El mundo se va a freír espárragos. No me refiero al del celuloide solo (que va por buen camino para ello), si no que todo en general se acabara yendo por el alcantarillado deficiente que tenemos por nuestras ciudades. Tras tantas tonterías de corruptelas políticas, leyes estúpidas y demás degeneraciones, todo esto dejara de importar un bledo en el momento que putos robots a pilas creados por Skynet, extraterrestres violadores nazis montados en dinosaurios y zombis coreografiados como en Thriller de Michael Jackson, nos ataquen a la vez. Todo se convertirá en un lugar baldío post apocalíptico y no quedara nada de nuestra cultura. Seremos subyugados y nadie recordara aquella época tan gloriosa de cine de mierda que vivimos ahora. ¡Más no todo esta perdido! De las cenizas de nuestra civilización se alzara el héroe definitivo, no uno de esos héroes tipo las películas de los ochenta y noventa que suben de nivel de experiencia con metralletas y reventando a cualquier cosa que se mueva, sangre o chille, no, me refiero a un héroe inteligente, pálido de cibercafé como un fantasma y delgaducho, que llevara el arma definitiva y el destino de La Tierra sobre sus frágiles hombros. Tendrá en su propia saca una cantidad inconmensurable de DVDS de dudosa calidad y procedencia con la única película que se pudo salvar de esta hecatombe global: The Room. Esa película la conseguirá emitir de alguna manera rollo pirata por todo el planeta y nos salvará de esta degeneración. Los robots se romperán como si hubiesen sido hechos en China, los extraterrestres implosionarán dejando un curioso mosaico de tripas de dinosaurios y órganos extraños fluorescentes y los zombies simplemente se convertirán en un gigantesco ñordo que abonara por generaciones nuestros huertos. Ese anónimo héroe sera nuestro nuevo Jesucristo y Tommy Wiseau nuestro nuevo Dios. 

Pero como eso jamás va a suceder, The Room siempre sera un excremento que taladrara nuestros corazones y nuestras almas. 

Esta vez no voy a hablar de esas películas que tanto nos gustan por aquí con monstruos de goma de los de andar por casa, escenarios acartonados o efectos especiales de cuatro duros. Directamente os voy a hablar de una película mala por ser un despropósito pretencioso, con un guion apestoso hecho por un novato de 50 años y que tiene una increíble cantidad de “Missing scenes” desaparecidas del todo que no entiendes porque no las pusieron. ¡Eso si, de LAS APESTOSAS ESCENAS DE SEXO CON BALADAS DE COPYLEFT NO NOS SALVA NI DIOS!

Todo comienza con la historia de una ¿persona? Llamada Tommy Wiseau. Resulta que el bandarras de Tommy es muy reservado en cuanto a su vida privada de antes de penetrarnos con su película The Room por nuestras retinas, así que solo nos queda la palabra del otro tío que mas conoce a este hombre y al que iré poniendo en su sitio continuamente: Greg Sestero. Sestero dice que Tommy por lo visto nació en Nueva Orleans y vivió en Francia durante “mucho tiempo” bebiendo vinacho del malo mientras iba de pequeño gabacho Hitler bohemio. El supuesto actor Greg Sestero afirma en su libro The Disaster Artist (que pronto se convertirá en nuestra nueva Biblia o Coran) que Wiseau se trasladó a Estrasburgo cuando era un adolescente alocado y vivaracho, donde adoptó el nombre de Pierre y trabajó como lavaplatos en un restaurante de una punta de tenedor. Sestero afirma que un “joven” Wiseau fue injustamente detenido tras una redada de drogas en un albergue juvenil, y fue detenido y torturado por un período de tiempo indeterminado por la policía francesa, una experiencia traumática que le llevó a organizar un viaje de introspección personal a los Estados Unidos donde acabo viviendo con sus tíos en Chalmette, Lousiana. Después se mudo a San Francisco donde trabajó como estafador ambulante de juguetes que vendía a los turistas que paseaban por cerca del Muelle de los Pescadores (probablemente buscasen putas, pero acababan comprándole juguetes por su pinta de “Chulo Putas”. Hay que llevarse siempre bien con los proxenetas, ellos pueden ser tus mejores amigos). Sestero relata cómo los lugareños lo apodaban “El Hombre Pájaro” por sus juguetes de aves únicas que sólo triunfaban en Europa en aquel momento; este apodo le llevó a cambiar legalmente su nombre a Thomas Pierre Wiseau porque le dio la gana y punto. Un usuario en reddit sugirió abiertamente que la “W” puede estar relacionado con Wieczor, el apellido de una pareja en Louisiana que pueden ser los tíos de Wiseau, pero no he encontrado una clara confirmación al respecto. De acuerdo con Sestero, Wiseau ha trabajado en el área de San Francisco en una variedad de trabajos, incluyendo el de ayudante de camarero, prostituto (bueno eso no, pero como viste como uno de ellos puede ser factible) y celador en un hospital. También se creo en sus ratos libres una empresa llamada Calle Fashions EE.UU que vendía jeans para chicas jóvenes y chaquetas de cuero de contrabando coreanas a precios absurdos. Wiseau finalmente compró y alquiló grandes espacios comerciales en los alrededores de San Francisco y Los Angeles dándole finalmente la independencia económica que tanto anhelaba el muy bastardete. 

Greg Sestero relata con el corazón en la mano, que en algún momento a finales de su edad adulta (en el siglo XIX o por ahí), Wiseau estuvo involucrado en un accidente automovilístico casi fatal en California después de que otro conductor se pasase un semáforo en rojo y se estampase de morracos con el vehículo de Wiseau; como resultado final, Wiseau fue hospitalizado durante varias semanas. Sestero cree que este incidente fue el punto de inflexión (y de su más que aparente deformidad facial) en la vida de Wiseau que lo llevó a perseguir su absurda fantasía de convertirse en actor y director de cine, ambiciones que había olvidado durante mucho tiempo mientras seguía con su búsqueda personal de la seguridad financiera.

Pero el Final Strike estaba por llegar. En en el 2013 en su autobiografía Disaster Artist, Greg Sestero relató que Wiseau le ofreció una serie de alocadas historias sobre su pasado en el transcurso de su más que extraña amistad de 15 años. Sestero afirma haber obtenido copias de los documentos de inmigración de Wiseau mediante la novia de su hermano, que revela que Wiseau era “MUCHO MAYOR” que él (Joder que lince de tío. ¿No le veía el corral de patas de gallo “to feas y na sexys” que tiene por la cara?) y que él nació en la década de 1950 en alguna parte del Bloque oriental de la Europa comunista. Algunos investigadores privados han planteado que Wiseau puede muy probablemente haber nacido en Polonia en base a los documentos encontrados en relación con la ascendencia de su familia. Eso explicaría porque habla tan de culo ingles.

Pero en realidad me importa un cojon de Autobot frenopático lo que afirmase Sestero en estado de embriaguez extrema, mientras alguien escribía su autobiografía en base a lo que el farfullaba. Tengo mi propia hipótesis sobre la vida de Tommy Wiseau y desde aquí digo que es la más acertada de todas (ya que como no se sabe nada realmente de él, me invento lo que me da la real gana). Si Tommy Wiseau cree que no es cierta, le emplazo en un cuadrilátero para hostiarle su artítrico culo de sexagenario en el lugar más cercano a mi casa.

AGARRAOS QUE VIENE CURVAS

Tommy Wiseau nació en el planeta Cuchaio 5, cerca de la estrella de Beetelgeuse. Este planeta frondoso como un bosque caducifolio (todos sabemos a qué me refiero) tiene como forma de vida dominante a las cucharas que tienen a su vez como patrón de la moneda en vez de al oro, a la boñiga. Entre sus exportaciones se encuentra la incultura y la creación de tostadoras para los seres humanos. No sé si por azar del destino o para hacer un estudio de mercado, decidieron crear al ser definitivo por antonomasia: Tommy Wiseau. Parece ser que eran unos imbéciles y lo crearon con tantas deformidades y arrugas ranuras como al monstruo de Frankenstein (Dicen que la arruga es bella. Ver a Tommy por la película desnudo hace que te des cuenta de que es un refrán poco acertado) y eso se debe a su poco conocimiento sobre la biología humana. La misión de este infecto ser, era infiltrarse en el planeta e informar sobre el tipo más adecuado de tostadora para el ciudadano medio del planeta. Pero a los muy descerebrados se les olvido darle nociones básicas del idioma más internacional del planeta Tierra: el inglés. Hizo lo que pudo mientras empezó a experimentar el amor, la decepción, el hambre y demás sentimientos con los que no había sido programado. Pero pronto nos demostraría que la ebriedad de poder a la que estaba sometido no era nada comparable a la degeneración que provocaría su gran película, convirtiéndole en un Rey Midas de una dimensión paralela, de esos que todo lo que tocan se convierte en una deyección del Increíble Hulk.

Pero en el transcurso de su vida una conjunción cósmica en Aldebarán, uniría a estos dos pedorros para no separarlos jamás. Todo comienza cuando Greg Sestero, un aspirante a actor de medio pelo, se encuentra por primera vez con Wiseau en una clase de interpretación hace un copón de años. Sestero al principio se siente desconcertado por la técnica de mierda que tiene Wiseau al actuar, su apariencia física inusual (una especie de remedo entre un anciano friki melenudo survivalist rollo Wolverine que ha aceptado la caída de todo el sistema capitalista y un tío mas feo que pedirle dinero a tu padre amenazándole con una escobilla del váter llena de materia fecal, para pagarte así unos cuantos sobres del Hearthstone), su acento inidentificable y su comportamiento excéntrico, que incluye una fascinación por todo lo Estadounidense, pedir un vaso de agua caliente al camarero de turno para acabar no bebiéndoselo (vamos que lo hace por joder) y la negativa a hablar sobre su pasado. Al mismo tiempo, Sestero admira el entusiasmo genuino de Wiseau tanto para la vida como para la actuación. Los dos acaban formando un vínculo extraño (puede que homosexual) pero cariñoso en el cual Sestero se convierte involuntariamente en el nexo de unión con la realidad de Tommy Wiseau (ademas de hacerle a menudo de traductor). Mientras afianzan su amistad, Sestero comienza a pisparse de las muchas contradicciones de la personalidad de Wiseau.

Como Sestero acumula lentamente más créditos actorales (Todos de mierda), Wiseau comienza a ponerse celoso y desea por encima de todo ganar reconocimiento similar al que Greg Sestero esta acaparando vilmente. Después de ver El Talento de Mr Ripley, por primera vez, Sestero empieza a darse cuenta de la similitud de Wiseau con el personaje principal. Cuando Wiseau mira la película, en lugar de reconocerse a sí mismo, se obsesiona con crear una película tan potente como un sueño húmedo y además con temas similares. El resultado es el guión de The Room, que incluye un personaje llamado Mark (Marcos si la ves con subtítulos de Yulifero), llamado así por el actor Matt Damon que protagoniza la película anteriormente mencionada, cuyo nombre Wiseau había oído mal porque es completamente imbécil y no entiende bien el yanky.

Respaldado por un aparentemente interminable suministro misterioso de dinero (según Wiseau ganado por vender cazadoras de cuero falsas coreanas a incautos, según los demás por la venta de drogas), Wiseau desarrolla, produce, dirige y protagoniza The Room, a pesar de no tener ningún conocimiento sobre la realización de películas. El muy lerder aun teniendo 6 millones de dólares quemándole la bragueta, dispuestos a ser dilapidados en su absurda fantasía, no consigue actores de renombre y tiene que conformarse con los incompetentes que consigue la, pero que muy poco fiable, encargada del casting (se cuenta por las esquinas de Internet que el papel de Lisa fue ofrecido a Kaley Cuoco, pero prefirió hacer Big Bang Theory, en vez de esta mierda pinchada en un palo. Muy bien, casi hundes tu carrera. Bala esquivada). Las relaciones en el set de rodaje fueron un puñetero desastre por lo visto: la configuración para las cámaras de Wiseau requería dos equipos completos para operar, los “actores” se llevaban como el puto culo dentro y fuera del estudio, los guiones se reescribían en medio de las escenas, el montaje se convirtió en misión imposible (Exijo una estatua tamaño colosal para el tío que perdió la cordura editando el film) y en el último momento posible, Wiseau logra convencer a Sestero para unirse al equipo como uno de los principales actores, a pesar de que casi todo estaba rodado. Al final del rodaje, el reparto y el equipo, plenamente convencidos de que la película nunca verá la luz del sol, pierden su entusiasmo, dando lugar a actuaciones mediocres y errores técnicos que no se corrigen en la post-producción.

Sestero y todo el mundo que tenía que ver con este despropósito, al ver la película en la cartelera casi se caen inconscientes y se replantean durante mucho tiempo si llevar burkas para que no les reconozcan por las calles. Al final todo queda claro clarinete cuando ocho meses después, las portadas de las plumas mas eruditas de las revistas del celuloide confirman lo que ellos pensaban: Es Basura, la vapulean y la acaban llamando el Ciudadano Kane de la Caspa (ademas Wiseau llega a decir que Ciudadano Kane fue una de sus inspiraciones en The Room. ¿En donde se nota eso a lo largo del metraje? Ni puñetera idea) destronando al mil veces maldito Uwe Boll en el proceso.

Vale, fue un fracaso total pero consiguió algo que muy pocos podemos decir: Dirigir su propia película como le salió de los cojones. Es cierto que lo que sale de sus cojones es desidia, poco conocimiento en la escritura de un guion y un desconocimiento total de las convenciones cinematográficas más básicas del mundo, pero fue un héroe y cumplió su sueño, aunque al final fuese más una Pesadilla en Elm Street.

La película es una oda a la degeneración más sublime, al machismo mas exacerbado posible y al desconocimiento real del género humano en conjunto. En esta película el bueno de Wiseau intenta apuñalar (metafóricamente hablando) a todas esas mujeres que le dijeron “contigo no bicho”, que le abandonaron, que le arrancaron el corazón como si fuese un burdo Fatality de Mortal Kombat o que le metieron una patada en los testículos. Todas ellas por lo visto eran unas zorras y tienen una representación física en la película: Lisa. Es un drama humano de esos que te da la risa floja, que te hace replantearte si estás viendo un tele-film de sobremesa de Antena 3o algo más sórdido, que te hace preguntarte continuamente si esto va en serio o no, y que lanza continuamente mensajes contradictorios (la mayoría a través de los caretos de Tommy Wiseau). Es tan malo como un dolor de muelas o un desgarro anal y llega un momento en que te preguntas cuando van a actuar los actores, pero no, no lo llegan a hacer. Aunque son un poco excusables los actores porque todos eran supuestos profesionales de medio pelo, quien no tiene excusa alguna es Tommy Wiseau, que ha pisado tres escuelas de diferente calidad y procedencia para convertirse en actor (Podría haber contratado aRutger Hauer para darle clases, que ese tío sí que sabe actuar, no como el anciano melenudo hippie este), todo esto se debe a que no entiende ni pronuncia bien el yanky, a que no tiene ni puta idea de actuar ni de interpretar escenas ni diálogos que el mismo ha escrito de su puño y garra engarfiada, a la mas que censurable manera de rellenar constantemente los diálogos con su risita falsa de los cojones, a que no tiene ni puñetera idea de que un chocho no está precisamente a la altura del ombligo y multitud de degeneraciones mas. Resulta que como la cosa iba mal cuando este individuo estrenó la cinta y al ver que la gente se deshuevava de la risa ¡Decidió venderla como una “Comedia de humor negro”! ¡Y con Moraleja Final!

¿Pero cómo se llego a hacer famoso este pedazo de “Moncayito”? La cosa fue así: Edgar Wright (Bienvenidos al Fin del Mundo, Zombies Party, Arma Fatal, etc) junto a David Cross (Tobias Fünke de Arrested Development) se encontraron por lo visto este trozo de mierda buceando entre la caspa de alguna tienda de subcultura y vicio que pululan tanto por los USA. Cuando la vieron se quedaron flipando y decidieron ofrecérsela al mundo entero. Así pues, el último viernes de cada mes se hacen una sesión con los colegas de The Room (Tengo la duda si después de verla siguen siendo amigos suyos). Están tan obsesionados con el film que se montan un pequeño Show cuando se reúnen y han hecho una serie de reglas con las cuales ver la película de manera mas divertida que os recojo a continuación, y que he conseguido gracias a Viruete:

–                    SALUDAR SIEMPRE A LA GENTE que entra y sale de la habitación. Es el Leit Motive de la película y debemos imitarlo. No se os olvide que siempre con el “Oh Hi (nombre de persona, cosa y demás)” por delante. Es básicamente lo que sucede en la película, gente entrando y saliendo y diciendo la primera chorrada que se le viene a la cabeza a Tommy Wiseau.

–                    Abuchear a LA ZORRA DE LISA cada vez que abra su sucia bocaza.

–                    Gritar “CUCHARA” y lanzar una cucharilla de plástico cada vez que aparece un cuadro o una foto con una cuchara. La casa está llena de homenajes a sus amos de Cuchaio 5.

–                    DAR PALMAS siguiendo el ritmo de las horrorosas baladas que suenan en las escenas de sexo. Tened cuidado porque de dar tantas palmas (porque hay muchas escenas de sexo y son largas como un día sin pan) al final os hará daño en las manos y todo (True Story).

–                    Cuando los personajes se pongan a jugar con una pelota de fútbol americano (Como solo los machos pueden hacer), los asistentes se ponen a LANZAR GLOBOS a la gente que tenga a su alrededor.

–                    MACHISMO – Gritar “por puta” o “por guarra” o “mujer tenías que ser” cuando escuchamos alguna frase machista o comportamiento misógino. Esto es constante durante toda la película y hasta en las propias mujeres. Es deshuevante.

–                    CRONOMETRAR: Contar los segundos que se pasan mostrando las calles de San Francisco en insufribles escenas de transición y tararear la música de la intro de Padres Forzosos.

Parece ser que estas reuniones son un éxito, llegando a salir los invitados gritando frases memorables de Juanito como “YOU’RE TEARING ME APART LISA”, traducido algo así por Yulifero como “ME HACES FOSFATINA”, porque por lo visto la expresión que se usa en yanky, suena igual de mierder.

La historia empieza con Johnny (Juanito para que nos entendamos) un tío “Putamadre” que todo el mundo querríamos tener como amigo. En la dimensión paralela en la que vive, es un banquero a pesar de tener la melena del Rey León despeinado y tener un traje todo guarro, lleno de arrugacas (ya de paso podría plancharse el cuerpo ya que las escenas de Wiseau desnudo son de traca), tres tallas más grande que él y robado del ataúd de su abuelo (si veo un banquero así atendiéndome, me largo). Para demostrar su estatus en la sociedad, se casca frases como : “Hoy ha ido bien cariño. Tenemos un nuevo cliente… (pausa para intentar recordar el guión) en el banco. Ganamos mucha pasta gansa.”, o algo así, pero vamos, ya veis por dónde van los tiros. Juanito vive con su novia, una zorra implacable más caliente que los empastes de un Dragón Rojo, que solo le aguanta porque le da un tren de vida a todo trapo en un escenario pintado de rojo puticlub, relleno de atrezzo de vertedero, y con un juego de iluminación digno de una producción porno sórdida de los setenta. Ella considera que eso es living la vida loca. Pero la zorra de Lisa tiene otras aficiones aparte de hacerle creer que le quiere y gastarse todo el dinero que gana el bueno de Juanito en lo que le sale realmente de la entrepierna, como puede ser el follarse sin ningún sentimiento de culpa de por medio al BFF (Best Friend Forever) de Juanito: Marcos, ponerle verde delante de cuantas personas hablen con ella y solo para acabar de dejarte claro que efectivamente todos creen que es un tío “Putamadre” menos ella, que es una perra impávida. También anda entrando y saliendo de escena constantemente (siempre con la frase de Tommy Wiseau épica “Oh Hi Denny!” A todo el mundo le dice “Oh hi!”) un supuesto chaval de 18 años al que tiene medio adoptado y que le paga todos los gastos de su vida (el piso, la comida, ocio y demás), que como no es tan buen actor quiero pensar que trata de interpretar a un chaval de 13 años que no se pispa de nada en la vida, ya que si a cualquier persona le dices “Vamos a echarnos una siestaca “guiño” “guiño”, y tres son multitud “guiño” “guiño“, a nadie se le pasa por la cabeza entrar durante los preliminares en plan pelea de almohadas de gatitas solo por joder la marrana. Esto es comparable a la mala hostia que se te queda cuando te cortan la meada, así que o es un criajo o es un voyeur, en ningún caso me queda nada claro. Pero da igual, aunque este actor durante la película se muestre continuamente con un exceso de rollo pueril, tiene tramas de “mayores” como son sus problemas con los pagos de las drogas que se mete entre pecho y espalda y tal. Vamos que tonto tonto, mierda mierda y aquí el creador nos deja otro mensaje contradictorio ¿Es un puto crío o solo se hace pasar por un crío para gorronear a Juanito y levantarle las faldas a la zorra de Lisa? Ni puñetera idea, pero es bastante contradictorio, como toda la cinta en términos generales, ya que para haber vivido en la calle rollo homeless es bastante ingenuo el personaje. Después de darle una patada a Denny de la habitación, toca una escena gratuita de sexo angustiosamente eterna (no es la única, hay muchas más y peores aun), con una música de balada de baja calidad y estofa, mal rodada, mal iluminada y peor montada, con jadeos de postproducción incluidos que no aporta una puta mierda a la trama, ni siquiera la infumable extensión de la escena. Esta insufrible escena se ve gravemente empañada por la carencia de conocimiento de biología básica de Wiseau sobre la anatomía femenina, ya que el muy gilipollas se hace la picha un lío cuando aparentemente está penetrando a su novia por el ombligo, y me da que en esa zona no hay otra cosa por dónde meter el “Pirulo Tropical de Miko”. Pero rompo una lanza a su favor diciendo que él es un héroe de los de verdad e intenta hacer que Lisa no se aburra tanto en la cama, buscando nuevos sitios por donde darle lo “suyo y lo de su prima”. Por delante, por la boca y por detrás está muy visto, ¿por qué no probar por el ombligo o la oreja? Este tío es un pionero.

El resto de la película se basa en los problemas sexuales y no tan sexuales de esta pareja que no pega ni con “Superglue-3”. Marcos siempre está repitiendo su frase (como si fuese un disco rayado) de: “Juanito es mi mejor amigo, no puedo hacerle esto” para solo acabar poniendo a Lisa mirando para Corea del Norte. Y Juanito que es retarded como Tommy Wiseau, no se pispa ni por un momento de lo que está ocurriendo. Y por su parte la cabra loca de Lisa y su madre, están conspirando en las sombras para exprimir cuánto dinero puedan del pobre de Juanito, ¡TODAS SON UNAS PUTAS!

Se puede decir que hay unas “supuestas” tramas secundarias, pero ya os aviso que las que no son ridículas reciben un tratamiento ridículo, o simplemente las exponen y son olvidadas para siempre jamás. Las mas conocidas y despollantes son estas:

–                    Lisa y su madre pillan a dos “amigos” de la pareja magreándose en su propia casa (Porque Juanito es tan de “Putamadre” que va regalando copias de las llaves de su piso a cualquier idiota que conozca). Lo mejor es ver las caras de imbécil que pone el tío durante toda la película e incluso en esta supuesta escena de humor con tensión sexual inexistente mientras te das cuenta de que ninguno de los dos aporta nada al metraje. Superando lo anterior, y mejor aun si cabe, es el momento de cuando huye el imbécil de la escena del crimen, y la madre de Lisa le coge los calzoncillos que se ha dejado llenos dezurraspas para que lo vea todo el mundo. Lo peor es que siguen saliendo por la película los muy bastardos. Decadente.

–                    La madre de Lisa le confiesa que ya tiene los resultados de esos test médicos tan caros que tienen en los USA, y que han salido positivos: tiene un cáncer de mama en estado terminal. Lisa se lo toma muy bien y ni se inmuta. Parece no importarle una puta mierda que su madre este en fase de metástasis, y el tema también es olvidado durante el resto de la película. ¿Veis como era un cáncer terminal?

–                    A Denny (Oh hi Denny!) viene a darle una paliza un “rapper trapper” rollo “gangsta del barrio” con una pistola de atrezzo por un tema de drogas. Los protagonistas hacen de super héroes cutres improvisados, le quitan la pistola y como buenos ciudadanos que son, lo entregan a la pasma. Después realizan una estúpida escena “Dramática” (mas falsa que la interpretación de Tara Reid en Sharknado) donde se pasan como cinco minutos preguntándole “¿¡PORQUE LO HICISTES DENNY!?”. Obviamente, el tema de las drogas no vuelve a tener ningún tipo de secuela ni en el guión, ni en el personaje. Si creíais que le verías actuar tan mal su síndrome de abstinencia como los monos CGI del puto Reboot del Planeta de los Simios, estabais equivocados. Simplemente no lo hace.

–                    Llega un momento que le achacan a Lisa que haya dicho a todo el mundo que está embarazada de Juanito cuando es más falso que el hecho de que le den un Oscar a mejor actor principal a una Langosta Iraqui. ¿Donde existen esas escenas en las que dice eso? Directamente no salen en la película. Esto es desidia y lo demás tonterías.

–                    Juanito es tan de “Putamadre” que directamente es abstemio. Pero la zorra de Lisa le engaña a través de sus bizqueantes ojos y su voz monocorde. Le dice que si está enamorado de ella beberá un poco. Esto lo hace solo para luego decir que Juanito se emborracho y la acabo hostiando aunque sea otro de sus trucos rancios de pérfida mujer para deshacerse del buenazas de Juanito. ¿Tiene peso en la trama? Solo piensa que película estás viendo para contestarte.

La escena de cuando compra una docena de flores para la zorra de Lisa en una tienda alquilada por segundos para el rodaje, es para alucinar. Es rápida, no tiene sentido y no aporta una mierda a la trama. Lo mejor es que, por lo visto, es el mejor cliente de la tienda, pero no lo reconoce hasta que se quita sus putas gafas de sol. ¿De verdad que no reconocías a un tío involucionado con pinta de sociópata gabacho con un traje que encontró debajo de un puente mientras escondía el cadáver de alguna Stripper que le dijo “contigo no bicho”? No hay mucha gente en el planeta con esas pintas de asesino en serie. Pa mear y no echar gota.

En definitiva este es el Santo Grial de la caspa que todos hemos buscado por afán por todas partes, y que te acaba enviando a un Universo Negativo de comentarios sin ningún sentido y escenas que no cuentan ninguna historia. Una cinta que no ha tenido necesidad de efectos especiales de becario, ni de cosas tan típicas de la serie Z para hacer que su trama sea aun peor. Una película tan mala que después de verla te puede importar un cojón de mono que haya un Apocalipsis global. Un ejemplo perfecto de que lo que no debes hacer cuando estas ebrio de poder y hasta los topes de droga y hecha por el tío ese que ves por las calles, te mira raro y crees que te va a atracar o violar. Una vergüenza de proporciones bíblicas imposible de describir. Aun así os la recomiendo ver encarecidamente porque jamás me entenderéis si no la miráis, pero aun me queda historia por contar.

Ya he hablado de Greg Sestero y su manera de ganar dinero, que no es otra que humillar a su supuesto amigo en un libro de 300 páginas en la que desgrana todas las barbaridades que hizo mientras estaba delante de su tocha. Pero Tommy, ay Tommy, el sí que ha llegado lejos. Durante años ha intentado vender una sitcom llamada The Neighbors, y no ha tenido mucho éxito. Pero hace poco declaro que en Septiembre de 2014 estrenaría su primer episodio, un episodio en el que podemos ver que sin ningún tipo de vergüenza posible ha convertido a la serie en una especie de “Roomxplotation” para venderla como algo chachi. Aquí os dejo uno de sus clips:

Mientras esperaba este momento, este elemento ha vivido dando charlas sobre The Room, haciendo alguna que otra mierda y siendo invitado a diversas proyecciones de su película donde todo el mundo se ríe de él, pero nunca con él.

Pero el Legado de The Room no acaba ni aquí, ni ahora, ni de esta forma. Tenemos videojuegos de aficionados que completan la trama de la película y que recomiendo que os lo juguéis SOLO si os veis el film:

http://www.newgrounds.com/portal/view/547307

Merchandising para todos los gustos y colores:

http://www.theroommerchandise.com/

Y el mismo Tommy Wiseau tiene una web para glorificarse a sí mismo, porque al fin y al cabo no hay nadie que le ame tanto como el mismo:

http://www.theroommovie.com/

En fin, como comentario final deciros que esta oda al cutrerio del cine de un tío con pinta de estrella de rock estrellada y a punto de morir de sobredosis,   debe ser vista sin dilación, porque si no podría convertirse en un pecado capital el hecho de no hacerlo.

Tanto como al nivel de no haberte visto nunca Conan El Bárbaro de John Milius.

El término acuñado allá en los “states” como “sleeper” se refiere a aquellos títulos en los que nadie confía en un principio pero que en el momento de su estreno se desvelan como un éxito bien de taquilla o de crítica. Obviamente, a la industria del entretenimiento lo que le importa es la recaudación, y si viene acompañada de buenas críticas, aún mejor. El caso de The Collector, cinta dirigida por Marcus Dunstan en 2009, no se puede considerar un taquillazo en toda regla; el reponsable de la cinta, que también lo fue del guión de algunas entregas de la saga Saw, sólo lleva recaudados 8 millones de dólares desde su estreno (estreno en salas y mercado doméstico) frente a los 27  millones que lleva Saw VI, la entrega de la saga que peor ha funcionado. A pesar de la disparidad de cifras, The Collector sí se puede considerar un sleeper porque superó con creces su exiguo presupuesto de apenas un millón de dólares y, más importante, ha logrado hacerse un hueco y una saga propia en el difícil terreno del subgénero bautizado como torture porn -para los neófitos en subgéneros cinematográficos de terror les explicaremos brevemente que el torture porn consiste en la recreación gráfica de asesinatos, desmembraciones y torturas varias hilvanadas con una trama a veces detectivesca, a veces a lo “giallo” pero normalmente endeble-, del que la saga Saw es reina y señora, sin desmerecer a otros títulos más marginales pero igual de interesantes como A Serbian Film (2010).

Los relativamente buenos resultados de la The Collector y sobre todo el guión abierto a una continuidad escrito por el propio Dunstan, daban el pistoletazo de salida para una continuación, secuela en la que volvería a intervenir el protagonista de la primera entrega, Josh Stewart, repitiendo el papel de antagonista del brutal y desmedido asesino coleccionista. Stewart tuvo un papel muy importante en la cinta de 2009; no sólo era el protagonista de aquel título, su personaje aportaba el contrapeso necesario para compensar la brutalidad y el nihilismo de los crímenes del coleccionista y aportaba un toque de humor y sarcasmo a la película que se echa de menos en la saga Saw. En la nueva entrega el protagonismo de Josh se diluye tan ampliamente que apenas quedan dibujadas unas cuantas pinceladas de lo que un día fue este intrépido ladrón de cajas fuertes que eligió la casa equivocada para saquear.

The Collection (2012) es el título de la secuela que vuelve a dirigir Marcus Dunstan. Consciente de que el listón queda alto de cara a los miles de fans que The Collector tiene alrededor del mundo, no se plantea repetir el esquema que tan bien le funcionó en la primera entrega, decide dar una vuelta de tuerca al personaje del coleccionista y ofrecer más sangre y brutalidad al espectador. Por supuesto hay mucho sentido del humor, ningún espectador mínimamente avezado podrá obviar los defectos del libreto, dirigidos más a provocarnos sonrisas que sorpresas, y como muestra tenemos la secuencia de entrada en la discoteca, una masacre difícil de olvidar por la cantidad de hemoglobina falsa que vemos en pantalla y por la macarrada que se marca el coleccionista aplastando y despedazando con sendos ingenios mecánicos a los jóvenes de un fiesta rave.

Aparecen nuevos personajes con un peso más o menos importante en la película. Obviamos al comando de mercenarios, supuestamente gente dura que se come sus pelotas para desayunar -como decían de John Rambo- pero que luego son lo más inútil empuñando un arma o sopesando las posibilidades de asalto al hotel abandonado que escenifica la casa de los horrores del coleccionista. Obviamente, caen uno por uno despedazados y sin apenas posibilidad de defensa ante un asesino rápido e ingenioso. Otra cosa es el personaje de Emma Fitzpatrick, joven “final girl” que presenta un ánimo más combativo y sagaz que aquellos inútiles mercenarios pero cuyo rol se desaprovecha en el momento de plantar cara al asesino.

The Collection reúne un buen puñado de secuencias interesantes, sangrientas y a veces incluso absurdas, pero antes de que la primera parte de esta afirmación levante ampollas  hay que tener en cuenta que The Collection no pretende ser un título para pasar a la historia, es una secuela con la que Dunstan pretende crear una rentable franquicia ofreciendo al público aficionado al terror gore lo que quiere: sangre y diversión -por desgracia el erotismo reluce por su ausencia-. En este contexto, los setenta minutos efectivos que dura la película  -la parte final y los títulos de crédito son puro relleno- funcionan como un engranaje de relojería destinado a marcar las horas en punto a la llamada de la masacre, sucediéndose los sets de acción de manera continuada y efectiva. Frente al nihilismo y la despersonalización de los crímenes que exhibe la saga Saw, The Collector y su continuación, siendo menos brutal, funciona mejor como espectáculo de acción gore y abre el abanico del público al que puede llegar, proponiendo, como hemos dicho, mucha diversión bañada en litros de sangre de pega.

Las referencias que encontramos en este nuevo título son evidentes para un aficionado al cine de terror, no tanto, y hasta pueden parecer absurdas, para el espectador más común: Más Allá (L´Aldila, 1981), de Lucio Fulci, El Silencio de los Corderos (Silence of the Lambs, 1991), Maniac (1980), El Sótano del Miedo (People Under the Stairs, 1991), e incluso la interesante y menos preciada Doom (2005) -puesta en celuloide del famoso videojuego- están presentes en The Collection; queda un poco lejos la interesante referencia que había en su cinta predecesora a la hoy extraña y políticamente incorrecta The Collector (1965), de William Wilder, una película que trataba sobre el secuestro de una chica por parte de un solitario aficionado entomólogo y el posterior síndrome de Estocolmo que ella sufre.

El final de la película, abandonada y reducida a cenizas la casa de los horrores donde el coleccionista se lo pasa en grande con sus víctimas, nos presenta al personaje de Josh Stewart como posible sucesor de El Coleccionista. Nos quedamos con la incógnita de si realmente en la próxima entrega Dunstan seguirá con este hilo argumental o realizará una precuela, tal y como apuntan los rumores en la red. De cualquier manera la tercera parte de la saga no se hará esperar y volveremos a disfrutar -esperemos- con una buena ración de torture porn sazonada con el imprescindible humor negro que marca la identidad de la saga, amén de la característica máscara del asesino que ya se ha hecho un hueco entre los rostros de psicópatas del cine de serie B de terror.

The Collection está publicada y distribuida en España por CAMEO

Pablo Helman, una de las figuras clave del cine fantástico de las últimas décadas, visitará la 47ª edición de Sitges – Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya para protagonizar una masterclass. Helman (Buenos Aires, 1959) es el supervisor de efectos visuales de Industrial Light & Magic y ha trabajado codo con codo con Steven Spielberg y George Lucas.

Salvar al soldado Ryan, El mundo perdido, La guerra de los mundos, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, La amenaza fantasma o El ataque de los clones forman parte de la larga lista de títulos dirigidos por Spielberg y Lucas en los que ha trabajado Pablo Helman. Sus inicios se remontan a principios de los años 80, como autor de músicas para un canal de televisión de Los Ángeles, época en que se iniciaba la revolución digital en el cine, un momento que Helman vivió intensamente.

A partir de su trabajo en la serie de televisión Star Trek: The next generation, fue requerido para trabajar en Digital Domain, la empresa de efectos visuales y animación fundada, entre otros, por el director de cine James Cameron. Helman trabajó en grandes éxitos como Apolo 13 o Independence Day, dirigida por Roland Emmerich, que también estará este año en Sitges para recoger su Gran Premio Honorífico. Fue en ese momento que la empresa de George Lucas decidió integrarlo en Industrial Light & Magic, trabajando estrechamente con el director de efectos visuales Stan Wilson hasta la muerte de éste.

En la actualidad, sus últimos trabajos los ha realizado en los films Las tortugas Ninja (producida por Michael Bay) y Piratas del Caribe 5. Pablo Helman está considerado como uno de los mejores del mundo en su especialidad y compartirá con el público del Festival sus experiencias y diversos temas de interés como la captura digital de actuación de actores en el set, la relación entre la tecnologia y el arte, la creación de los personajes, o los diversos modelos de producción, así como imágenes inéditas y material de su trabajo como mano derecha de Spielberg y Lucas.

Los productores ejecutivos de THE RING presentarán DARK AWAKENING, en la sección Brigadoon, del Festival de Cine Fantástico de Sitges. Dark Awakening es un thriller sobrenatural dirigido por el especialista en maquillaje Dean Jones y protagonizada por Lance Henrinksen.

Ja-sung, un oficial de policía, se infiltra en “Goldmoon”, la mayor banda criminal de Korea. Después de ocho años colaborando con los mafiosos pasa a ser la mano derecha de Jung Chung, el número dos del grupo de homicidas. Repentinamente el líder de los “Goldmoon” muere en un misterioso accidente de coche, lo que desencadena una lucha de sucesión que hace peligrar tanto el futuro de la banda, como el suyo propio. Jung Chung quiere hacerse con el liderazgo, al igual que su rival Lee Joong-Goo. Con un bebé en camino, Ja-sung solo piensa en retirarse de la misión. El policía Kang Hyung-Chul inicia una operación llamada New World para intervenir en el proceso de selección de la banda y conseguir controlar a la organización criminal. Atrapado entre Jung Chung, que confía su vida en él y Kang, que piensa en él como un cebo, Ja-sung, tendrá que tomar una decisión final, lealtad o traición.

Esta es la sinopsis del último, hasta ahora, bombazo del thriller coreano, New World (2013), una película lenta y meditada que pretende dar un nuevo espaldarazo a la mezcla de dos hilos argumentales de sobra conocidos por los aficionados al thriller oriental: el de los policías infiltrados y el de la sucesión de capos mafiosos, ambas líneas que cuentan con sus respectivos buques insignia, los títulos Infernal Affairs (2002) y Election (2005). En el punto medio de ambos títulos se encuentra New World, drama depurado bizantino de ribetes shakespearianos  que no pierde de vista la mirada que Martin Scorcesse le imprimiría – el realizador norteamericano fue el responsable del remake de Infernal Affairs con su cuestionable Infiltrados (2006)-.

Es obvio que la globalización mediática origina la confusión y el desdibujamiento de los rasgos autorales y aún culturales a la hora de plasmar una misma historia desde dos extremos del mundo.  En New World los planos de gangsters trajeados rodeados de lujo, las escenas en los muelles y alta mar, envueltas en una calima casi tangible, nos remiten a multitud de títulos occidentales; únicamente algunos momentos de la cinta, precisamente los de los funerales de los mafiosos, con todo su aparataje de colorismo y pompa oriental, nos devuelven al origen de un cine de género que una vez tuvo más en propio que de ajeno, pero que verbigracia a la conexión e importación de cineastas entre Corea y Hollywood ahora nos muestra unas fronteras y unos rasgos difusos, difíciles de apreciar. A pesar de eso, New World contiene una brutalidad y surrealismo que el cine occidental, mecanicista y explicativo, no sabe o no quiere asimilar. La escena en la que uno de los jefes mafiosos es acorralado en un ascensor por varios sicarios y su resolución a salpicón de sangre y cuchillada en el torso desde un plano picado no es algo que se suela ver en el cine occidental, así como el surrealismo de la secuencia previa en el parking en el que en un caos de tipos trajeados se lía a mamporros y a cuchilladas sin que el espectador pueda hacer otra cosa que regocijarse en el tremendo jaleo, sin opción a saber realmente qué está pasando.

Cintas como El Padrino (1972) o alguno de los títulos que Martin Scorcesse dedica a escudriñar en las interioridades del mundo de la mafia eran enormemente didácticas, guiones mecanicistas en los que se daba una extrema importancia a la descripción del funcionamiento interno del crimen organizado. De ahí, el espectador terminaba la proyección y podía presumir de haber aprendido cómo funciona la mafia. Verdad o mentira, eso queda para nuestra forma de entender el cine “de mafiosos”. En Corea las cosas van de forma distinta; si Nameless Gangster (2012) se enfrentaba al reto de describir las entrañas de la mafia desde un punto de vista humorístico -una cinta muy Scorcesse-, New World participa de un espíritu más pulp aunque su fotografía sea estilizada y preciosista, y su banda sonora exhiba una enorme sensibilidad. Igual que en las sagas de cintas de gangsters dedicadas a la Yakuza (véase la brutal serie The Yakuza Papers), en New World se nos muestra poco sobre la mecánica del crimen organizado, el origen de su riqueza, sus negocios, etc., relegándose estos términos a un ínfimo plano y centrándose en el drama personal del policía infiltrado y de su rol en el proceso de elección del nuevo líder.

Park Hoog-jung, director de la cinta, y guionista de la imprescindible Encontré al Diablo (I Saw the Devil, 2010), nos muestra una película más meditada que su ópera prima, The Showdown (2011), mero producto de entretenimiento de lucha medieval. La estilización que el realizador muestra en New World y el excelente trabajo en la dirección de los actores le hará merecedor de una nueva oportunidad dentro de la lucrativa industria cinematográfica surcoreana, mermada de ya de algunos nombres clásicos por su trasvase a las huestes hollywoodienses, y necesitada de sangre nueva que mantenga el flujo anual de títulos con la marca del país.

NEW WORLD  ha sido editada en DVD y Bluray por CAMEO

Luigi Cozzi, el cineasta italiano director de la legendaria película de ciencia ficción Contaminación (Contamination – Alien arriva sulla terra, 1980) visitará el Festival de Cine Fantástico de Sitges 2014 para presentar una serie de trabajos en Brigadoon, entre ellos la película THE BLACK CAT (1979). Durante la sesión, se podrá ver el trailer de su nuevo film, BLOOD ON MELIES’ MOON.

The Grandmaster (2013) supone un hito en la carrera de su realizador, el preciosista y metódico Wong Kar-Wai. Su primera y única incursión en el mercado norteamericano, My Blueberry Nights (2007), fue una película en la que apuró hasta la hez sus posibilidades estilísticas y marcó la necesidad de buscar nuevos caminos para mostrar su fértil creatividad sin tener que ceñirse a unos recursos formales cada vez más manidos que ya lleva explotando durante veinte años. La respuesta a dónde dar una vuelta de tuerca a su estilo y a buscar una historia nueva y estimulante la encontró en su tierra natal, Hong Kong, y en un género que abandonó en 1994 con su tercera película, el wuixa llamado Ashes of Time, de la que hace poco tiempo realizó una versión redux para el mercado doméstico.

Asumir la autoría una historia de artes marciales, ser original y encima narrar algo que al gran público le interese es todo un reto. Este reto se sustantivó en el biopic de una de las figuras más desconocidas de las artes marciales modernas, Ip Man, nombre y apellido desconocido para el público occidental si lo hablásemos del astro del cine de las artes marciales, Bruce Lee, pues Ip Man fue su maestro cuando el actor de Operación Dragón (1973) era apenas un niño. Hasta aquí la propuesta parece interesante, el material de partida puede funcionar comercialmente y la distribución en los EE.UU. queda casi asegurada. El punto negativo para ese gran público que tiene que sufragar la producción del filme con sus entradas y sus compras en dvd es que Won Kar-Wai es un autor, dicho lisa y llanamente, y no se iba a conformar con rodar unas meras exhibiciones de artes marciales y meter por en medio el nombre de Bruce Lee -de hecho el nombre del actor hongkonés sólo aparece en los títulos de crédito y su presencia se intuye en la figura de un infante de cabeza pelada y pocas palabras-.

La creación de The Grandmaster no ha sido un camino de rosas debido a unos cuantos problemas de producción. Tony Leung, protagonista que encarna a Ip Man se rompió un brazo durante la filmación, lo que ocasión unos meses de retraso en la entrega de la película a los distribuidores. A esto añadimos las tres versiones del montaje existentes: 130 minutos para el mercado asiático, 123 minutos para el europeo y 103 minutos para el americano, convendremos en que Wong Kar-wai debió tener mucho trabajo en la sala de montaje para satisfacer a todo el mundo y asegurar un mínimo de vida comercial al título.

No obstante, el trabajo realizado por Wong Kar-wai es meritorio, bello, sin duda, pero irregular. The Grandmaster recoge un puñado de coreografías de artes marciales de una belleza fuera de toda duda, magnifícas y plásticas, que se resuelven de varias maneras: a modo de alarde estético en la pelea bajo la lluvia con la que se abre el título o el duelo en la estación de tren -claro guiño al western-, en la simbiosis entre sentimentalismo y artes marciales en el combate de Gong Er (Zhang Ziyil) con Ip Man -que más que un combate es un coito en el que la hija del maestro Gong ejerce de mantis sobre el enamorado Ip Man-, o el virtuosismo gestual en el combate de Ip Man contra Gong Yutian (Quingxiang Wang ), en el que el primero logra hacerse con la sucesión a Gran Maestro del kung-fu. Todos los momentos de lucha y acción de la película, coreografiados por el especialista Yuen Woo-ping, responsable de la coreografía en títulos como Matrix Revolutions (2006) y Kill Bil (2003), sobre todo en los más estáticos y sugerentes, están dotados de una gran carga emocional que el director de Deseando Amar (2000) aprovecha para construir paralelamente un melodrama, una historia de amor, de deseo, de aspiraciones y también de modestia, y es que tales son los rasgos de los personajes que aparecen mejor caracterizados por su formar de lucha que por gestos o palabras; de hecho los personajes exhiben una distancia hacia el espectador que funciona en la primera parte de la cinta pero que hace estragos en el resto del metraje.

La irregularidad de la película queda patente en lo fragmentado de la narración. La primera parte de la historia, que se desarrolla en la época dorada del kung-fu chino, y en la que Ip Man logra hacerse con el título de Gran Maestro de las escuelas del Norte y del Sur de China, es la más sólida. En esta parte de la cinta la historia es más lineal y no se pierde la pista de los personajes; estéticamente también es más rica y estimulante, destacando la recreación de aquel Pabellón de Oro, prostíbulo que en realidad fue el foro más importante de las artes marciales de su tiempo. El punto de inflexión de la narración está marcado por la invasión japonesa de la provincia de Foshan, patria chica del maestro Ip Man. Este acontecimiento y los ocho años posteriores que dura la ocupación hacen que el maestro pierda prácticamente todo lo que tiene, incluidos a sus dos hijos, y deba ejercer como profesor en academias de artes marciales de barrio, a la vez que intenta hacer realidad  el amor platónico que comparte con  Gong Er. Es en esta parte del filme también donde los personajes se desdibujan más y la frialdad mostrada por Tony Leung empieza a molestar; la inclusión de personajes antagónicos a Ip Man, como El Navaja, no termina de hacer despegar este segmento, que se hunde entre insertos de material documental, combates con personajes variados y una dirección de arte que desmerece lo visto anteriormente. El alivio llega en el plano final, con esa foto de Ip Man y sus alumnos en su academia de Hong Kong, donde destaca un prometedor y sonriente niño que hemos de identificar como a Bruce Lee.

La épica de The Grandmaster está fuera de toda duda. Se han citado varios combates que son sencillamente espectaculares, hemos comentado como Wong Kar-wai teje a su gusto una maraña de sentimientos donde nuestros maestros de kung-fu quedan atrapados, para bien o para mal, y también la película dispone de una puesta en escena que agranda y engrandece el universo visual de su director. Aún así The Grandmaster tiene deudas pendientes con el espectador: la sensación de grandeza y de heroicidad de la película se queda a medias, quizás debido a esos problemas de producción y adaptación del montaje de la cinta. Conociendo como conocemos ya a estas alturas a Wong Kar-wai, su obra no quedará exenta de una revisión y en breve podremos contar con su versión redux. Esperemos…porque si no Chungking Express (1994) o 2046 (2004) seguirán copando el ranking de sus títulos, al menos para el que suscribe esta crítica, y The Grandmaster quedará como un buena película pero con la sensación de ser una obra pero en permanente construcción.

The Grandmaster ha sido editada por CAMEO en formatos DVD y Bluray.

Jaume Balagueró dará el pistoletazo de salida de la Sitges Zombie Walk, que se celebrará el sábado 4 de octubre.

Brigadoon ofrecerá este año en Sitges 2014 una selección de largometrajes de ficción, cortometrajes y documentales y un homenaje al actor Álex Angulo, fallecido recientemente. La sección del Festival, que presenta las propuestas más arriesgadas y de culto en sesiones gratuitas en el Escorxador, ha elaborado un amplio programa en el que destaca una revisión de los directores italianos que influenciaron a Quentin Tarantino.

La programación de largometrajes de Brigadoon cuenta con tres destacadas referencias, la primera es Maldito amor, el nuevo film de los hermanos chilenos Gonzalo y Sebastián Badilla, una comedia adherida al género giallo. La segunda propuesta, Megamuerte, es la película de Jordi Nájera que nace del corto Metal Creepers y a su vez rinde homenaje al glam metal de los años ochenta. The Redwood Massacre, de David Ryan, cierra este primer bloque: una cinta independiente rodada en el norte de Escocia donde un grupo de amigos visita el lugar donde se produjo una legendaria matanza.

Uno de los puntos fuertes de Brigadoon es, desde hace unas cuantas ediciones, la programación de documentales. En esta ocasión, se presentará I Tarantiniani de Steve Della Casa y Maurizio Tedesco, un documental que pretende explicar al mundo un fenómeno cinematográfico desconocido, el de los directores ignorados por la crítica italiana que Quentin Tarantino considera esenciales, como Lamberto Bava, Ruggero Deodato o Sergio Leone. El género giallo es el protagonista de Yellow Fever: The Rise and Fall of the Giallo, un repaso a la historia de este concepto cinematográfico y a sus cineastas, desde los orígenes con Mario Bava hasta Dario Argento o Lucio Fulci. Junto con la proyección de Vicente Aranda. 50 años de cine,  otro documental sobre cine español será Queridos monstruos de los hermanos Kiko y Javier Prada, una visión de la historia del cine fantástico y de terror desde los años sesenta hasta nuestros días. Las coproducciones, el sistema de financiación, el caso Matesa, la Ley Miró o el sistema Back to back son algunos de los temas contados en primera persona por sus protagonistas.

Entre las actividades paralelas que se celebran en el marco de la 47ª edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya destaca de nuevo la Sitges Zombie Walk, el tradicional desfile por las calles de Sitges, que tendrá lugar el sábado 4 de octubre con el pistoletazo de salida a cargo del director  Jaume Balagueró, que inaugura el Festival el día anterior con REC4: Apocalipsis.

Al actor Álex Angulo, fallecido el pasado 20 de julio, se le rendirá homenaje con la proyección del film Acción mutante y contará con la presencia de su director en Brigadoon, Álex de la Iglesia. El cineasta italiano Luigi Cozzi visitará Sitges 2014 para presentar una serie de trabajos en Brigadoon, entre ellos la película The Black Cat (1979) dentro del ciclo de los sueños. Durante la sesión se podrá ver el tráiler de su nuevo film Blood on Melies’Moon.

El Premio Nosferatu será, este año, para la actriz María Kosty, dedicada a la profesión desde finales de los años sesenta y con una gran presencia en el cine fantástico y de terror español de los setenta.

La retirada de la escena política de Silvio Berlusconi “Il Cavaliere” ha significado la aparente destrucción de una forma de vida opulenta y descreída para la clase política italiana y sus satélites (Iglesia, burguesía, élite intelectual,…). Il Cavaliere  simbolizaba a esa Italia del exceso, el sexo, del dinero a raudales y de la manipulación informativa a favor de un país que tenía más de surrealismo felliniano que de modernidad europea. El aparente cambio de rumbo en la vida social y política italiana -volvemos a subrayar el adjetivo de aparente y recordemos la lección aprendida en El Gatopardo (Il gattopardo, 1963) de Luchino Visconti- ha traído  entrada del neoliberalismo salvaje y la receta económica de esperanza salvífica para un país que lleva demasiado tiempo encastrado en una crisis de valores, e igual que los protagonistas de aquella Italia de Berlusconi, el personaje principal de La Gran Belleza (2014), Jeb Gambarella -interpretado soberbiamente por Toni Servillo-, debe resignarse a admitir el paso del tiempo, de su tiempo, de forma irremediable y a hacer acto de conciencia en un momento de su vida en el que él cuestiona su relevo de una vida mundana y despreocupada. Paolo Sorrentino, director de la Gran Belleza ya retrató parte de esa Italia decadente que ha dejado paso a la tecnocracia marcada desde las coordenadas atlánticas con Il Divo (2008), retrato del siete veces primer ministro Giulio Andreotti, otro icono viviente en cuyo biopic están condensadas las pérdidas de las oportunidades históricas que ha tenido Italia, hoy resignada a recoger los frutos de un legado que la han llevado a la pérdida de la identidad que quizás tuvo la oportunidad de rescatar al término de la posguerra.

La Gran Belleza comienza con una extraordinaria fiesta en un ático con vistas al Coliseo, flanqueado por un enorme cartel de la marca Martini. Si el Coliseo simboliza esa belleza decadente pero eterna de la capital italiana, el logotipo de Martini, marca forjada en la época del miracollo economico, sublima en sus líneas y colores los valores de esa dolce vita que Italia exportó al mundo entero tras la posguerra. Ambos emblemas observan la fiesta del 65 cumpleaños de Jeb Gambarella, escritor y periodista en un tabloide que extrae sus contenidos entre lo sublime y lo banal de la vida cultural italiana. La fiesta de cumpleaños, un eterno travelling donde se presentan a la mayoría de los personajes que rodearán a Gambarella durante toda la película, casi coincide con el momento en el que una persona se presenta en su casa diciendo ser el viudo de su amor de juventud, acaso el único que tuvo antes de dispersarse en un mundo de frivolidad y juerga. Ambos acontecimientos son el detonante para que Jeb realice una severa reflexión sobre la vacuidad de su existencia pero también sobre su suerte como vividor de la noche romana y gourmet de la belleza que impregna a Roma y a sus gentes, que no por ser más burguesas y nihilistas son menos dignos de amistad y comprensión. 

Los estamentos más altos de la sociedad romana tienen un hueco en la película, no dejando títere con cabeza cuando el guión de Sorrentino y Paulo Contarello dedica una buena parte del metraje a la Iglesia romana en la figura del Cardenal Belluci, exorcista del Vaticano y experto cocinero gourmet. La iglesia se muestra dicomotizada entre la ostentación personificada  por el exorcista y candidato al solio romano, el Cardenal Belluci (Roberto Herlitza), y la sumisión a la pobreza crística encarnada por y la Santa (Giusi Merli interpretando a un émulo de Santa Teresa de Calcuta), ofreciéndonos una parábola en la surrealista escena de los flamencos que empuja a la conclusión de la película. También la banca y los defraudadores aparecen como esos vividores que a su manera y en las sombras contribuyen al esplendor de la dolce vita italiana y sirven al funcionamiento de las finanzas del Estado. Pero ante todo, La Gran Belleza es una película de personajes; el primero de todos es Roma, una capital esplendorosa y estática en su preciosidad, como las estatuas de los jardines que son abiertos para Jeb de manera exclusiva, como sus calles, azoteas y salones, acompañados en todo momento por la contenida y bella banda sonora de Lele Marchitelli; el resto de los protagonistas son esos vividores de la noche romana (arribistas, burgueses, nobles venidos a menos, políticos decadentes) enclaustrados en una dinámica de fiestas y sexo endogámico que nadie quiere abandonar, de hecho los únicos que parecen conseguirlo son Jeb, mediante el escapismo que le proporciona su recuerdo de juventud y otros dos personajes más con la huída física de la ciudad, uno, y la muerte prematura, otro. La caracterización de los personajes es tan contundente que el espectador se sumerge en un mundo imposible, tan banal como excéntrico y bello.

La Gran Belleza es una obra hecha para perdurar, no sólo por la extraordinaria denuncia de una Italia instalada en la futilidad y el retrato de esos seres indolentes instalados en una raída opulencia romana, también por la concentración de tamaña cantidad de valores estéticos que sirven para engrandecer al título, comenzando por la interpretación de todos los actores, la citada banda sonora, la fotografía de Luca Bigazzi o toda la dirección artística de la película. Es imposible sustraerse al legado de Federico Fellini en la ineludible obra precursora a este título, La Dolce Vita (1961) o al retrato de la pareja burguesa en decadencia realizado por Michelangelo Antonioni en La Noche (La Notte, 1961), pero La Gran Belleza no irá a la cola de estos dos grandes títulos, antes se unirá a ellos en una tríada intemporal, un fresco de la dulce vida bohemia, de la noche italiana y de esa gloria burguesa que una vez fue y aunque estos romanos de adopción se esfuercen en recuperar, nunca más será; nos queda su recuerdo y la decadencia y amoralidad de aquellos que la protagonizan.

La GRAN BELLEZA ha sido editada en DVD y Bluray por CAMEO.

Crawlspace (2012) suena a título de videojuego del estilo Dead Space, una saga aventura intergaláctica con zombies y dioses primigenios que ha alcanzado cierta popularidad entre los fans de los juegos más cafres, y cuyas entregas cinematográficas han cosechado buenas críticas debido a su destacable factura, mucho más aún que el videojuego, a modo de simbiosis entre dos lenguajes y plataformas que cada vez tienen más en común. En Crawlspace no vamos a ver nada de esto, el título de esta película, dirigida por el experto en efectos especiales Justin Dix nada tiene que ver con engendros del espacio exterior ni con viajes interestelares, todo lo contrario, está ambientada en un complejo subterráneo del gobierno australiano para crear armas biológicas, supersoldados que protejan a los mandatarios mundiales con los poderes de la mente en lugar de con las armas; el título Crawlspace -Crawl (arrastrarse) y Space (espacio)- hace referencia a los angostos escenarios donde se va a desarrollar la acción.

Aparte del desliz del título, la productora del film -Wolf Creek Productions, capitaneada, como no, por Greg Mclean, realizador de la saga Wolf Creek- apuesta por un escenario claustrofóbico que bien podría ser el de una nave espacial, repleta de corredores de color blanco azulado, con sistemas de compuertas que se abren y cierran con control remoto, y con los imprescindibles pasajes de ventilación donde los protagonistas tendrán sus momentos más apurados. Estéticamente la película navega entre un calco sucio y amarillento de Aliens El Regreso (1986) y algún que otro guiño a Depredador (Predator, 1987), pero los títulos que más influyen a esta obra de serie B en su fondo son Scanners (1981) y esa olvidada e injustamente subestimada versión del videojuego Doom (2005), cinta inspirada en la tercera entrega del popular y violento juego.

El argumento de Crawlspace despista en un primer momento. El realizador se guarda unas cuantas cartas en la manga para posibilitar importantes giros en el guión de la película, cuyo guión comienza de la forma más predecible: un grupo de élite del gobierno es enviado a una instalación de investigación secreta para que se cargue a todos los enfermos-prisioneros que la ocupan. Los fríos e implacables marines que creen estar eliminando a unos infectados paran su carnicería indiscriminada al encontrar a una mujer cuya identidad se va desvelando poco a poco. Tras el encuentro de la prisionera con el pelotón de soldados la película deriva en el típico survival horror, sin muchos más escenarios que los corredores, salas médicas y conductos de ventilación donde el body count irá dejando cada vez más mermado al elenco protagonista.

La puesta en escena cuenta con texturas sucias y atmósferas brumosas para hacerse valer como protagonista secundario pero indispensable para este historia modesta pero que aparece un poco más grande –dentro de sus limitadas pretensiones- a medida que avanza el metraje. También cuentan y mucho las escenas en las que los efectos especiales se divierten exhibiendo gore a raudales, Crawlspace es una historia de supervivencia, pero también de horror, contando con cierto nihilismo gráfico que la hace divertida y disfrutable en los momentos más sanguinolentos. Pierde el interés en los flashbacks que intentan explicar las causas por las que la mujer protagonista se encuentra en el complejo, éstos momentos y el final apotéosico y exagerado son los únicos instantes en lo que la acción se desarrolla en el exterior.

Crawlspace es una película que no disimula su modestia pero que a la vez tiene vocación de título de culto, una cinta que quiere entretener a un sector del público fantástico muy concreto, sin alardes reflexivos ni planteamientos metafísicos, sólo acción, gore, una puesta en escena modesta pero eficaz y un puñado de referencias fílmicas de culto. El futuro de Crawlspace como título perdurable en la mente del aficionado es un poco complicado de predecir, toda vez que se trata de una producción australiana que tuve una recepción muy fría en nuestro país. Se trata, empero, de una propuesta inteligente y brillante, siempre, volvemos a repetir, dentro de las coordenadas de la serie B cinéfaga. En temporadas pasadas otros títulos como Eden Log (2007) o Dante 01 (2008) también reunían esas condiciones y han sido lamentablemente olvidados por la afición fantástica, esperemos que a Crawlspace no le aguarde el mismo destino.

Durante la década de los 90 el cine de terror conoció su etapa más triste en muchísimo tiempo. Pocas producciones acertaban a llegar al público, y los que lo hacían eran títulos muy comerciales que lejos de crear afición tenían un peligroso efecto rebote, estaban dirigidos a un segmento muy joven que únicamente mataba el tiempo en las salas sin que revirtiera en el fomento de una afición que languidecía en el terreno underground del VHS y del incipiente DVD. He aquí que un señor con un nombre larguísimo de ascendencia india realizó una película cuya aparente sencillez trajo una nueva era al cine fantástico: M. Night Shyamalan dirigió en 1999 una cinta protagonizada por Bruce Willis llamada El Sexto Sentido (The Sixth Sense, 1999), una cinta que significó el renacimiento del cine de género para adultos, a partir de aquí hemos asistido a un sinfín de producciones que han renovado los géneros de mil y una maneras, ensanchando el aforo de una afición que no para de crecer.

Igual que el cine de vampiros, o el de fantasmas -con las influencias venidas de Oriente-, muchos subgéneros han sufrido una reinvención necesaria y lógica, el cine de zombies ha cambiado enormemente desde los tiempos de Romero y su Noche de los Muertos Vivientes, agotada la fórmula del necrófago de paso lento y aspecto podrido. Un poco tarde le ha llegado el turno al giallo, subgénero que navegaba entre las aguas de lo policíaco y lo terrorífico. El giallo, nacido en Italia, circunscrito a la geografía transalpina, con algún que otro ramalazo fílmico fuera de sus fronteras, murió de puro agotamiento. El giallo, de formulación canónica, contaba con elementos sumamente precisos que fueron usados en una cantidad innumerable de títulos hasta que el público dejó de tener interés por historias de asesinos traumatizados que ejecutaban sádicamente a sus víctimas –eso sí, cada vez de una manera diferente- en medio de tramas oscuras y laberínticas. El giallo tuvo sus maestros y sus obras cumbres, también aquellos que denostaron al subgénero explotándolo al máximo y crearon obras olvidables y de poca calidad. De cualquier manera, el giallo vuelve a estar en las pantallas de los festivales especializados treinta años después de su eclosión como fenómeno comercial, pero este moderno giallo, o neo-giallo, que es como se le prefiere llamar, implica necesarias variaciones formales respecto a los originales italianos.

La producción belga Amer (2009) abre fuego con un estilizado revival del género amarillo italiano, un tríptico que reunía referencias más que evidentes a los títulos más señeros pero que estaba tamizado por un magistral uso de la iluminación y los sonidos, amén de una planificación sobresaliente. Tulpa (2012), de Federico Zampaglione, se acercaba al giallo más clásico, una historia sazonada con elementos sobrenaturales rodada de una forma más convencional. Berberian Sound Studio (2012) no era propiamente un giallo pero la cinta de Peter Strickland nos ofrecía un viaje por aquellas sonoridades que pululaban las cintas italianas de la época. De nuevo, los creadores de la citada Amer, Hélène Cattet y Bruno Frozani,  trajeron bajo el brazo The Strange Colour of your Body´s Tears (2013), cinta donde el tándem de realizadores se despacha a gusto con las texturas, sonidos e iconos del giallo creando un sinfonía de formas interesante y visualmente muy atractiva pero de aprehensión imposible debido al metalingüismo inherente a su propuesta, alejada de toda pretensión narrativa.

La última obra giallo que ha llegado a nuestros reproductores domésticos, una vez que ha pasado el filtro y la gloria de un buen puñado de festivales, ha sido Sonno Profondo (2013), dirigida, producida y mil cosas más por  el argentino Luciano Onetti; el director hace las veces de hombre orquesta y su nombre está presente en prácticamente todos los títulos de crédito de este largometraje de poco más de sesenta minutos de duración. Onetti crea una pieza destacable, un ópera prima interesante en cuanto a la recreación de un género desde las tripas, indagando en sus interioridades y sacándolas a la luz en un carrusel de colores vintage, sonoridades disonantes y texturas que están a medio camino entre la nostalgia del giallo y una atmósfera cargante y enfermiza muy alejada de preciosismos estéticos como que precisamente inspiran –plagian- algunas de las referencias usadas para esta película, comenzando por el mismo título del largometraje Sonno Profondo, en referencia a Rojo Oscuro (Profondo Rosso, 1975), una de las películas más reconocidas de Dario Argento.

Onetti busca enfatizar la enfermedad de la mente del asesino, explotar el morbo de los primeros planos del serial killer y de las víctimas, resalta la textura de una sangre que parece pintura acrílica y se explaya en momentos de carácter onírico y dudosa utilidad a la trama de la película. También intenta realizar un retrato costumbrista de la época del giallo mediante el uso del idioma italiano en todo momento, de fotografías aviejadas y de textos escritos en italiano. El idioma del audio de Sonno Profondo es el italiano, acompañado por subtítulos en inglés para el público internacional. Todo el aparataje estético y formal muestra una factura impecable e indolente a la acusación de plagio pues Onetti se desvela como un investigador, un desenterrador de las esencias del giallo a  favor de su recuperación en forma de puzle narrativo para los tiempos que corren, distintos a aquellos que hemos mencionado antes en los que el giallo era sólo una forma de hacer negocio en lugar de hacer arte.

El problema que presenta Sonno Profondo es parecido al que nos encontramos en la segunda cinta de los realizadores Hélène Cattet y Bruno Forzani: la carencia de una estructura narrativa sólida que cohesione todo un cúmulo de secuencias visualmente atractivas. Onetti se limita a insinuar, a ensoñar a veces, a crear vínculos entre subtramas  casi imposibles de seguir, salidas a un laberinto que no llevan a ninguna parte para aclarar una trama que Onetti no desea aclarar, ensimismado en el éxtasis visual de su producto. Por más secuencias que dedique a estimular al público para averiguar quién es el asesino, quienes son sus víctimas y las motivaciones de unos y de otros, la explicación, siempre a medias, llega tarde y el puzle no es que sea complicado de resolver, es que carece de contornos, únicamente  dispone de unas cuantas piezas maestras que no es posible ensamblar más que con la ayuda de la sinopsis oficial de la película y de unos cuantos visionados más.

Luciano Onetti, brillante compositor –él ha sido el responsable de las increíbles sonoridades del film-, no ha sabido hilvanar una trama necesaria y fundamental –como en cualquier giallo que se precie- para atrapar al espectador, ni aún al más entregado al giallo, creando una historia que queda atrapada entre brumas tintadas de vintage y referencias miles. Este factor es la causa de la pérdida en el vacío de un esfuerzo descomunal, el de levantar un giallo desde sus entrañas y de intentar de buscar nuevos caminos para un subgénero que lamentablemente se muestra preso de sus convencionalismos pese a amplio rango de posibilidades estéticas que puede ofrecer.

Según Sartre

“El existencialismo no es otra cosa que el intento de sacar todas las consecuencias de una posición unitariamente atea”.

No en vano Pawel Pawlikowski , uno de esos directores que prefieren el silencio a las palabras,  ha escogido como punto de partida para esta película, Ida (2013) el viaje iniciático previo a la toma de votos de una joven huérfana. Viaje  que supondrá su primera toma de contacto con el mundo exterior  y con ello la búsqueda de su propia identidad.

El director polaco residente en Gran Bretaña, conocido por Last Resort (2000) y Mi verano de Amor (2004) realiza un radical cambio estilístico en relación a sus anteriores trabajos en lo que supone un reencuentro del cineasta con su país natal después de varios años rodando documentales y largometrajes en Inglaterra.

Ida nos presenta dos personajes completamente antagónicos y a su vez complementarios, dos formas de interpretar  y afrontar la existencia, con un gran choque de conciencias. Una lucha entre la fe, el materialismo y el dolor de la verdad. Planteamiento certeramente expuesto en un ambiente hermético y aún con heridas de guerra (Polonia, 1960), con una desestructuración del sistema y una represión social que imposibilitan la identificación.

Rodada desde la austeridad del blanco y negro, en unos escenarios asolados e impersonales construidos en piedra, niebla y hormigón, el director consigue focalizar toda la atención en las actuaciones de sus protagonistas. Podría decirse que el gran merito de esta película parte de la dirección fotográfica. Ryszard Lenczewski , el director de fotografía, ha  manifestado estar muy preocupado por la composición digital en el cine actual, porque está quitando a los actores del mundo real y restándoles protagonismo. Visión que comparte con su director, con el queparece haberse compenetrado a la perfección para gestar un producto atípico e incluso difícil de digerir para el público medio. 

Cualquier instante de este film está cargado de una poderosa sensibilidad que mantiene al ojo en una atención hipnótica. Cada plano ha sido meticulosamente compuesto y medido creando una cadena hierática, casi un story board fotográfico debido a la casi total ausencia de movimiento de cámara, planos fijos y encuadres en 4:3, que en ocasiones llegan a resultar incómodos, revelando rostros y cuerpos cortados -impresionante el fotograma en el que se recogen los huesos de la fosa- que nos recuerdan al mejor Bresson, colocando en ocasiones a los personajes en lugares alejados en el espacio, robándoles protagonismo, doblegándolos en rincones y acrecentando la sensación de pérdida e insignificancia de unos personajes que parecen estar perdidos en el tiempo de su propio ser (“No he estado en ninguna parte” reconoce Anna).

La protagonista de Ida se enfrenta al abismo de un pasado oculto, al conocimiento de la imperfección humana, a otro nombre e incluso a la contrariedad de pertenecer a una religión diferente a la que le fue impuesta y que la obligará a replantearse su vocación. Todo un acierto para esta película el haber contado con una actriz que no era actriz y ni siquiera pretendía serlo, un personaje romántico que debido a su inexperiencia refleja de forma natural el miedo al vacío y la imposibilidad de orientarse en un mundo carente de apoyos. Cuentan que una amiga del director descubrió a Agata Trzebuchowska (Ida) en una cafetería, y pensando que sería la persona idónea para su papel la tomó una fotografía disimuladamente.

Muy acorde al planteamiento general llegamos a un final que lejos de resultar religioso resulta más bien una huída, haciendo honor a su nombre, y una necesidad de encontrar una salida rápida ante la inseguridad de la libertad.

Ida es una película que supone toda una reivindicación de buen cine y sencillez, que apuesta por la narración frente a un mercado cinematográfico que se precipita al  efectismo con unos productos que lejos de sorprender o emocionar por su detalle o complejidad, en ocasiones sólo resultan alardes de virtuosismo visual que nos llevan al hastío.

Ida está distribuida en España por la distribuidora de cine independiente Cameo.

Que se sepa ahora, los zombies están más de moda que nunca gracias a autenticas pestes como The Walking Caspa, o Resident Cenagal. Así que ni cortos ni perezosos, un montón de gilipollas se han unido a esta moda ya que por lo visto da mucho rédito y en las que se suele invertir una media de 10 euros para que luego acabe recaudando unos 30 euros más o menos, con suerte. En este punto nos encontramos con Kevin King, director de Zombie Hunter y el clásico friki que se masturba haciéndose cuantos videojuegos pasen por su consola al 100%, o más porcentaje si puede, y con películas de dudosa calidad y procedencia hechas con poco talento y menor dinero, que ademas usa de tinta para su impresora el semen que le sale tras estas eyaculaciones. Para empezar he de decir que al menos es algo entretenida, porque he de confesar que ver esos filtros rosas y esos CGI tan asquerósamente baratos consigue que te de ganas de ver el resto del presupuesto de la película, un presupuesto que por lo visto no incluía un script porque fallos de raccord hay a patadas. En cada nueva etapa de la casi inexistente carrera de este tipo de gente, se nota descaradamente que van perdiendo recursos, credibilidad y presupuestos para sus filmes, pero a ellos no les importan estas cosas, porque su ebriedad de poder siempre quedara intacta. Ya pueden tener una gran productora salchichera respaldándole, o la terraza de su casa como lugar de rodaje, que no se van a sentir limitados en absoluto y seguirán produciendo cuantas defecaciones se encuentren por el contenedor de basura ese que llaman hogar. Esta película es la mejor muestra posible de como ha degenerado el genero zombie hasta limites insospechados, que no conoce el ridículo y que por lo visto seguirán rodando películas de esta baja calidad y estofa hasta el día en el que todos estos autores se mueran, incluso con todo en su contra, como en el caso que hoy nos ocupa. También nos valdrá como ejemplo de toda esa gente que cree que hace una buena película y acaban soltándonos un zurullo costumbrista, intentando hacérnoslo pasar por bueno. Si, los que os sentís aludidos por este comentario os lo confirmo: Va por vosotros.

En Zombie Hunter Nos encontramos en un post-apocalipsis zombie de esos típicos y tópicos provocado por una misteriosa droga de color rosa llamada “Sin” que acaba petando al planeta Tierra. El Cazador es el más que típico antiheroe borrachuzo solitario superviviente que montado en su buga, va aniquilando zombies en busca de la redención por sus pecados pasados y a su vez enfrascado en la eterna búsqueda de un bocata de chorizo de Cantimpalo, pero todo esto no tendría ningún sentido si no estuviese regado con una botella de Tequila chicano. Tras toparse con un grupo de gentuza liderado por el cura huele bragas Jesus, decide unirse a ellos porque no tiene nada mejor que hacer.

Entre pitos y flautas, pasan cinco minutos de metraje en los que no pasa una shit y no se muy bien que pensar. Entonces mi sentido arácnido de la caspa me dice algo, me empiezo a oler algo raro. Me doy cuenta de que el protagonista es un calco de Max Payne (el del videojuego, la película es un trozo de caspa de alucinar) pero en un mundo baldío post-apocaliptico y con cara de retrasado mental rubio. Aun así dejo pasar el tiempo a ver que pasa, A partir de aquí ya no me huelo nada, directamente me escuecen los ojos del pestazo que me viene a la jeta. Y es que, como más de uno de vosotros habrá adivinado, la principal labor del director en esta película es hacernos agonizar con las secuencias del film todo lo que pueda. Nada de divertirnos, si no meter escenas y mas escenas para completar la película, como si de un álbum de cromos se tratase. De este modo, este amago de película discurre entre aburridísimas y rutinarias peleas de tres al cuarto y discursos abominables tipo Scooby Doo, hasta tal punto que la única lucha emotiva a la que va a asistir el espectador es la que mantiene el director con el tiempo, peleando desesperada y encarnizadamente en la sala de edición por alcanzar esa duración mínima necesaria para que salga al circuito comercial. Una cosa me quedo claro clarinete tras ver este vomitivo engendro del Hades, y es que esta es la visión de film perfecto según el director, pero por mi parte el muy subnormal, visión, lo que se dice visión, no debe tener ninguna, si atendemos a la fotografía a ratos medio destrozada, a los cuarenta y cuatro mil filtros digitales que nos mete por el ano (sin escupitajo de cortesía ni nada) y esos focazos epilépticos de puticlub que planta en cada escena, acaba trasladándonos su punto de vista de la historia, es decir, dejándonos completamente ciegos como si fuésemos el maestro del protagonista de la serie de Kung Fu.

Por si no ha quedado claro del todo, lo confirmo, este es un film de bajísimo presupuesto y de menor valía, cuyo único atractivo puede ser el ver al incombustible Danny Trejo liándose a hachazos con los zombies que se encuentra por las esquinas, pero es que ni por esa razón se podría ver esta película, o si, hay gente para todo. Por lo demás resulta carente de casi todo lo que hay que pedirle a una película del subgénero, o ya puestos, a cualquier película. Se trata de una especie de road movie mierder que resulta ser el fruto de una especie de fusión impía entre Mad Max con menos pasta aun y las últimas entregas de Resident Evil localizadas en el desierto. Aquí el cazador de zombies se dedica precisamente a eso, a reventar zombies a destajo mientras el resto le miran, al mas puro estilo de trabajo en España. Hasta aquí llega el argumento. El guión prosigue inexorablemente su camino hacia la más incongruente de las chorradas, culminando en un festival de despropósitos apestosos que no te acaba diciendo nada. Se puede decir que el supuesto guionista escribe la historia en torno a las alucinaciones que le produce la inhalación de alguna extraña e intoxicante sustancia rosa como en la película. Pero no os preocupéis porque en Zombie Hunter hay clichés como para parar un B52 en pleno vuelo, entre ellos el del clásico grupo de supervivientes que dan ganas de practicarles la eutanasia nada mas verlos. El grupo esta compuesto por la chica voluptuosa que esta mas caliente que el escroto de Satan, la otra chica guapa y recatadilla, su hermano deforme y subnormalizado de 15 años, un redneck pajillero y literalmente subnormal, el abuelo Cebolleta especializado en volar con aviones y mirar como pasa el tiempo, y el cura Danny Trejo que se dedica a acumular cuantos puntos de experiencia pueda en este lugar y a aceptar cualquier papel que le ofrezcan, por muy malo que sea.

Como intento de novedad en Zombie Hunter tenemos el motivo del apocalipsis que llega de una forma distinta a la habitual, aunque en el fondo nos acabe importando una mierda pinchada en un palo. Tras la abrupta llegada de una droga de color rosa, esta se expande como el humo de un porro en un establecimiento cerrado y la población que se ha yonkizado por su culpa, acaba transformándose en un puto zombie sin motivaciones liándola parda y convirtiendo a nuestro planeta en un bonito zurullo en linea de playa. La película nos sumerge en un mundo relativamente violento (ya que no se ve a casi nadie) a causa de este incidente. Y es aquí donde se nos presenta al cazador, un cliché redundante a modo de hombre solitario enfrentado a todo lo que le rodea, receloso incluso de sí mismo, con el carisma de un dildo sin pilas, subido a lomos de su Camaro y exterminando a cuantos zombies vea a tiros, a golpes de cuchillos mágicos o con su tranca haciéndoles un +6 hit combo a la cara. El parecido con el personaje protagonista del videojuego Max Payne es asombroso, solo le cambian tres cosas le añaden un poco mas de rollo Punisher o de un perdonavidas cualquiera de esos que tienen un cementerio aparte.

El asunto es que después de tirarse casi un año sin ver a un ser humano recorriendo los caminos putrefactos por los que pulula con su cara de gilipollas francés, se da de bruces con un grupo de survivalist mal equipados para el apocalipsis zombie, y con su líder que es el personaje interpretado por el cuñado de Robert Rodriguez, un sacerdote muy peculiar llamado Padre Jesús. Rodeado de dos féminas que se supone que están de toma pan y moja; Claire Niederpruem guapetona, algo mojigata y tontorrona y la explosiva (siempre que no le hagan zooms a la cara) Jade Regier, estos dos personajes solo están por el film para que se vayan insinuando de manera random a lo largo del metraje a nuestro anticlimatico personaje. Pero aun así el cazador no les hace ni puto caso ya que va en piloto automático con el guion y tiene que parecer aun mas solitario e inaccesible.

La trama alcantarillera de esta película poco más da de sí. Este supuesto guión podría resumirse con un par de “me cago en la puta de oros joder” y los actores del film también tienen lo suyo, pudiendo comprobar como van hundiéndose poco a poco a medida que avanza el film con sus interpretaciones de obra de teatro de preescolar donde finalmente acaban autocanibalizandose a si mismos. Solo puede definirse esta caca de la vaca como un conjunto de típicos tópicos de variados géneros, mezclados con batidora sin ningún sentido del buen gusto, aderezados con flirteos entre el protagonista y las dos chicas, con diálogos adjuntos que llevan algunas frases para pegarle a todos con un bate de baseball lleno de cuchillas de afeitar y la presencia de Danny Trejo haciendo de tío mas duro que los clavos de un ataúd y que a la larga pa lo que dura en la película vivo, se lo podrían haber ahorrado y su sueldo haberlo invertido en CGI decentes. Fijo que es el que mas cobra, es sin duda el Rutger Hauer mejicano.

Especial mención a los infumables CGI tan baratos, con monstruos gigantes plagiados directamente del Resident Evil del 96 (el videojuego), con un desarrollo tedioso, con momento de tío con motosierra loco incluido tan socorridos en este tipo de films pero que a diferencia que en otros metrajes que esa es un arma de leyenda (como en Sharknado) aquí vale menos que usar una cucharilla de café para asesinar a la people. Y, un descarado intento sodomizante de copiar los tonos cromáticos apagados de los autocines cincuenteros, aderezando el conjunto con una música electrónica al nivel de Chimo Bayo. Vamos, una deyección de Godzilla que no se sostiene por sí misma de ninguna de las maneras posibles, que incide y reincide en cada uno de los errores cometidos anteriormente en el subgénero de los muertos vivientes, de las películas rollo Mad Max, o de cualquier obra cinematográfica posible (excepto The Room, por supuesto).

En resumen, esta no es una de esas películas de “desconexión cerebral”, si no todo lo contrario. Hay que abrir a tope todos los sentidos para no perderte absolutamente nada. El más mínimo detalle chorras puede hacer que te despolles (o no, en mi caso no mucho). Todo esto se hace con una idea en mente y es para que ningún cliente potencial (cuya cifra de un test de CI no supere las 2 cifras) se pierda y crea que esta viéndose la ultima mierda de Jodorowski y acabe creyéndose mas listo que nadie tras su visionado. Esa no es la intención del largometraje en cuestión y puede confirmarse que esta película tiene pocos mensajes que darnos.

Básicamente toda la película es basura infecta con sangre rosa renderizada de por medio, que solo podrías verte hasta las trancas de LSD o con unos huevos mas grandes que el iceberg que acabo violando análmente al Titanic.

Producciones de género que han despertado un gran interés en Cannes, Venecia, Toronto o Sundance estarán en la Sección Oficial Fantàstic Competició de Sitges 2014. El Festival recoge la variedad temática y conceptual del género de nuestros días destacando la presencia de óperas primas y talentos emergentes, al lado de nombres consagrados.

La Sección Oficial Fantàstic a Competició de Sitges 2014 incluye Goodnight Mommy, del dúo austriaco emergente formado por Veronika Franz y Severin Fiala, una película que llega del Festival de Venecia en la que el terror psicológico empieza cuando dos gemelos sospechan que su madre no es su madre, sino alguien que se está haciendo pasar por ella. Spring es el nuevo título de Justin Benson y Aaron Morread, que también entra en la programación de Sitges 2014 y que estos últimos días ha triunfado en el Toronto Film Festival: en él, los responsables de Resolution (2012) explican la historia de un joven que emprende un viaje hasta un pueblo del sur de Italia, allí vivirá un romance con Louise, de la que pronto descubrirá que esconde un secreto que podría destruir la historia que habían empezado a construir. Un film que ha tenido muy bu ena acogida en Cannes es When Animals Dream, de Jonas Alexander Arnby, que estará en Sitges para mostrar como una adolescente de diez y siete años padece una enfermedad degenerativa que la va convirtiendo en licántropo. Durante su transformación, inválida en una silla de ruedas, tendrá que lidiar con su familia y los habitantes del pueblo que la van acorralando para acabar con su potencial peligro animal.

Aún dentro de la Secció Oficial Fantàstic a Competició, hay que destacar los títulos siguientes: la producción catalana L’altra frontera, de André Cruz Shiraiwa; The Signal, de William Eubank; Réalité, de Quentin Dupieux; Over Your Dead Body de Takasi Miike; la española Pos eso, de Samuel Ortí Martí; Oculus, de Mike Flanagan;Cub,de Jonas Govaerts; I Origins, de Mike Cahill; Jamie Marks is Dead, de Carter Smith; These Final Hours, de Zik Hilditch; Sword of Vengeance, de Jim Weedon. Estos films se suman a los ya anunciados ya Aus yeux des vivents, d’Alexandre Bustillo i Julien Maury; Alleluia, de Fabrize Du Welz; It Follows,de David Robert Mitchell; The Babadook, de Jennifer Kent; A Girl Walks Home Alone at Night, d’Ana Lily Amirpour y The Voices, de la reconocida autora de cómicos Marjane Satrapi.

En cuanto a la Secció Fantàstic Panorama, Sitges 2014 contará con Let us Prey, del irlandés Brian O’Malley; Fièvre, de Louis Deluc; Preservation,de Critopher Denham; Honeymoon, de Leigh Janiak y Creep, de Patrick Brice. Títulos que se unen a Late Phases, d’Adrian García Bogliano y a la neozelandesa Housebound, dirigida por Gerard Johnstone.

Fantàstic Panorama también programa tres películas incluidas en la tipología de films codirigidos por diferentes directores y presentados en formato de capítulos. Por un lado, las norteamericana V/H/S Viral, dirigida por Marcel Sarmiento, Nacho Vigalondo, Gregg Bishop, Todd Lincoln, Justin Benson y Aaron Moorhead, y ABC’s of Death 2,la esperada secuela de cortometrajes de terror realizada por 26 directores, entre los que figuran Álex de la Iglesia, Alexandre Bustillo, Sion Sono o Vicenzo Natali. Y por el otro, la mexicana México Bárbaro, dirigida por Jorge Michel Grau, Isaac Ezban, Laurette Flores Born, Ulises Guzmán, Edgar Nito, Lex Ortega, Gigi Saul Guerrero y Aaron Soto. Esta última también estará enmarcada en la nueva sección Blood Window, que reúne títulos de género producidos en Latinoamérica y que se organiza en colaboración c on el proyecto del mismo nombre en el mercado de cine Ventana Sur de Buenos Aires.

La Secció Oficial Fantàstic Especials contará con dos sesiones especialmente destacables. La española Autómata, dirigida por Gabe Ibáñez y protagonizada por Antonio Banderas, que estará presente en Sitges 2014 para recoger el Gran Premio Honorífico por su trayectoria cinematográfica. También se proyectará Tusk, la esperada nueva producción de Kevin Smith, quien en el 2011 se llevó el Premio a la Mejor Película por Red State.

Las últimas producciones de grandes nombres como David Cronenberg (Map to the Stars), Jean Luc Godard (Adieu au langage), Kim Ki-duk (One on One) o Takashi Miike (The Mole Song: Undercover Agent Reiji) así como la inauguración con la esperada REC 4, de Jaume Balagueró, o la producción de Álex de la Iglesia,Musarañas, centran Sitges 2014. Una edición que reconocerá con un Gran Premio Honorífico la carrera de Roland Emmerich, el director que ha destuido el mundo en más ocasiones y de la forma más espectacular, y que contará también con la presencia destacada de Pablo Helman, el genio de los efectos especiales de las películas de Steven Spielberg y George Lucas.

Aquí puedes descargarte la programación completa del Festival de Sitges 2014.