstancias de largo devenir pusieron en marcha de nuevo el proyecto hace tres años; también cabe lo posibilidad que Miller y sus productores vieran la posibilidad de resucitar a Mad Max justo cuando el cine ochentero es puesto en valor gracias a un fandom que da más valor a los recuerdos de su niñez que a la calidad cinematográfica de los títulos que visionó en aquel entonces.

Si hay alguna saga realmente rescatable de aquella época, esa es sin duda la Mad Max, una trilogía que nos ofrecía el retrato de un héroe solitario, un rudo guerrero de la era postindustrial en la que la carencia de gasolina ha llevado al mundo en un apocalípsis  que ha degenerado en un nuevo orden de señores de la guerra con aspecto de punks enfrentados a un puñado de supervivientes que aún pugnan por rescatar un pedazo de humanidad entre el caos. Mad Max, héroe vengativo en una primera entrega, de carácter casi autoral, se convierte en defensor de los más débiles en las otras dos; al mismo tiempo el mundo postapocalíptico muta y se convierte, entrega a entrega, en un territorio plagado de criaturas bizarras salidas de un cómic, olvidando todo el verismo de la primera entrega de Mad Max.

El planteamiento de Mad Max, Furia en la Carretera (Mad Max, Fury Road, 2015) es una mezcla de las dos últimas entregas de su saga: hay un camión que conducir, hay hordas de esbirros de una nueva némesis de Mad Max (Inmortal Joe, un digno sucesor de Lord Humungus), hay mucha acción y también contemplamos la recreación de un mundo que tiene ciertas semejanzas a aquel en el que reinaba Tina Turner en Mad Max, más allá de la cúpula del trueno (1985). Mad Max, Furia en la Carretera contiene la brutal acción del segundo Mad Max y el desenfado de su continuación, pero ambos elementos elevados a su enésima potencia. El nuevo Mad Max son 120 minutos de acción, una película donde el espectador verterá adrenalina hasta ahogarse en ella; Mad Max, Furia en la Carretera puede ser el filme con más cantidad de acción que se haya rodado jamás, nadie le quitará el mérito de ser un título hecho para y por el público, un homenaje a los fans que han pasado tres décadas esperando la continuación de la saga.

Charlize Teron se implica en esta entrega interpretando a la soldado Emperatrix Furiosa, una temeraria y experta conductora de camiones, contrapunto femenino que ayuda a nivelar el protagonismo de un Mad Max parco en palabras y gestos, vacío de identidad personal a favor de un icono cuyo nombre no se pronuncia hasta el final. Tom Hardy, intérprete de Mad Max, nos deja una actuación tan acrobática como gélida, acompañando las notas  más graves de un guión que naufraga allá donde quiere imprimir el dramatismo que la pirotecnia no puede mostrar en la pantalla. pero este despropósito no es demérito de Tom Hardy. Comenzando por el nulo aporte del guión a la mitología de ese mundo postindustrial y terminando por un giro final vuelve a resetear la película, el resto de los momentos dramáticos son rotundamente ridículos, por más que Miller nos quiera mostrar a los más variopintos guerreros y guerreras de la carretera que pueblan el desierto australiano, siempre terminan siendo ridiculizados por un libreto escrito para ser digerido por un público tan amplio como sea posible. Quizás sea necesario recordar el momento en el que la anciana guerrera muere en el camión de Max en medio de un ensalada de balas con una sonrisa en la cara, o la burda historia de amor entre una de las reproductoras y el guerrero, y sólo por mencionar dos parones en el ritmo de la acción de la película que precisamente deben servir lanzar un nuevo acto de la historia, pero las emociones y los valores morales de los personajes son dibujados con un trazo tan grueso que ponen en evidencia una absoluta sumisión del filme a la fagocitación masiva.

Tiros, explosiones, persecuciones, acrobacias y acción de principio a fin, personajes pulp, heavy metal y un poco de carnaza femenina; George Miller quiso montar un fiesta y lo hizo, pero su película no es épica, Mad Max ya no es un héroe, sólo es un macarra que no habla, que conduce bien y que expresa una leve empatía hacia el género humano cuando recuerda a su hija en unos insertos tan burdos como ineficaces. El mundo de Max ya es irreconocible, sumergido en una orgiástica estética pulp -que es lo que menos nos desagrada-, ya no sabemos qué hacemos allí, como hemos llegado, ni adónde nos dirigimos.

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El Festival Nocturna, o como se le dice oficialmente, Festival de Cine Fantástico de Madrid, cumple ya su tercer año, y el segundo que este medio se ha acreditado para ofrecer una crónica de lo que fue y lo que vimos allí. Lamentablemente no pudimos estar todos los días pero sí que asistimos al visionado de un buen puñado de títulos. Así que sin más dilación pasamos a contaros que nos han parecido las películas que hemos visto y el ambiente en general.

EXETER

Dirigida por el que fuera una promesa del cine fantástico, Marcus Nispel, que incluso se atrevió a dirigir un remake de Conan El Bárbaro y otro de Viernes 13, nos trae una cinta de muy bajo presupuesto que se incluye dentro de la actual moda de refritos baratos y pastiches de temáticas que tanto abundaban en los años 80, y que ahora son reclamados sin el más sentido del ridículo: un sanatorio abandonado, experimentos médicos, posesiones, venganzas de ultratumba, drogas, veinteañeros en busca de sexo fácil, resurrecciones por doquier, exorcismos de andar por casa,…una película hecha a jirones de multitud de referencias en las que las reglas del juego están claras, ya las hemos visto en Posesión Infernal o en muchos de los slashers de la época.

La cinta de Marcus Nispel, también llamada Asylum, se convierte en un ejercicio de visionado tan devastador como exento de pretensiones, una historia carente de elementos dramáticos y siquiera de sorpresas que no sean los espasmos acrobáticos de los posesos o las burdas resurrecciones de los personajes infectados por el Mal. Exeter es, en definitiva, un  producto que no tendría otra salida que ir directo al formato doméstico y aún no entendemos cómo ha podido llevarse el premio ex aequo al mejor guión, queremos pensar que por tener en el Palmarés de Nocturna 2015 al nombre de Marcus Nispel.

JUNE

Siguiendo la estela de la brutal Dark Touch como o la notable cinta de Luiso Berdejo, La Otra Hija, June es una historia sobre sectarios y dioses primigenios. Aderezada con una inyección de horror cósmico, la cinta se deja ver con simpatía, más para el fandom cuando aparece en pantalla el nombre de su productor y protagonista Casper Van Diem, aquel Johnny Rico de Starship Troopers. La evolución de la historia y los personajes es previsible, lo que no quita mérito a que haya sido rodada con cierto pulso y con una sensación de saber qué terreno pisa, al contrario que le ha ocurrido a otros títulos más pretenciosos del festival.

Con un final no bien resuelto, esta entretenida película, se proyectó a las cinco de la tarde prometía ser el comienzo de una buena jornada de proyecciones, y así fue. Fue precedida por un cortometraje de escuela llamado Be Afraid of the Dark, una pieza sin ninguna pretensión que acaso no sea la de plagiar alguna persecución de zombies que ya hemos visto en La Horda o REC.

KILL ME THREE TIMES

Distribuida por One Entertainment, ha sido uno de los platos fuertes del festival. Una película que a pesar de sus limitaciones y la efectividad de sus resultados como comedia –sin duda Simon Pegg salva la fiesta-, la cinta está dentro de ese puñado pequeño de títulos que aumenta el listón de calidad de las películas visionadas en el Festival.

Kill Me Three Times es una producción australiana que llegará en breve a nuestros cines, una comedia negra de enredo donde los cadáveres aparecen como setas en mitad de un embrollo que mezcla celos, dinero y ambición, y que aparte de Simon Pegg, cuenta con la presencia del veterano Brian Brown y de Teresa Palmer, la chica de Memorias de un zombie adolescente, una propuesta fresca a la que se le puede entrever cierta brillantez.

Como corto que introduce a la película pudimos ver El Vidente, protagonizado por el siempre efectivo Karra Elejalde en un papel que recuerda al que encarnó en Año Mariano. El Vidente es un corto de humor negro con componente fantástico y crítica social, una pieza entretenida y fresca, buena predecesora de la película que veríamos a continuación.

IT FOLLOWS

La que, para el que suscribe esta crónica, fue la mejor película del Festival de Sitges 2014, llega al Festival Nocturna con un lleno total de sala. La expectación creada por este preestreno -el estreno tendría lugar el viernes siguiente- era grande y no decepcionó a nadie. It Follows es un filme austero pero contundente que deconstruye el género slasher de los años 80; al mismo tiempo contiene una inquietante y oscura lectura sobre el abandono de la adolescencia y la entrada en la madurez.

La película cuenta con la inquitante banda sonora de la banda Disasterpeace, un elemento tan perturbador como indispensable en el visionado de una película cuyos mimbres recuerdan a nombres tan clásicos como El Sexto Sentido o La Noche de Halloween.

El director de It Follows, David Robert Michell, llega con su segundo filme al estrellato del cine de género, a crear una obra inquietante cuyo guión contiene una mitología que alimenta a la película con gasolina de alto octanaje. Las preguntas sobre el origen de la maldición, su contagioso carácter venéreo o la identidad del asesino en cada escena -normalmente parece gente muerta- hacen volar nuestra imaginación muy alto, dejándonos la última palabra sobre el origen de una historia difícil que incluso podría tener algunas señas primigenias.

It Follows no decepcionó al público, y a pesar de la ausencia de este título en el Palmarés, posiblemente fue la mejor película que se proyectó.

El cortometraje que se proyectó antes de la película, The Fisherman, no sólo contaba con el aliciente de haber sido rodado en Tokio, era original y divertido, y hasta obtuvo una mención especial del jurado. Dejamos aquí el comentario sobre este corto para no destripar ninguna sorpresa a los posibles aficionados que se acerquen a The Fisherman.

HEADLESS

En la anterior edición del Festival Nocturna pudimos echar un vistazo a Found, una película dirigida por Scott Schrimer que usaba en su guión, como personaje centrífugo a la trama, a un asesino conocido como Headless. La película homónima de Arthur Cullipher retoma ese personaje y nos cuenta el origen de su trauma y correrías. Headless cuenta con un motivante psicológico muy importante en la historia -ese niño con careta que es el alter ego del asesino-, una violencia y brutalidad sin parangón ejercida mayormente hacia mujeres, y una textura de celuloide desgastado que ayuda a no tomarse la película demasiado en serio, afortunadamente.

La cantidad de gore y la violencia sexual de Headless no es apta para cualquier estómago y tiene la cualidad de ser redundante y excesiva a cada momento, pero el gran valor de esta película es el de ofrecernos un espectáculo gore sin complejos, un festín para los amantes de aquellas sobradas que pupularon alegremente en nuestras pantallas en los años 70 y 80. Esta película, que se potencia por un extraordinario trabajo de maquillaje y el uso de ambientaciones decadentes y sucias, puede parecer a priori un ejercicio de crueldad bañada en hemoglobina; es cierto que se le puede conceder el beneficio de una intención y el de un resultado que navega a gusto en el exceso, es cuestión de gustos.

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Duración: 95 min. País: Estados Unidos. Director: Adrián García Bogliano. Guión: Eric Stolze. Música: Wojciech Golczewski. Fotografía: Ernesto Herrera. Reparto: Ethan Embry, Tina Louise, Erin Cummings, Tom Noonan, Lance Guest, Al Sapienza, Nick Damici, Karen Lynn Gorney, Larry Fessenden, Rutanya Alda, Caitlin O’Heaney, Laurent Rejto, Karron Graves, Charles Techman, Pun Bandhu, Kareem Savinon, Haythem Noor, Bernardo Cubria, Raina, Carlos Lopez.

Poco vista lamentablemente, en nuestro país, Late Phases (2014) ha sido la primera incursión del argentino Adrián García Bogliano en la industria norteamericana. Éste realizador, prolífico en el género donde los haya, se ha rodeado de un equipo de notable profesionalidad y tirón comercial para llevar a cabo una historia de licantropía en la que disecciona algunos de los continuos de la sociedad norteamericana. Protagonizada por Nick Damici –aquel duro cazador de vampiros de Stake Land (2010)– como un invidente veterano de Vietnam que se traslada a una zona residencial de un tranquilo pueblo, Late Phases se desenvuelve como un producto modesto y artesanal pero al que no hay que restarle por ello ápices de espectacularidad y buenos momentos de horror.

Viendo Late Phases nos viene a la cabeza aquella comunidad licántropa de Aullidos (Joe Dante, 1981), si bien aquí en apariencia, la comunidad licántropa no es tal, sino un contexto de puritanismo y tensa calma presidido por la figura de un predicador encarnado por el también ya clásico actor del género Tom Noonan -La Casa del Diablo, 2008 o Robocop 2 (1990)-. El ambiente cordial de la urbanización donde el invidente Ambrose va a vivir sus últimos días en soledad, abandonado por sus hijos, es el territorio de caza de una bestia licántropa que turbará de forma sangrienta la placentera vida de sus sexagenarios habitantes. El horror aparece en el primer tercio de la película para situarnos en las coordenadas fantásticas en las que discurrirá el resto de la cinta, haciendo uso de los tópicos licántropos como la luna llena, las balas de plata o la transmisión de la maldición a los supervivientes de los ataques. Ambrose plantará cara a la bestia en su last stand, abandonado por su familia y asesinado su único amigo, el perro guía Shadow.

Pero aún más notable es el parecido de Late Phases con la novela de Stephen King, Miedo Azul (1985), adaptada con poca fortuna por el televisivo Daniel Attias. En el libro de Stephen King un niño paralítico se enfrenta a un vecino licántropo que estaba sembrando la muerte y el caos en su pequeña población. Trocando a aquel joven tullido por nuestro veterano de Vietnam ciego y manteniendo los escenarios cotidianos del Medio Oeste norteamericano a los que nos tiene acostumbrados Stephen King, Late Phases podría considerarse un remake inconfeso de Miedo Azul, aunque los resultados, sin ceñirse a la letra de la novela, son infinitamente mejores.

Dentro de lo modesto del presupuesto que maneja la película –está producida por la Dark Sky Films, que no se caracteriza por fabricar productos precisamente caros- Adrián García Bogliano defiende su obra a capa y espada, dotándola de una profundidad muy ausente en las sanguinolentas producciones actuales de serie B. Si podemos destacar la interpretación severa y épica de Nick Damici, la fotografía crepuscular de Ernesto Herrera y de la música fantastique del polaco Wojciech Golczewski, también se han mencionar aparte los efectos de maquillaje –creados por el estudio de Robert Kurtzman-, modestos pero adecuados, que dotan a los licántropos de rasgos combinados de brutalidad y humanidad. Quizás la transformación del licántropo no sea de lo más efectiva pero dentro del contexto de producción del filme sí funciona, aunque está claro que vistas ya metamorfosis tan notables como Hombre Lobo Americano en Londres (1981, John Landis) o En Compañía de Lobos (1984, Neil Jordan), la propuesta de Late Phases se nos antoje bastante naïf.

El veterano Ambrose espera un mes después del primer ataque de la bestia licántropa a que ésta aparezca, y mientras tanto va preparando trampas y cartuchos de plata para combatirla. Las escenas de acción tienen una notable planificación espacial, y aunque a veces podamos acusar a estas piezas de perezosas también se ha de valorar la circunstancia de que Nick Damici está interpretando a una persona ciega, extremo que ralentiza la resolución de las escenas más dinámicas, acostumbrados como estamos a momentos de destacada brutalidad en cualquier monster movie actual. Aún con cierta desesperación en algunos momentos por la lentitud con la que los personajes toman sus decisiones, como la huida del padre Roger, la película no da tregua al tedio y adquiere un ritmo constante lleno de sorpresas, alternando el tono entre comedia negra y slasher bestial.

Tras la interesante aunque algo escasa Ahí va el Diablo (2013), Adrián García Bogliano ya figura en la lista de directores de cine fantástico resueltos a dar el relevo generacional a los veteranos artesanos de los años 80 aún en activo. A pesar de su juventud ya atesora un buen puñado de títulos en su haber, una colaboración en el film colectivo ABCs of Death (2012) y Late Phases, la primera producción con capital norteamericano. El futuro parece ser prometedor para Adrián García Bogliano, y Late Phases demuestra la madurez de su talento. Bien por haber realizado una película tan honesta y efectiva, peor porque en este país y en el resto de Europa es prácticamente desconocida, quien quiera adquirir una copia de momento tendrá que comprar una copia norteamericana en blu ray, es lo que hay.

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Ridley Scott, el replicante incansable

La percepción del tiempo cinematográfico, al igual que el tiempo político o económico, es una sensación que no rige de la misma manera que el transcurso de una vida común. Los movimientos culturales, contestatarios o estéticos marcan el ritmo de las creaciones cinematográficas. En este contexto, los cineastas suelen estar adscritos a las marcas generacionales donde desarrollan el grueso de su obra, o al menos al momento en el que realizan sus mejores trabajos. Pocos realizadores sobreviven a esta circunstancia, lastrados por cierta desmotivación en el momento de adaptarse a las nuevas exigencias de los estudios o los cambios tecnológicos. Suele ser cada década cuando se produce esa ruptura entre lo nuevo y lo antiguo, y quizás, en lo que a la historia del cine moderno atañe, la ruptura traumática entre la forma de hacer cine entre los 70 y 80 fue la más visceral de todas. Directores que habían desarrollado una excelente carrera en los años 60 y 70 se ven de repente desmarcados de las modas imperantes en el época de la laca y los pantalones paqueteros. No sucedió lo mismo con un puñado de cineastas entre los que podemos citar a William Friedkin, Steven Spielberg o Ridley Scott. Éste último, británico de nacionalidad, comienza su carrera como realizador cinematográfico a finales de los años 70 ofreciendo un cine que poco tenía que ver con esa corriente contestataria de la contracultura que tenía sus días contados.

En el espacio nadie escucha tus gritos, que lo sepas

Ridley Scott (South Shields, 1937), estrena su primera película en 1977, Los Duelistas (The Duellists), basada en la novela corta de Joseph Conrad. En Los Duelistas, Scott ya marca las líneas definitorias y claves de su experiencia cinematográfica: una cuidada fotografía, ambientes húmedos y brumosos y un montaje dinámico pero de tendencia clasicista que rompería de manera drástica en Black Hawk Derribado (Black Hawk Down). Siendo una película pequeña pero con grandes aspiraciones, Los Duelistas sitúa a Scott en los primeros puestos de salida de esa generación de realizadores que tuvieron que elegir entre el “adaptarse o morir”. Su  respuesta fue más que contundente cuando entrega a los estudios 20th Century Fox el primer montaje de Alien, el octavo pasajero (Alien), clásico entre clásicos que cruza diversos géneros -horror, space opera y thriller- para crear una cinta atmosférica y claustrofóbica a la vez, una mitología que daría lugar a sendas secuelas y que fue imitada hasta la saciedad por el exploit italiano de la época. Alien convierte al divertido y didáctico viaje espacial en una pesadilla de aislamiento plagada de monstruos xenomorfos, una cinta inolvidable por la que realmente no ha pasado el tiempo. Ese factor de intemporalidad es el que precisamente define como más precisión el cine de Ridley Scott; es su forma de rodar, su cuidada estética lumínica y fotográfica y su detallista puesta en escena lo que hace posible que el visionado de Alien, casi  cuarenta años después, siga siendo una experiencia tan brutal como imprescindible para el aficionado al cine fantástico y al espectador en general.

Like tears in the rain

Tres años le tomó a Ridley Scott entregar un nuevo trabajo, una cinta de cine negro ambientada en un futuro distópico y casi apocalíptico, Blade Runner. Protagonizada por Harrison Ford en el papel del exterminador de humanoides “replicantes”, Deckard, la película es siniestra y poética, anticipadora en lo tecnológico y sucia en lo visual, luminosa en su fondo pero oscura en su alma; en definitiva una de las obras imprescindibles del cine del siglo XX.  Con elementos de su guión imitados también hasta la extenuación, Blade Runner, al contrario que Alien, hasta el momento no ha tenido producción que haya logrado realizar un exploit canónico; su originalidad y poética puesta en escena es tal que su visionado es único e intemporal.

De acuerdo, escucha: no nos dejemos agarrar (Geena Davis en Thelma y Louise)

A pesar de los excelentes resultados de Blade Runner, Ridley Scott realizaría hasta dos montajes diferentes de la cinta hasta conseguir el resultado que él buscaba originalmente. Fueron las presiones del estudio lo que hicieron que Blade Runner tuviera un final feliz, o que Deckard estuviera acompañando su relato con una voz en off. La industria cinematográfica de los años 80 estaba cambiando hacia un cine de consumo y entretenimiento que no existía en los 70. Los siguientes trabajos de Scott se enmarcan de lleno en esa dinámica de argumentos facilones y resultados previsibles que marcaron la mayoría de las grandes producciones de la época: el fiasco del cuento de hadas que fue Legend, la vacuidad de La Sombra del Testigo (Someone to watch over me) o Black Rain, esa oda a mayor gloria de Michael Douglas que disfrutaba de un más que interesante punto de partida, suponen el segmento menos atractivo de su carrera cinematográfica. Tendríamos que esperar a que llegaran vientos de cambio para que Ridley Scott, abandonado por la crítica a su suerte -Black Rain fue un éxito de taquilla pero no de crítica-, se reconciliara con su espíritu de cineasta con Thelma y Louise, una cinta pequeña pero con una potente historia de superación y amistad, una película que se desmarca de los tabúes impuestos por el machismo del momento. La interpretación de Susan Sarandon y las ascendentes estrellas Brad Pitt y Geena Davis terminan de completar un plantel al que Scott rodearía de una atmósfera luminosa y  deliciosamente crepuscular.

Scott de nuevo en el ojo del huracán, en el centro de las miradas, a empujones y con paso firme pasa a competir en las carteleras con nombres hasta el momento desconocidos: Michael Bay, Stephen Hopkins y una nueva caterva de directores que ofrecen un cine nuevo, más estilizado, pirotécnico y…digital. Uno de los mayores escollos que tuvieron muchos técnicos veteranos fue la adaptación a los estándares de una industria que comenzaba a apostar por el uso de los efectos digitales para la recreación de escenografía y abaratamiento de los costes. El realizador británico no tuvo ningún problema cuando rueda Gladiator, cinta comercial pero también épica, poética y bella, con un guión plagado de frases y diálogos inolvidables. Gladiator también supone el encuentro con uno de sus actores fetiches, Russel Crowe, con el que más tarde rodaría Un Buen Año (A Good Year), American Gangster, Red de Mentiras (Body of Lies) y una pomposa adaptación de Robin Hood.

Esquivando balas cámara al hombro

Ridley Scott no se dejó agarrar, como dice el personaje de Geena Davis en Thelma y Louise, y se dedicó a una producción de filmes tan continuada como febril. Según manifestó en una entrevista concedida mientras rodaba la impresionante e influente Black Hawk Derribado, el realizador británico confesaba no haber dirigido las suficientes películas para llenar su larga carrera y prometía dedicarse sin descanso a la producción y realización de nuevos trabajos. Navegando entre una multitud de aventuras genéricas: horror con Hannibal, aventuras medievales con El Reino de los Cielos (Kingdom of Heaven), o comedias como Los Impostores (Matchstick Men), la citada Black Hawk Derribado se alza como el mejor título rodado hasta Prometheus, la resurrección del universo Alien. Black Hawk Derribado es una película con un ritmo frenético, intenso y desesperado; su estilo visual que marcado un antes y un después en el género bélico, derivado a un estilo casi documental de cámara en mano con una intensidad nunca antes vista en la pantalla.

Retorno al planeta de los Protoaliens

Prometheus parece ser otro punto de inflexión en la carrera de Ridley Scott, al que pareció no afectarle en lo laboral la muerte de su hermano y socio en Free Scott Productions, Tony Scott, también realizador de cine. Prometheus intenta dar un giro de tuerca al universo Alien pero prescindiendo, en un principio, de la presencia del monstruo xenomorfo. El guión de esta cinta no la convierte precisamente en esa pléyade de virtudes que Scott necesitaba para asegurar el mantenimiento de la franquicia Alien, pero quizás sea una de las mejores aproximaciones de los últimos veinte años a la space opera. Si las lacras que casi arrastran a Prometheus a la papelera se solucionan en su secuela, podemos esperar una obra superlativa y uno de los broches de oro que van a jalonar la larga carrera de Ridley Scott.

El cineasta británico cumple en 2015 la edad de 78 años. Su genio y su inspiración siguen intactos, también conserva un espíritu de superación pocas veces visto en un cineasta. No sólo es un artista prolífico, también sabe adaptarse a las tecnologías e inquietudes de la época y  mostrarse cercano al público más joven. Comenta en una entrevista promocional de su nuevo filme, Exodus, que es su genética, heredada de su madre, le mantiene en plena forma. Si dicha afirmación es cierta esperemos que Scott llegue a la secuela de Prometheus con su creatividad y sus ganas de trabajar intactas y nos ofrezca ese título contundente y brutal que llevamos esperando desde el rescate de los cincuenta marines en Black Hawk Derribado.

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Sitges 2015 abraza el fantástico emergente en todo el planeta y abre las puertas a los realizadores consagrados

El Festival reunirá al Schwarzenegger más atípico y al último Takashi Miike con los pequeños zombies de Elijah Wood en ‘Cooties’ y la brillante ‘Victoria’

La programación Festival de Sitges 2015 reflejará el amplio universo del fantástico con una que recogerá la heterogeneidad actual del cine de género: un mosaico que va de los films de autor a los más comerciales. Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya dedicará una atención especial a la nueva oleada de género que se ha creado en Japón, al fenómeno de la nueva serie B norteamericana, con clara tendencia a la autoría, o al emergente fantástico iberoamericano, con la segunda edición del foco Blood Window, organizado en coordinación con el sello creado por el mercado audiovisual Ventana Sur de Buenos Aires. Sitges 2015 llega después de que cerca de cuarenta films de la última edición se hayan estrenado en salas.

La 48ª edición del Festival, que se celebrará del 9 al 18 de octubre, ofrecerá grandes títulos esperados por el público, como la oscura y melancólica Maggie, de Henry Hobson, protagonizada por un inusual Arnold Schwarzenegger en medio de una apocalipsis zombie nada adrenalítica; The Gift, de Joel Edgerton, la nueva apuesta de la Blumhouse, nueva factoría del terror en Hollywood creada por Jason Blum, productor de las sagas Insidious o The Purge; la impactante Victoria, de Sebastian Schipper, la sensación de la Berlinale, que está marcando el año cinematográfico y que fue rodada en un único plano secuencia de 140 minutos con la catalana Laia Costa; o Life, de Anton Corbijn, con Robert Pattinson, una película que deconstruye la leyenda de James Dean.

En su vertiente más gamberra y noctámbula, Sitges también exhibirá films como Cooties, otra epopeya de zombies con Elijah Wood como protagonista, enfrentado a todo un colegio de niños zombies; Deathgasm, de Jason Lei Howden, delirio gore a ritmo de magia negra y death metal, o Contracted: Phase II, la secuela de Contracted, que triunfó entre el público de madrugada en Sitges 2013.

Títulos mediáticos, grandes autores y nuevas promesas

La apuesta dual de Sitges permitirá exhibir el trabajo de grandes realizadores ya consagrados –e incluso con historial dentro del certamen– y las propuestas nuevas de jóvenes autores que son objetivo estratégico de Festival y que han dado frutos sensacionales en los últimos años, tanto a nivel nacional como internacional. Así, vuelve a Sitges el cine del director belga Jaco Van Dormael, que triunfó en 2010 con Mr. Nobody y que ahora presentará en la Sección Oficial a Competición Le tout noveau testament, la película más comentada de la Quincena de Realizadores de Cannes, donde el actor Benoit Poelvoorde interpreta al mismo Dios, un padre de familia odiado por los suyos.

Los grandes nombres se concentrarán en la cada vez más consolidada sección Noves Visions, con Last Days in the Desert, de Rodrigo García, crónica de las tentaciones de Jesús (Ewan McGregor) en el desierto; Strangerland, de Kim Farrant, drama de tonos fantásticos al estilo del cine australiano de los 70, protagonizado por Nicole Kidman; Partisan, de Ariel Kleiman, una distopía de contornos apocalípticos con un gran Vincent Cassel, o una de las triunfadoras de Sundance, Slow West, de John McLean, un western surrealista y fantasmagórico interpretado por Michael Fassbender. En Noves Visions también se presentarán títulos más experimentales como el mockumentary The Visit, de Michael Madsen; H. , de Rania Attieh y Daniel García, una obra poética y visualmente impactante de ciencia ficción que triunfó a Sundance y Berlín. También estarán la radical producción coreana Coin Locker Girl, de Jun-hee Hano; el regreso de clásicos del cine de autor más arriesgado como Michael Almereyda y su peculiar Experimenter, protagonizado por Winona Ryder, o Mitchell Lichtenstein, con su cuento sobrenatural Angelica, otro ejemplo de cine fantástico con broche femenino del director de Teeth.

Sitges apostará por nuevos autores que pisan fuerte en el fantástico contemporáneo como Jon Watts y su Cop Car, un cuento de estilo americana comparable a clásicos como La noche del cazador o Sangre fácil. Watts, después de su éxito en Sundance, ya ha sido fichado por Marvel para ser el encargado de reflotar la saga Spider-Man. Otro fenómeno de culto instantáneo del 2015 es, sin duda, Turbo Kid, dirigida a seis manos por François Simard, Anouk Whissell y Yoann-Karl Whissell, que une en clave de nostalgia ochentera los universos de Mad Max y The Goonies. Y atención a Ludo, una producción india de horror dirigida por Q & Nikon, que es una de las revelaciones del año, a medio camino entre el más puro Lucio Fulci y el más personal Rob Zombie. También habrá lugar para los remakes, en este caso del mítico film de Mario Bava Rabid Dogs, ahora de la mano de Eric Hannezo, o de la polémica Martyrs, dirigida por los hermanos Goetz y producida por Peter Safran y Jason Blum.

La sección dedicada a las series, Serial Sitges, patrocinada por Fnac, incluirá el estreno del primer capítulo de la segunda temporada de Les Revenants, serie francesa creada por Fabrice Gobert, un drama coral de atmósfera opresiva y belleza innegable que explora el concepto de la resurrección. Les revenants se basa en un film francés homónimo, dirigido por Robin Campillo y presentado en Sitges 2004, y fue la inspiración para la serie norteamericana Resurrection.

Japón, protagonista

Sitges siempre ha sido fiel a la cosecha asiática del año y en 2015 se confirma el auge del cine japonés. Nombres ya consagrados desde hace décadas demostrarán su buena forma, como Takashi Miike con su excelente Yakuza Apocalypse: The Great War of the Underworld, una de las sensaciones de Cannes, donde el genial realizador (Gran Premio Honorífico de Sitges 2013) retoma sus orígenes y crea un brillante delirio a base de yakuza, vampiros y fin del mundo. La apocalipsis versión manga es el gran protagonista de Ataque a los Titanes y Ataque a los Titanes 2, el fin del mundo, adaptación cinematográfica del éxito editorial de Hajime Isayama que se disfrutará en dos partes. Además, la sección Anima’t también presentará un redux para cine del e xitoso anime basado en el mismo manga.

La animación estará muy presente en Sitges 2015. En este sentido, destaca la presencia en Sección Oficial Fantàstic de Miss Hokusai, de Keichi Hara, autor que deslumbró con Colorful y que con esta brillante película de Production I.G. ha triunfado en el reciente Festival Internacional de Animación de Annecy. De Japón también vendrán los ya clásicos Shinya Tsukamoto con su aterrador drama bélico Fires on the Plain o Sion Sono con la divertidísima Love & Peace, dos formas radicalmente opuestas de entender el cine japonés de hoy.

Talento catalán

Como también es habitual, el cine catalán tendrá una presencia importante en Sitges. Sumándose a los títulos ya anunciados, como Segon origen, de Carles Porta, y El cadáver de Anna Fritz, de Hèctor Hernández Vicens, ofrecerá las premières de Vulcania, opera prima de José Skaf, una distopía de cariz social producida por Zentropa BCN y protagonizada por Miquel Fernández y Aura Garrido, y el último film de la factoría Filmax, Summer Camp, debut en la dirección del guionista y escritor Alberto Marini, apadrinado por Jaume Balagueró. Por su parte, la sección Noves Visions tendrá el estreno de Sacramento, la primera obra de ficción de Carlos Cañeque, un a irreverente historia de locura que cierra su trilogía de placer y dolor que completan sus anteriores trabajos Queridísimos intelectuales y La cámara lúcida.

Una vez más, dentro de la sección Noves Visions, el apartado SGAE Nova Autoria recogerá los cortometrajes de alumnos de escuelas de cine catalanas. Los cortos de ficción, animación y documentales seleccionados competirán por los Premios SGAE Nova Autoria al mejor guion, mejor dirección y mejor música original.

Sitges 2015 también contará con una exposición sobre el artista Vicente B. Ballestar (Barcelona, 1929-2014), referente de la época dorada del pulp, el cómic y la novela de ambientación fantástica.

Brigadoon y Sitges Zombie Walk 2015

La sección más alternativa del Festival propone este año una selección de largometrajes entre los cuales destacan Villa Nabila, de Syafiq Yusof, que recoge los hechos reales sobre unos apartamentos encantados en Malasia; The Entity, un cruce entre Paranormal Activity y The Ring dirigido por Eduardo Schuldt; el film brasileño basado en terroríficas leyendas urbanas O diablo mora aquí, de Rodrigo Gasparini y Dante Vescio, y Me and my Mates vs. the Zombies Apocalypse, una comedia australiana dirigida por Declan Shrubb.

En cuanto a los documentales, Brigadoon proyectará Jirón, centrado en el realizador mexicano Carlos Enrique Taboada, opera prima de Christian Cueva. El documental irá acompañado de una retrospectiva a Taboada con los films Veneno para las hadas (1984) y Más negro que la noche (1975), entre otras. La mítica actriz Me Me Lai, protagonista de varios títulos de la corriente de films italianos sobre caníbales -como El país del sexo salvaje (Umberto Lenzi, 1972), Mundo caníbal, mundo salvaje / Ultimo mondo cannibale (Ruggero Deodato, 1977)- presentará Eaten Alive! The Rise and Fall of the Italian Cannibal Film, dirigido por Calum Waddell.

La tradicional Sitges Zombie Walk, el desfile de muertos vivientes que año tras año recorre las calles de Sitges, tendrá lugar el sábado, 10 de octubre.

Apoyo a la 48ª edición

El Festival agradece el compromiso de las entidades y empresas que ya han confirmado su colaboración: Gas Natural Fenosa (patrocinador principal), Moritz y Torres (patrocinadores), Meliá Sitges (patrocinador y sede oficial), Movistar TV (socio multimedia), Deluxe (colaborador), La Vanguardia (diario oficial), TV3 (televisión oficial), Autolica – Mercedes Benz (vehículo oficial), Bacardí (cóctel oficial) y Montibello (peluquería y cosmética oficial).

Sitges 2015 se organiza gracias a la implicación del Ayuntamiento de Sitges y del Institut Català de les Empreses Culturals del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, y cuenta con el apoyo del Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, de la Diputació de Barcelona y del Carnet Jove – Departament de Benestar i Família.

Abonos y acreditaciones

La venta de abonos para Sitges 2015 se iniciará el próximo viernes, 17 de julio. El periodo para solicitar acreditaciones de prensa se abrirá lunes, 20 de julio.

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Año: 1974. Duración: 90 min. País: Australia. Director: Peter Weir. Guión: Peter Weir, Keith Gow, Piers Davies. Música: Bruce Smeaton.  Fotografía: John R.McLean. Reparto: John Meillon, Terry Camilleri, Kevin Miles, Rick Scully, Max Gillies, Danny Adcock, Bruce Spence, Kevin Golsby, Chris Haywood, Peter Armstrong.

No es casualidad que el título de la primera película del australiano Peter Weir, Los Coches que Devoraron París (1974), usara el nombre de la capital francesa como topónimo para la pequeña población donde se desarrolla una historia que mezcla el surrealismo con la sátira social, el western y el retrato anticipatorio de un género que estaba por venir, el del apocalípsis postindustrial. París es una pequeña población australiana donde los vecinos viven anclados en una era pretérita, con ribetes a esa época victoriana en la que se fundaron y consolidaron las colonias del Reino Unido, entre ellas Australia y las islas oceánicas. Instalados en medio de una crisis económica que ya se hace patente desde los títulos de crédito -esos titulares de periódicos hablando de inestabilidad financiera y caos político-, los habitantes de París viven de la rapiña de los coches accidentados en sus alrededores, acaso provocando ellos mismos los accidentes. El frágil ecosistema de la comunidad se pondrá en peligro cuando los más jóvenes del lugar abandonen los valores tradicionales de aquel victorianismo residual y se dediquen a divertirse estrellando sus coches “tuneados”, dejando atrás el orden tradicional y degenerado del que se vanaglorian sus padres.

Vista la película como una revisión cinematográfica “a la australiana” de aquella revolución, la del 68, que lanzó a la calle a miles de jóvenes parisinos a reclamar una renovación y apertura de las enquilosadas estructuras sociopolíticas heredadas de la 2ª Guerra Mundial, e igual que en el tumultuoso mayo francés, en Los Coches que Devoraron París, los jóvenes de la ficticia población australiana, aún inconscientemente, buscan la ruptura con la vetusta forma de vida de sus progenitores. Para desgracia de ellos, en lugar de pugnar por una pacífica renovación social, los jóvenes de París (Australia) se dedican a tomar las calles con sus coches y a atemorizar a todo el vecino que no esté dispuesto a dejarles divertirse a gusto. Las amenazas y coacciones se sustantivan con la irrupción de nuevos modelos de coches con aspecto trágicamente amenazador. En la imprescindible novela Crash, J. G. Ballard conceptualizaba al automóvil y al acto de conducir como una experiencia sexual, convirtiendo a la máquina en un fetiche, una extensión de la sexualidad del conductor, una parte más del cuerpo del ser humano, con contenido orgánico; ese concepto queda lejos del tratamiento que hace Peter Weir, y aún más del exhibicionismo de la saga Mad Max -cuyos comienzos, incluso en términos distópicos están en Los Coches que Devoraron París-, sin embargo resulta cuando menos inquietante el papel que Weir otorga a los conductores de los coches, meros engranajes que sirven a un poder superior, el de la máquina, sugiriendo en algunas escenas la ausencia de conductores en los automóviles.

El diseño de varios automóviles, especialmente del “coche puercoespín” se han visto en algunos de los cuatro capítulos de la saga de George Miller, pero donde ha alcanzado más protagonismo ha sido en la última entrega, Mad Max: Furia en la Carretera (2015). La conexión de Los Coches que Devoraron París con la saga Mad Max es meridianamente clara; ya hemos citado los contornos distópicos en los que se mueve la película de Peter Weir, ese nuevo orden salido del caos aparece como única solución a la renovación de la vida cotidiana, aún suponiendo que dicha catarsis lo único que conlleva es el hundimiento hacia un caos más extremo. Tan paradójico es ese mensaje, esa respuesta al desastre, como el esquema argumental de cualquier película de Mad Max: en algún momento del s. XX se ha acabado la gasolina y los “guerreros de la carretera” saquean a cualquiera que les pueda proporcionar unos litros de combustible para seguir rodando y buscando más gasolina en una espiral sin solución de redención ni vuelta al imposible orden primigenio.

El contexto del cine fantástico australiano de la época, el desierto de las antípodas aparece sembrado de seres amorales y desprejuiciados, de un olvido a las raíces étnicas de los verdaderos dueños de esas tierras colonizadas. Así, la siguiente obra de Peter Weir, Picnic en Hanging Rock (1975) se convertiría en una oda a esa civilización desaparecida, la de los aborígenes, a las reminiscencias de un realismo mágico en las que también ahonda la telúrica Walkabout (1971), de Nicholas Roeg, y La Última Ola (1977), éste quizás el mejor filme de la etapa australiana de Peter Weir, y con el que concluiría el ciclo comenzado por Los Coches que Devoraron París sobre la visión fantástica de su continente -en La Última Ola nuevamente mezcla al anglosajón en los tejemanejes espirituales de una cultura a punto de desaparecer ante la presión del hombre blanco y el consumismo-. Más allá de eso, los protagonistas de Los Coches que Devoraron París o la saga Mad Max son unos macarras y asesinos -incluso los elegantes progenitores de París-, parecidos, aunque salvando las distancias, a los cazadores borrachos de Wake in Fright (1971), dentro del proceso de transformación del universo mágico australiano en una decadente sociedad industrial en la que el consumismo regurgita coches o cerveza. Otro de los títulos más importantes del fantástico australiano de la época, Largo Fin de Semana (Long Week End, 1978) preconiza la venganza de la naturaleza contra las agresiones del anglosajón en un tierra que no le pertenece, igual que hace Greg MacLean en la descontextuada El Territorio de la Bestia (Rogue, 2007) o Russel Mullcahy en la monster movie Razorback (1984).

En otro orden de cosas y apartándonos de los sugerentes subtextos que encontramos en la cinta, la estética de Los Coches que Devoraron París es excesiva y comprensible en cuanto a su costumbrismo -el director quiere dar una sensación de bipolaridad entre lo viejo y lo nuevo, representado por padres e hijos-, cuenta con una fotografía polvorienta y matizada con colores ocres en las escenas que protagonizan los conservadores habitantes de París, pero colorista en los momentos dedicados a sus díscolos retoños. Esta cinematografía queda muy en la línea de los títulos citados anteriormente para poner el foco en lo negro, lo cómico y lo cotidiano. La película también está repleta de sonoridades que ahondan en el retrato de la población de París como un lugar en ningún sitio, una población donde parece que el tiempo se ha parado y que incluso podríamos juzgar, pertenece a un mundo paralelo.

La carrera de Peter Weir no tardó en ser fagocitada por Hollywood. Tras la mencionada y poco comprendida La Última Ola y los éxitos comerciales de las superproducciones Gallipoli (1981) y El Año en que vivimos peligrosamente (1983), fue la mediocre y ochentera Único Testigo (1985) la que abrió fuego a una etapa norteamericana llena de altibajos en el que Weir se ha querido postular como director comercial de calidad, sin terminar de encontrar ese puñado de proyectos que le etiqueten con la ansiada vitola de autor art house, y es que en este sentido nos quedamos con su etapa australiana, más austera y retro pero más interesante desde el punto de vista artístico.

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